L'histoire d'un canard numérique...

Family Guy, de Seth McFarlane

Anansi — Sun, 30 Nov 2008 12:09:00 +0100

Première oeuvre du génial Seth McFarlane, Family Guy (plus connue en France sarkozyste sous le titre Les Griffins) fait sans doute partie de ce qui se fait de mieux actuellement dans le domaine des séries animées. C'est vif, acerbe, absurde... En somme, ça fait tellement de bien qu'on se demande pourquoi ça n'a pas encore été interdit par la Bible. Revenons donc sur ce show, qui en est maintenant à sa septième saison aux Etats-Unis : il n'est jamais trop tard pour bien faire.

Lucky there's a family guyyyyyy...!
    Voilà quelques mois, je vous avais parlé d’American Dad, le dernier cartoon en date du sieur Seth McFarlane. Mais si, souvenir-vous : il me semble bien avoir prononcé les mots "fantastique" et "merveilleux", tellement ce dessin animé est fantastiquement merveilleux. Mais, la vie étant intrinsèquement injuste, je n’avais pas encore eu l’occasion de vous parler de Family Guy, la première œuvre du bonhomme, celle qui lui a permis de "passer de pauvre immigré vietnamien à millionnaire caucasien" (c’est lui qui le dit, je n’y suis pour rien).
    Hé bien, si vous le voulez, réparons cet affront, à grands coups de clé à molette et mots qui se suivent pour former des phrases électro-cosmico-fantasmagoriques. Parce que je pars du principe que vieux motard que jamais, et puisque de toutes façons la Terre explosera dans quelques jours maintenant, autant faire ce dont j’ai envie. Family Guy, donc. Débutée le 31 janvier 1999 sur la Fox, la série (intitulée Les Griffins en France française) met en scène les aventures et déboires d’une petite famille moyenne de classe moyenne de l’Amérique moyenne.
    Le père, Peter, est une sorte de croisement entre un geek et un produit périmé de la société de consommation : il ne vit que pour sa télé, et profite de la première occasion venue pour balancer quelconque référence à la pop culture. Avec ça, il est crétin, irresponsable, dénie toute responsabilité, et il est la plupart du temps le seul à rire de ses propres vannes. Finalement, malgré l’évident capital sympathie du personnage, on se rend vite compte qu’il n’est pas franchement original ; l’archétype du père de famille cinglé et loufoque (oui, "loufoque". Moi aussi je peux utiliser des mots ringards si je veux. Et d’ailleurs, si vous y réfléchissez, "ringard" est lui-même un mot plutôt ringard).

You wretched mother, why don't you go to hell ?
    On ne peut donc pas vraiment en vouloir aux fans des Simpsons, quand ils disent que Family Guy est un plagiat. Les ressemblances sont évidentes, Peter Griffin n’étant pas si éloigné d’un Homer Simpson. De même, Loïs, la mère de famille dévouée et obéissante, est proche de Marge… En fait, d’une manière générale, Family Guy ne brille pas par ses personnages, plutôt fades. A titre de comparaison, ceux d’American Dad ont plus de charisme, ont tout simplement plus d‘intérêt, et ne sont pas là uniquement pour servir l‘intrigue.
    Exception faite (il y a toujours des exceptions, je suis un scientifique avant tout) de Stewie, le bébé de famille… Un gosse de un an à moitié fêlé, qui passe ses journée à vouloir tuer sa mère et à fomenter des plans diaboliques pour asseoir sa domination sur le monde. Avec son vocabulaire fleuri et son fantastique doublage en prime (time), Stewie est un bijou. Mais, là où Family Guy va chercher tout son immense potentiel comique, c‘est dans la construction de ses épisodes, très particulière. En fait, ceux-ci sont farcis de "gags-flashback" , sans aucun rapport avec l‘intrigue principale.
    De ce fait, on baigne régulièrement dans l’absurde, sans qu’il n’y ait véritablement d’histoire à proprement parler. Cela est surtout vrai pour les trois premières saisons (la série en compte sept pour l‘instant), les scénaristes ayant voulu par la suite donner plus de poids à leurs histoires, à l’image d’American Dad. Mézilnempêche que tous ces gags-flashbacks intempestifs, véritable marque de fabrique de Family Guy sont un vrai régal pour qui aime l’humour grinçant et acéré, parfois sans queue ni tête. En effet, les auteurs se servent de ces "vignettes" pour balancer des vannes sur tout et n’importe quoi, et pour se vautrer avec joie dans le politiquement incorrect.

Un comique absurde comme les gens biens l'aiment.
    De la même manière, Peter et Chris (le fiston de 14 ans) étant des geeks finis, les critiques et piques sur un nombre incroyable de personnalités, shows, films ou comics n’en finissent plus. Mais tout ça est fait dans la bonne humeur : le créateur Seth McFarlane est les autres auteurs sont des geeks avant tout, et profitent de leur série pour lancer des références à leurs séries préférées. L’apothéose étant bien évidemment Blue Harvest, le double-épisode du début de la saison 6, hommage parodique à Star Wars lancé sous la bénédiction du violeur d’Indiana Jones, George Lucas himself (qui d’autre ?).
    Bon, évidemment, comme toutes les bonnes séries que possèdent la Fox, elle fut annulé par cette dernière parce qu’elle n’amenait pas assez de téléspectateurs. La chaîne l'a même annulé deux fois, tout d’abord en 2000 après la deuxième saison, puis en 2002 après la troisième… Mais, par deux fois, la série put reprendre, grâce aux grosses ventes de DVD et aux bons taux d’audience des rediffs sur Carton Network. Ce fut même la première série qui fut ressuscité grâce aux ventes de ses DVD, exploit qui sera réédité par la suite pour une autre série de la Fox, la fantastique Futurama. Mais, pour l’instant tout va bien pour Family Guy, celle-ci étant désormais l’un des faire-valoir de la chaîne.
    Et à juste titre : Family Guy est vraiment extraordinaire. Assez différente d’American Dad pour que les deux ne se phagocytent pas (la deuxième garde l’absurde de la première, en abandonnant les cutaway gags et en privilégiant l’histoire et les personnages), elle est véritablement l’un des tout meilleurs shows actuels. Pour peu que vous tombiez dessus sur Paris Premiere ou Canal quand ça passe, n’hésitez pas à y jeter un coup d’œil : si vous aimez l’humour geek référentiel et absurde sans qu‘il ne verse dans le n‘importe quoi sans âme, vous devriez là avoir votre Saint Graal.

Les Restes Du Monde, N°22

Anansi — Mon, 17 Nov 2008 14:13:00 +0100

Oui, ces Restes du Monde sont 100% médiévaux

Décidément, Showtime s'est découvert une passion pour l'Histoire. En effet, après The Tudors, voilà que la chaîne cablée (Dexter, Californication, Weeds, tout ça tout ça) désire monter une nouvelle série ayant pour thème Camelot et ses preux chevalier de la Table Ronde. A la tête du projet, ni plus ni moins que Michael Hirst et Morgan O'Sullivan, créateur-scénariste et collaborateur sur The Tudors. En gros, deux poids lourds : si la première saison des Tudors était plate, racoleuse et brouillonne, la saison 2 est fantastique de bout en bout, ce qui nous laisse augurer de belles choses pour ce Camelot. A la manière de sa grande sœur (et de Rome), la série sera financée par différentes firmes de par le monde, puisque ce seront Showtime elle-même et la BBC qui se chargeront de sortir les brouzoufs, puis, si le Pilote convient, la production reviendra à Ecosse Films et Octagon Films. On n'en sait pas beaucoup plus l'instant, l'intrigue reste floue, mais connaissant Hirst (qui écrira tous les scénarios), on peut s'attendre à une reconstitution historique pure, et pas forcément une pièce de théâtre pour ado comme le Merlin de la BBC One (au fait, vous avez remarqué ? Quand vous tapez Merlin sur Google, vous tombez en premier sur Leroy Merlin. Oui, ne me remerciez pas, je viens de vous ensoleiller la journée).

De Kaamelott à Rome

On reste encore avec ces bon vieux Chevaliers de la Table Ronde, mais on retourne cette fois-ci en France, pour parler de notre vision à nous, qui fait briller cette pauvre téloche française depuis maintenant presque quatre ans (putain, déjà !). En effet, vous n'êtes pas sans savoir que le Livre VI de Kaamelott devrait débarquer en début d'année prochaine, pour neuf épisodes de 40 minutes qui clôtureront la série et ouvreront sur les films à venir... Hé oui, après ça, fini Kaamelott à la téloche. Je vous l'avais également dit, ce Livre VI revient sur la Genèse, pas celle de la Bible, mais celle d'Arthur : son temps à Rome, et son arrivée au Trône de Bretagne. Pour cela, toute l'équipe Lyonnaise est partie à la Cinecittà de Rome, et les premières images commencent à arriver par douzaines de milliers... Et, franchement, ça tue. Déjà, Alexandre a vraiment rajeuni de 15 ans. Et puis on a droit à de vrais costumes romains, et d'une manière générale la production a mis les bouchées doubles sur la photographie et les décors... Le fan absolu de la série Rome que je suis, est d'ailleurs ravi de voir les décors réutilisés (enfin, ceux qui n'ont pas brûlé, en tout cas). Il suffit de ces trouzaines d'images (gracieusement fournies au sympathique site On en a gros) pour se rendre compte que Kaamelott, Livre 6 - Arturus Rex (son titre officiel, assorti d'un nouveau logo) ne la joue pas petits bras, et c'est là qu'on se dit qu'enfin, Alexandre Astier a pu avoir les moyens de ses ambitions. C'est beau. En tout cas, si 2009 vous parait trop loin, rabattez-vous en attendant sur le DVD du Livre V qui sortira le 26 novembre, avec au programme un nouveau montage avec des images jamais vues à la télé (oui, je fais de la pub, et je vous dis prout), un générique modifié, un rythme différent et de la musique supplémentaire, ainsi qu'un teaser du Livre VI, et les bonus habituels comme le bêtisier ou le docu de Christophe Chabert.

Changeons de sujet, et d'Astier

Puisque je suis un roi de la transition, je vais encore vous parler d'un homme qui a eu les moyens de ses ambitions... Et on ne s'éloigne pas trop, puisqu'il s'agit de Simon Astier, demi-frangin d'Alexandre. Néanmoins, son actualité ne concerne pas Kaamelott mais une autre série, qu'il a créé avec ses mimines : Hero Corp. Diffusée depuis le 25 octobre dernier sur Comédie, la série raconte l'histoire évidemment débile de super-héros déchus ou démotivés partis prendre une retraite bien méritée en Lozère. Mais ces anciens membres de la Héro Corp, aidés par un John (Simon) qui ne connait pas encore sa destinée, devront reprendre du service lorsque The Lord reviendra sur Terre et menacera de la détruire... En bref, de l'absurde, de l'humour bas de plafond revendiqué, des super héros et du comics. Tout ce qu'aime son auteur. Pour incarner les héros aux cotés de Simon Aster, on retrouve bien évidemment Alban Lenoir, ami depuis toujours (leur précédente pièce de théatre, Entre Deux, est extraordinaire), et toute une troupe d'individus bien motivés à jouer ces super-zéros super craignos. Alors, si vous captez Comédie (ou France 4 en 2009), faites-vous plaisir, vous soutiendrez un gars bien et vous aurez droit à de la bonne comédie, ce qui est de plus en plus rare de nos jours.

Hellboy II, de Guillermo Del Toro

Anansi — Tue, 11 Nov 2008 10:10:00 +0100

(Oui, quand il ne fait pas mumuse dans l'eau, Abe Sapiens fait des cochonneries avec Neil Gaiman). La première incursion de Guillermo Del Toro dans le comics de Mike Mignola ne s'était pas faite avec douceur : personnages plats et histoire trop simpliste et grand public accouchèrent d'un film trop bancal pour être bon. Mais, après avoir pondu Le Labyrinthe de Pan (le plus grand film de cette décennie), le réalisateur mexicain s'accorde une deuxième virée avec Hellboy... Pour un film qui ne serait qu'un film d'action simple (et simpliste) s'il ne disposait pas d'un ingrédient magique : les fantastiques trouvailles visuelles de Del Toro.

Un scénario anecdotique.
    Evidemment, c’est pour ça qu’on va le voir, cet Hellboy II. Pour l’imagination débridée de Guillermo Del Toro, le seul réalisateur actuel qui sait ce que le mot "film fantastique" veut dire, et qui ne le fait pas rimer avec "business pour enfants pathétique". On veut voir des monstres effrayants, des créatures poétiques, ésotériques, voir mystico-philosophiques. On veut de la force antique. Et ces Légions d’Or Maudites (pourquoi maudites ?) nous offrent tout ça, sur un plateau d’argent incrusté de diamant. Parce que, s’il ressort une seule chose de ce deuxième voyage du réalisateur mexicain au pays du démon rouge, c’est qu’il s’est fait un plaisir monstre. Les créatures magiques pleuvent sur chaque millimètre de la pellicule, avec une générosité sans pareille.
    Dès la première scène, le phénomène est évident. Dans un prologue nous rappelant l’histoire du héros tout en nous contant la nouvelle intrigue, on voit s’étaler sous nos yeux une armée de marionnettes recréant l’histoire des légions d’or, tandis qu’un Hellboy pré-pubère boit les paroles de son père adoptif… Alors, en même temps que le héros, on apprend l’étendue du scénario. Au temps où les elfes antiques – créatures de la nature – étaient perpétuellement en guerre contre les humains, les premiers firent construire une armée mi-organique mi-mécanique indestructible qui anéantirait leurs ennemis. Mais devant l’ampleur du massacre, le Roi des Elfes fit enfermer la Légion d’Or, et brisa en trois la couronne permettant de les contrôler.
    Alors, une trêve entre elfes et humains fut proclamée, chacun vivant dans son monde. Mais, évidemment, le Prince Nuada n’était pas de cet avis. Autant le dire clairement : le scénario de cet Hellboy II ne brille ni par son originalité, ni par sa profondeur. Tout fan d’héroic-fantasy sera passionné, évidemment : mettez leur une trêve antique, des elfes et des trolls dans un bocal, et il seront les plus heureux. Mais, du point de vue même de Del Toro, l’intrigue du film n’est en fait qu’une excuse pour faire évoluer ses personnages et mettre en place son monde et ses créatures. Quitte à ce que les fameuses Légions d’Or passent au second plan, le réalisateur se régale à nous montrer ces freaks.

Mythologie et heroic-fantasy sont dans un bateau...
    A commencer d’ailleurs par nos personnages principaux du BPRD. N’ayant plus besoin de les présenter, le réalisateur nous plonge directement dans le quotidien de cette équipe de choc : l’aquatique Abe Sapiens (toujours interprété par le compagnon de longue date de Del Toro, Doug Jones), ou encore le couple formé par Red et Liz Sherman. Ces premières scènes au sein du Bureau for Paranormal Research and Defense ont le mérite de nous plonger directement dans l’état d’esprit des protagonistes, et avec un humour exacerbé qui ne quittera pas le film. Ce gros barbu de Guillermo s’approprie le monde de Hellboy comme s’il était le sien, tout en respectant à la lettre les jalons posés par Mike Mignola.
    Pour les autres personnages, le constat est le même : magnifiques d’ingéniosité et de classe visuelle, ils occupent véritablement toute la caméra. A commencer par le Prince Nuada. Comme énormément d’éléments de cet Hellboy II, il emprunte directement son identité de la mythologie celtique irlandaise, ou le Dieu Nuada était le roi mythique de la tribu de la déesse Dana. Sa lance d‘argent pur, qu’il manie avec une dexterité folle (les chorégraphies sont extraordinaires), n’est d’ailleurs pas sans rappeler l’épée de Duana, ou encore la Sainte Lance de Longinus… Et d’ailleurs, l’argent duquel est forgé la lance dans le film est en référence au Duana mythologique dont le bras a été coupé puis remplacé par une prothèse d’argent par le dieu Diancecht. Et, enfin, son physique brut albinos n’est pas sans rappeler le légendaire Elric de Melniboné, de Michael Moorcock…
    Tout ceci n’est en fait qu’un élément parmi tant d’autres qui viennent renforcer tout l’aspect visuel et la narration du film. Le nombre de détails est ahurissant, distillés avec une méthode cryptique absolument passionnante pour qui est un minimum réfractaire aux mythologies celtiques et les mondes fantastiques créés par Lovecraft ou encore - et d’une manière plus frappante - Lord Dunsany, véritable pierre angulaire de l’imaginaire de Del Toro. En allant puiser dans sa très grande culture et en se servant des éléments déjà présents dans le comics originel, le réalisateur-scénariste crée un univers de toute pièce avec une passion dévorante.

Un splendide bestiaire.
    Alors, tout cet imaginaire créé par Del Toro et mis en image par Guillermo Navarro (le directeur de la photographie depuis toujours) s’étale sous nos yeux : la princesse Nuala, Johan Krauss (le nouveau membre du BPRD à l’allure fantastique, doublé en v.o par ni plus ni moins que Seth McFarlane, créateur de Family Guy et American Dad !), les effrayantes Petites Souris, le splendidement déstabilisant Ange de la Mort qui rappelle le Pale Man du Labyrinthe de Pan, la créature végétale correspondant à l’un des climax du film… Ou encore le Marché aux Trolls (sous un pont, évidemment), ou chaque plan est une ode à la bizarrerie, aux monstres hideux ou aux personnages étranges ; l’un abrite une chimère, l’autre est un être sylvain avec une sculpture de chapelle gravée au sommet de la tête… Ce bestiaire est véritablement la raison qui met Hellboy II sur un piédestal et le distingue du blockbuster moyen.
    Malheureusement, il partage également les autres défauts des blockbuster, à savoir un humour certes efficace mais qui tend à dédramatiser les situations, un manque de profondeur des personnages, un scénario trop léger, et - surtout - une histoire d’amour entre Red et Liz qui sent trop la praline. D’ailleurs, puisqu’on en est aux reproches, pourquoi les distributeurs ont-ils décidé de sortir le film en France presque six mois après les Etats-Unis ? Non seulement c’est un appel au piratage (surtout que le DVD Zone 1 est sorti le 11 novembre…), mais surtout c’est une opération suicide ; ce n’est pas étonnant que le film se soit viandé, quand il sort fin octobre plutôt qu’en été, et de surcroît deux jours avant le nouveau James Bond. Universal, va crever, pourriture communiste !
    Malgré tout, Hellboy II ne déçoit pas, et est incomparablement meilleur que le premier du nom. Fort de son expérience acquise avec Le Labyrinthe de Pan, Guillermo Del Toro offre un film certes beaucoup plus grand public que le précédent (ça n’a juste rien à voir), mais qui ne l’empêche pas d’avoir des qualités. Le réalisateur réussit à mêler le spectaculaire et l’intimiste, prend le temps de développer un minimum ses personnages, et s’amuse à les faire évoluer dans un univers qui emprunte à la fois aux conventions du fantastiques et aux mythologies celtiques. Le résultat visuel est irréprochable, et la mise en scène de Del Toro le transcende encore, pour livrer un film beau, tout simplement. Hellboy II restera sans nul doute dans la filmographie du réal’ comme l’une de ses œuvres mineures - elle n’arrive pas à la cheville de L’Echine Du Diable ou du Labyrinthe précité -, mais les films fantastiques intelligents et cultivés sont tellement rares que vous ne devez pas vous priver.

Quantum of Solace, de Marc Forster : un véritable Bond en arrière

Anansi — Thu, 06 Nov 2008 13:23:00 +0100

Casino Royale fait sans problème partie de mon top 3 des films de l’année 2006. Il m’avait franchement impressionné, le filou, avec son changement radical dans la manière d’aborder l’histoire de James Bond, et c’était donc avec une impatience évidente que j’attendais sa suite directe, Quantum Of Solace… Hé ben, je vous le dis, ça fait mal. Aïe.

Un total retournement de veste, pour un spectacle à pop corn.
    Forte de l’immense succès critique et public de Casino Royale, la franchise James Bond a véritablement acquis un second souffle. Avec en tête de proue un Daniel Craig qui a surpris tout le monde, le célèbre agent secret britannique quittait son flegme légendaire pour arborer celui du héros torturé et cynique, dans une aventure viscérale et sans fioriture, inspirée par les nouveaux cadors du genre (la trilogie Jason Bourne, par exemple). Alors, évidemment, l’attente pour ce Quantum of Solace était plus qu’énorme. Mais, malheureusement, malgré tout le bien que l’on espérait, ce vingt-deuxième film de la série est une grande et réelle déception.
    Alors que Martin Campbell avait voulu prendre un véritable virage à 90° en privilégiant l’intrigue et les personnages et en mettant de coté les scènes d’action, Quantum Of Solace aborde la technique inverse : ça pète dans tous les sens, les scènes de baston s’accumulent durant tout le film… On assiste véritablement à un film d’action tout ce qu’il y a de plus basique, où il faut remplir les cervelles des mangeurs de pop corn avec des gros flash, et surtout ne pas les ennuyer avec un scénario. De ce fait, l’intrigue est considérablement réduite, et pratiquement rien n’est expliqué, si bien que l’aventure de Bond passe au second plan.
    Pourtant, il y avait de quoi attendre beaucoup du scénario parce que, pour la première fois dans l’histoire de saga, cet épisode est la suite directe du précédent. En effet, Quantum Of Solace reprend exactement là où Casino Royale s’est arrêté : décidé à trouver les dirigeants de l’Organisation à laquelle appartenait Le Chiffre et qui était responsable du chantage ayant abouti à la mort de Vesper Lynd (Eva Green), Bond interroge le fameux Mr White. Finalement, une piste emmène le MI6 en Bolivie, où une certaine Camille dirige James Bond vers le voie de Dominic Greene, magnat économique local désirant acheter une partie du désert pour des raisons encore inconnues.

Quantum of quoi, déjà ?
    Mais, alors qu’on croirait avoir affaire à un scénario qui tient la route et cohérent dans sa continuité avec Casino Royale, on est en fait en face d’un truc complètement bâclé, et bourré d’incohérences. Pourtant, c’est toujours Paul Haggis (entre autres), réalisateur de l’excellent Crash et co-scénariste sur Casino Royale, qui est à la barre… En plus, le bonhomme porte le nom d’une délicieuse spécialité écossaise qui me rappelle mon bon temps passé sur l’île de Skye, donc on pourrait croire qu’il est réglo. Mais cette fois il a dû écrire son scénar’ sur un bout de table avant d’aller faire son cours d’aquagym (oui, Paul aime l’aquagym), c’est juste pas possible.
    Déjà, je vous préviens : après avoir vu le film, vous vous demanderez encore pourquoi il s’appelle Quantum Of Solace… Il y a bien un projet Quantum qui est évoqué, mais une seule fois, et rien (mais alors rien du tout) n’est expliqué. Pareil pour la fameuse organisation : à la sortie de la salle, on n’est pas plus avancé, et on a la claire impression – justifiée – que toute l’intrigue n’a finalement servie à rien. Ajoutez à ça de multiples voyages du héros dans le monde entier qui rendent son aventure brouillonne et franchement chiante à suivre, et des erreurs qui montrent que les scénaristes n’arrivaient pas non plus à s’en sortir, et vous aurez la totale…
    Pour vous donner un simple exemple parmi tant d’autres, à un moment du film Bond se fait confisquer toutes ses cartes de crédits dans un pays slave, et se retrouve en Italie la seconde d’après. Facile pour lui. Ce sont ces accumulations d’éléments qui rendent l’histoire délicate à comprendre et entreprendre, et de ce fait on ne peut pas se sentir concerné par le sort des héros. Même le grand méchant, pourtant normalement tellement imposant et impressionnant, parait insignifiant au possible. Là où on a normalement un grand terroriste intouchable, on a ici un petit trafiquant, aux allures écolo parce que c’est ce qui inquiète les gens en ce moment. On s’en fout un peu, donc, malgré un excellent Mathieu Amalric.

Allez James, tu feras sûrement mieux au prochain.
    Justement, parlons du casting. Finalement c’est l’un des bons points du film. Concernant James Bond en lui-même, Daniel Craig se révèle absolument impressionnant, et justifie encore une fois, si besoin était, qu’il incarne l’espion anglais à la perfection : éclatant de classe dans sa minéralité et son cynisme, il est le réceptacle parfait d’un James Bond vindicatif, plein de rancœur et d’animosité, qui aboutira finalement à un désir d’être un chevalier solitaire. Ce qui ne plaira pas forcément au MI6, ni à la CIA qui cherche à établir des relations avec Dominic Greene.
    Sa compagne de route, Camille, est elle aussi joué à la perfection par Olga Kurylenko. Loin de son rôle dans Hitman où elle était une cruche prête à se mettre à poil à la première occasion venue, elle est ici une véritable héroïne prenant part à l’action, et pas une simple James Bond girl. Malgré tout, on ne va pas rêver : les psychologies des personnages sont très loin (mais alors super loin, hein) d’être aussi développées que dans Casino Royale. Nous avons ici le minimum syndical, engendrant encore une fois le fait que l’on se foute royalement de ce qui peut leur arriver. Non, ce qui compte pour Marc Forster, ce sont les scènes d’action, et là par contre le bonhomme s’est fait plaisir : action en voiture, en corps-à-corps, au bout de câbles, en bateau, en avion… Il ne manque que le tractopelle, et le bonhomme a fait le tour.
    Manque de bol, pour celui comme moi qui avait adoré Casino Royale pour sa psychologie et sa volonté de proposer un James Bond avec moins d’action et plus de tension, c’est la purge. On retiendra tout de même quelques bons éléments, comme Daniel Craig et Olga Kurylenko (une ukrainienne d’origine française qui joue une bolivienne, c’est drôle), ou encore cette extraordinaire scène de l’opéra qui pour le coup est vraiment inspirée, mais sinon c’est la douche froide : un scénario plus que bâclé qui n’apporte rien et n’explique rien, de nombreuses incohérences, des scènes d’action à répétition qui abrutissent le spectateur, une psychologie des personnages réduite à néant… James est à terre, blessé.

The Graveyard Book, de Neil Gaiman

Anansi — Fri, 31 Oct 2008 12:12:00 +0100

Deuxième conte "pour enfants mais pas que" de Neil Gaiman après Coraline, The Graveyard Book narre l'histoire de Bod, enfant élevé par les fantômes d'un cimetière après le meurtre de ses parents... Prenant pour base Le Livre de la Jungle, l'auteur anglais transpose l'histoire dans un univers sombre et fantastique. Un monde peuplé de créatures de toutes sortes, créé et mené d'une main de maître par un auteur à la plume toujours aussi stupéfiante.

De la nécessité d'être retenu.
    Je vous l’avoue, humblement, la main sur le cœur : je suis un vendu. Ouaip, une crapule de passionné, haut en couleur et bas de plafond, en pleine suspension of disbelief eléctro-cosmique qui n’arrive plus à se défaire d’un art lorsqu’il en est imprégné. Neil Gaiman est mon héros. Ce n’est sans doute pas un secret pour n’importe qui lit ce site assez fréquemment plutôt que d’être tombé dessus par hasard après avoir cherché une photo de Michael Scofield sur Google. Ce mec est un peu mon père spirituel ; il a toujours su écrire ce que je voulais lire. A chaque fois, c’est en plein dans le mille. Et cela continue encore aujourd’hui, avec The Graveyard Book, sorti le 20 octobre dernier en Grande-Bretagne (et quelques semaines plus tôt aux Etats-Unis).
    Alors, inutile de le dire, mon boulot pour cet article sera de vous parler de ce dernier livre de l’auteur anglais sans trop donner l’impression d’accumuler les superlatifs et ainsi de discréditer tout mon propos. Revenir sur Terre. Terre-à-terre. Ventre à terre. Ziouuuu. Difficile de rester dans le concret, cependant. Parce que là où The Graveyard Book trouve son inestimable force, c’est dans son immense honnêteté émotionnelle. De l’impalpable émotion. Tous les personnages de ce conte sont animés par leurs sentiments, leurs combats face au monde, à la vie, à la mort, et tout ce qui va entre les deux. Mais je m’égare déjà. Je vais trop loin. Revenons en arrière. Commençons par le commencement, comme un scientifique mettrait en place son matériel et ses méthodes avant de discuter de ses résultats. Parlons de l’Histoire de ce Livre du Cimetière.
    “There was a hand in the darkness, and it held a knife”. Telle est la première phrase du livre. Oui, parce que tout commence par un meurtre. Trois meurtres, en fait. Une famille entière. Seul problème : il y aurait dû en avoir quatre. The man Jack était pourtant LE meilleur pour ce boulot, mais le bébé a réussi à s’enfuir pendant qu’il tuait ses parents. Réfugié dans le cimetière tout proche, l’enfant sera alors élevé par ses habitants (les fantômes, évidemment, et d’autres créatures) et se verra appelé Bod, diminutif de Nobody parce que personne ne connait son nom. En grandissant, Bod découvrira tous les secrets du cimetière, et se heurtera aux difficultés de grandir tout en devant rester à l’écart des autres. Parce que sa maison est chez les morts.

Entre le roman et le recueil de nouvelles.
    Malgré ce début de scénario qui ne semble pas franchement des plus joyeux, The Graveyard Book est un conte pour enfants. Enfin, plus précisément, c’est un conte que les enfants peuvent lire. En fait, l’auteur a une fois affirmé qu’il avait écrit avec The Graveyard Book le genre de livres qu’il aurait adoré lire quand il était enfant, mais qu’il avait tendance à être un gosse étrange. Ce conte-là est donc macabre, se passe en grande partie dans un cimetière, et est peuplé de fantômes étranges, ectoplasmes évanescents, goules inquiétantes, loups-garous, vampires, ou encore de ces créatures qui sont les plus dangereuses de toutes : les humains.
    Le premier conte pour enfants de Neil Gaiman, Coraline, était déjà dans ce cas-là : même s’il était destiné aux plus jeunes, il n’en contenait pas moins une ambiance gothique oppressante, des gens avec des boutons à la place des yeux, et plusieurs éléments venant déranger le lecteur (ah la scène du théatre…), qui ont fait de Coraline le livre le plus marquant « visuellement » de l’auteur à mes yeux. A ce titre, The Graveyard Book est sans conteste moins oppressant que Coraline, mais il n’en est pas moins marquant par son accumulation d’éléments originaux créés par l’imagination débridée de son auteur et encore une fois magnifiquement et subtilement illustré par le collaborateur de longue de date de l’auteur, Dave McKean. Avec une facilité de lecture qui nous fait dévorer les pages à une vitesse folle, on suit les aventures de Bod, de sa toute jeunesse jusqu’à ces seize ans.
    En effet, The Graveyard Book raconte toute l’éducation du héros, dans un découpement scénaristique encore inédit chez l’auteur. Plus précisément, chacun des huit chapitres du livre prend place grosso modo deux ans après le précédent, et peut se lire indépendamment des autres : ils racontent chacun une histoire, une étape de la vie de Bod, tout cela mis bout-à-bout formant l’histoire globale. Pour l’anecdote, Gaiman commença par écrire The Witch’s Headstone, une nouvelle (récompensée d’un Locus Award) à propos d’un enfant élevé dans un cimetière qui vient en aide à une sorcière enterrée sur place, et c’est lorsque sa fille lui demanda la suite de l’histoire qu’il décida d’écrire un livre complet. Ainsi naquit The Graveyard Book, The Witch’s Headstone en constituant le chapitre quatre.

“Name the different kind of people,” said Miss Lupescu. “Now.”
Bod thought for a moment. “The living,” he said. “Er. The dead.” he stopped. “Then… Cats ?” he offered, uncertainly.

Une touchante et authentique honnêteté.
    Ce choix de construction narrative, entièrement remplie d’ellipses et préférant se focaliser sur uniquement certaines époques en particulier, permet d’offrir une histoire d’un dynamisme passionnant, le scénario ne souffrant à aucun moment de points morts durant les plus de 300 pages. Mais cela ne veut pas dire pour autant que l’intrigue s’en retrouve plus légère, et élaguée de sa profondeur : tous les personnages permettent au contraire d’offrir un monde fourmillant de détails. Par contre, l’intrigue et les retournements de situation eux-mêmes ne sont pas franchement inattendus : on sait plus ou moins très vite qui sont les méchants et les gentils, l’intérêt étant très maigre de ce coté-là (et c’est la grosse différence entre les livre dits « pour enfants » et ceux « pour adultes » de Gaiman).
    Mais ce dernier livre de l’auteur possède quelque chose en plus, que je n’avais pas retrouvé depuis Stardust : une forme d’amère tendresse ou de douce tristesse qui touche véritablement le lecteur. Ce n’est pas une figure de style : Gaiman réussit à créer une histoire construite sur des actes manquées, des sentiments purs. La naïveté de Bod, due à son éducation dans un cimetière loin des conventions « normales » du monde vivant, est si touchante que l’on ne peut que se sentir concerné par son sort, par sa vie. Évidemment, quand il doit sortir du cimetière pour accomplir certaines tâches, sa déconnexion par rapport au monde des autres est d’autant plus évidente pour lui, comme un total étranger au milieu d’un monde nouveau et incompréhensible… Et ce malgré toutes les leçons de Miss Lupescu, l’un des fantômes chargés de son éducation.
    Hommage évident et sincère au Livre de la Jungle (The Jungle Book en v.o) de Rudyard Kipling, The Graveyard Book en aborde les thèmes tout en les transposant dans son univers propre : Bagheera prend ici les traits de Silas, un être ni vivant ni mort (“At the borders of things.”), tandis que les animaux de la jungle sont évidemment ici les fantômes du cimetière, avec chacun son histoire développée et sa personnalité propre. Ils paraissent s’animer sous nos yeux, comme si on les avait toujours connus, et qu’on cherchait seulement la bonne excuse pour les retrouver. Ils nous chérissent, tous ces fantômes lugubres, nous emportent dans leur Mort en même temps que le héros, et c’est avec délectation et sans même s’en rendre compte que l’on les suit. Ils nous montrent leur tombe bien lavée, leur parterre de fleurs chères et soignées, et nous invitent même dans leur intimité la plus profonde, le temps d’une Danse Macabre, dans le bouleversant et tourbillonnant chapitre 5.

Une fin qui vient trop tôt, une histoire que l'on désire éternelle.
    A aucun moment la mort n’est sublimée : elle est simplement représentée comme l’état opposé de la vie, l’autre coté d’une seule et même pièce. Avec ses cadavres, ses cercueils, ses monstres répugnant et ses ennemis meurtriers, Neil Gaiman ne cherche à aucun moment à être concuspiscent ou à nous apprendre une quelconque morale résultante d’une bonne pensée, il veut simplement nous emmener dans son monde qui est - à l’instar du réel - loin d’être idyllique. Mais il nous le présente avec le sourire aux lèvres, et une honnêteté totale, amené par des personnages tous on ne peut plus réalistes dans leur façon d’agir et loin des stéréotypes.
    L’histoire de cet orphelin élevé par des êtres en marge du monde est pleine de beauté sensible, de douceur, d’humour, d’inventivité, de suspens, d’originalité… L’humanité est déshumanisée, tandis que l’inhumanité est plus humaine qu’on ne le croit. Et quand on clôt ces 300 pages, on ne veut pas s’en aller. On ne veut pas quitter Bod, le mystérieux Silas, le fantôme de Caius Pompeius, le poète Nehemiah Trot (1741 - 1774, Swans Sing Before They Die. They Do.), l’Empereur de Chine, le Trentre-Troisième Président des Etats-Unis, Victor Hugo (des ghoules, ces trois-là), la pétillante Scarlett Perkins, l’effrayant Sleer… On ne veut pas quitter ce cimetière au sommet de la colline, avec sa chapelle, sa crypte, l’Egyptian Walk, le coin des sorcières, des suicidés et des brigands de l’autre coté de la clôture…
    On n’arrive tout simplement pas à se défaire de l’univers qu’à créé l’auteur en l’espace de simplement 8 chapitres, comme envouté par cet univers onirique et fantasmagorique. Alors, parce que chaque chapitre se complait à lui-même, on en relit quelques-uns, rien que pour revenir dans ce monde. On veut retrouver la grâce de la Danse Macabre, ou revivre l’effrayante épopée de Bod chez les ghoules, ou l’époque où il rencontra pour la première fois le Sleer au fond de sa crypte.
    L’auteur le dit lui-même, l’histoire de Bod n’est pas encore finie et continue de s’écouler, qu’il le veuille ou non. Alors, une suite verra très certainement le jour. L’attente sera longue.

Vicky Cristina Barcelona, de Woody Allen

Anansi — Sat, 25 Oct 2008 10:41:00 +0200

Sa trilogie londonniene passée, Woody Allen avait envie de changer radicalement de registres, et de poser cette fois ses valises à Barcelone. Une ville fantasmée, où il y fait toujours soleil et où tout y est plus sensuel. Un décor idéal pour la nouvelle comédie de l'auteur, enlevée et sexuelle, avec toute la verve que l'on connait du petit bonhomme. Le résultat est en tout cas très beau à voir : le réalisateur se fait plaisir, tout comme ses acteurs, et le spectateur ne peut que suivre. Pas le meilleur, mais un très bon Woody.

Une forme bel et bien différente mais...
    Au jour d’aujourd’hui, voir le dernier Woody Allen c’est comme participer à une sorte de rituel obligatoire dans lequel on sait qu’on va passer un bon moment. On y a nos habitudes, nos thèmes connus parce qu’abordés depuis maintenant plusieurs années, et il ne nous reste plus qu’à découvrir où le binoclard nous a emmenés. Hé bien, cette fois-ci, finis les gratte-ciels new-yorkais ou les courts de tennis anglais, place au soleil, aux jardins verdoyants, aux guitares langoureuses, à Gaùdi et au chorizo. Bienvenido a Barcelona. Et le ton est donné dès le titre, excellent : Vicky Cristina Barcelona. Excellent parce qu‘il a un rythme à lui tout seul, et qu‘il a le mérite de résumer le film comme jamais : Vicky et Cristina vont à Barcelone.
    C’est donc une nouvelle ère que s’offre Woody Allen, en tout cas sur la forme, et il en avait bien besoin. Il faut avouer que son triptyque londonien était très décroissant : le génial Match Point avait été suivi d’un moyen Scoop, et puis d’un fadasse Cassandra’s Dream, plus qu’anecdotique. Maintenant, le réalisateur pose ses valises en Espagne, dans un dépaysement total : tous ses collaborateurs et techniciens, de l’assistant réalisateur jusqu’au directeur de la photographie, sont des gens du cru, espagnols. Une manière de s’imprégner de l’endroit, de le laisser s’écouler de lui-même, de ne pas le trahir.
    L’histoire est celle de Vicky et Cristina, qui partent à Barcelone deux mois pour y passer les vacances d’été. Cristina, jouée par une Scarlett Johansson toujours aussi éblouissante devant la caméra d’un Woody Allen qui arrive à filmer sa muse comme personne, et Vicky, interprétée par une excellente Rebecca Hall, sont amies depuis très longue date, même si leur points de vue divergent sur beaucoup de points. En particulier celui de l’amour, du sexe, et de tout ce que l’on peut faire avec l’interaction des deux. En effet, là où Cristina est une femme ayant depuis longtemps abandonné toute notion d’amour et préfère s’intéresser au sexe sans attache, Vicky est beaucoup plus prude. C’est une femme prudente, qui est sur le point de se marier, d’acheter une maison… Une vie toute tracée, prévue, assemblée.

...Un fond qui ne change pas vraiment, en fait.
    Mais, évidemment, puisque nous sommes sur le terrain de jeu de Woody Allen, un grain de sable viendra rompre cette belle mécanique… En l’occurrence, le grain de sable prend l’apparence de ce formidable acteur qu’est Javier Bardem, qui a troqué son costume de psychopathe à air comprimé des frères Coen, pour venir prendre celui d’un séducteur un brin dérangé chez Allen. Il est peintre, et rencontre les deux touristes dans une galerie d’art. Plus tard, les retrouve dans un restaurant. Il leur propose de venir passer le week-end avec lui. Oviedo est une ville magnifique ; ils pourront la visiter, boire du vin, bien manger, et faire l’amour. Cristina dit oui immédiatement, évidemment. Vicky se contente de dire à ce bon vieux Juan Antonio qu’il peut aller se faire cuire une paella ailleurs.
    Mais elles suivent l’homme, finalement, et tout ne va pas franchement se passer comme l’aurait prévu Vicky : loin de sa vie toute tracée et de son mariage, la voilà attirée par cet inconnu, alors que lui n‘a d‘yeux que pour Cristina. On voit donc que les thèmes du film, même transportés en Espagne, sont ceux que l’on retrouve souvent chez l’auteur : la dualité entre l’amour engagé et la relation irréfléchie, le cœur contre le sexe, la raison contre l’instinct. Une situation pratiquement similaire à celle de Match Point, finalement, mais à l’envers : l’élément séducteur n’est plus la femme, mais l’homme. On peut donc trouver un peu dommage que les choses n’évoluent pas beaucoup plus, mais finalement tout marche plutôt bien, notamment grâce au fait que Vicky Cristina Barcelona est une comédie, simple et légère, donc touchante.
    Et son élément comique, en plus d’aller le chercher du coté des dialogues toujours aussi excellents de l’auteur, elle le prend aussi avec le génial personnage de Maria Elena, arrivant à peu près au deuxième tiers du film. Jouée par Penélope Cruz, qui s’est achetée une crédibilité depuis le Volver d’Almodovar, elle est l’ex-femme de Juan Antonio. Une femme paranoïaque, psychorigide, et violente avec ça… La raison de leur divorce tenait d’ailleurs au fait qu’elle avait essayé de tuer Juan Antonio avec un couteau. Ça arrive. Alors, évidemment, quand elle arrive et voit son ex-mari en couple avec Cristina, tout n’est pas franchement rose. Penélope Cruz, même si elle surjoue parfois, arrive à rendre magnifiquement bien ce personnage démesuré et hystérique, et donne beaucoup au film.

2008 : un bon millésime.
    La musique est également un élément on ne peut plus important dans Vicky Cristina Barcelona, comme dans tout film de Woody Allen. Évidemment, les opéras ou autres balades classiques laissent ici la place aux guitares catalanes et autres chansons espagnoles, et tout ça fonctionne à merveille. Comme en témoigne la chanson-titre du film, que l’on retrouve un peu partout tout le temps, et également dans la bande annonce. La musique dans son ensemble est un élément à part de cette histoire, un rouage indispensable : les personnages s’en imprègnent, elle est dans toutes les rues, et ce n’est pas un hasard si les doutes de Vicky à propos de sa propre vie commencent à prendre forme pendant qu’elle contemple un homme jouer de la guitare.
    Et puis, par extension, c’est la ville toute entière de Barcelone qui constitue l’un des personnages principaux. Woody Allen est véritablement amoureux de la ville, et ça se sent. Il profite du moindre petit plan pour nous montrer des ruelles, des bâtiments, des haciendas… Un vrai petit gamin qui prend son pied, en somme, plutôt que le voyage condescendant d’un américain en Europe (comme on le voit trop souvent). Ainsi, aidé par un directeur de photographie qui fait très bien son boulot, le réalisateur offre un film superbe, toujours joyeux, ouvert sur le monde, orange et rouge, où même la nuit paraît ensoleillée.
    En un mot comme en cent, si vous aimez le boulot de Woody Allen, vous pouvez aller voir Vicky Cristina Barcelona : il est définitivement un bon cru. Ce vieux petit pervers offre une comédie légère et épicée (facile, celle-là), où tout tourne évidemment autour du sexe, qu’il soit facile, marié, à deux, à trois, hétérosexuel ou lesbien. Tout passe à la moulinette de l’auteur, qui prouve encore une fois qu’on peut compter sur lui quand il met du cœur à l’ouvrage. Et il a des acteurs incroyables pour l’épauler, qui savent retranscrire à la perfection des sensations diverses et contradictoires, toujours claires mais jamais uniques, si bien que leurs personnages en ressortent malmenés, triturés, psychologiquement torturés sur l’autel des sentiments exacerbés.

Vicky Cristina Barcelona Trailer

And, alone in the world, the geek is happy...

Anansi — Fri, 24 Oct 2008 17:22:00 +0200

Aaaaaaaaaaaaaaaaaaaah.

Joie.

La Boussole d'Or, de Chris Weitz

Anansi — Mon, 20 Oct 2008 09:45:00 +0200

Après être sortie au cinéma et avoir fait un bide autant au niveau des critiques que du nombre de spectateurs, voilà qu'arrive neuf mois plus tard La Boussole d'Or en DVD... C'était censé être le gros film de la fin d'année 2007, le marketing explosait dans tous les sens, New Line était super fier... Manque de bol, plutôt qu'une bonne adaptation d'un excellent bouquin, on a vu arriver un pseudo-film fantastique sans âme, plat et crétin. C'est ce qui arrive quand le mec en charge du projet est le réalisateur d'American Pie. Retour sur un soufflet qui se dégonfle, ou l'histoire d'un film qui fait pschit.

Mais pourquoi est-il aussi méchant ?
    Le cas de La Boussole d’Or est de ceux qui devraient rester dans l’Histoire, de ceux qu’on devrait montrer à tous les enfants. Le foirage ultime. Bordel, c’est pas tous les jours qu’un film cause la chute totale de son studio de production (New Line Cinema, en l’occurrence) ! Bon, j’exagère un chouïa, mézilnempêche que les faits sont là : même si New Line était déjà en très mauvaise posture, le bide de La Boussole d’Or a été la goutte d’eau qui a mis le feu aux poudres, l’étincelle qui a fait déborder le vase. Le studio misait beaucoup sur sa dernière superproduction : du marketing en veux-tu en voilà, des stars pour remplir le casting (Nicole Kidman et Daniel Craig en tête de gondole), une énième adaptation d’une trilogie fantasy jeunesse à succès…
    Ce n’est plus surfer sur la vague, c’est faire du jet-sky sur un tsunami. Malheureusement, n’est pas Peter Jackson qui veut, et on ne peut pas dire que le premier tome d’A La Croisée Des Mondes ait eu le même traitement que celui réservé au Seigneur des Anneaux : un scénario bâclé qui tranche dans le lard du matériau original, une mise en scène foireuse, des acteurs tout juste concernés, des dialogues écrits par un auteur de TF1 en manque d’inspiration… Le résultat est tout juste regardable par moments, et insupportable à d’autres. Evidemment, l’idée-même d’adapter le second tome est compromise. Tu m’étonnes, John.
    Pourtant, on ne peut pas dire que l’idée de départ soit mauvaise : même si les éditeurs le classent dans la catégorie Jeunesse, A La Croisée Des Mondes représente l’un des meilleurs cycles Fantasy, tout court. (Je rappelle qu’il était au départ édité dans la collection SF de Folio.) De ce fait, même sans dénigrer le fait que la mise en route de son adaptation relève de l’opportunisme omniprésent consécutif au succès du SdA et autres Harry Potter, il y avait matière à faire un très bon film, tellement le livre possède de qualités. Un livre Fantasy rempli de différents niveaux de lectures, marqué de nombreuses critiques des religions organisées et parsemés de références scientifiques incroyablement pertinentes.

Mais rien de tout ça dans le film.
    La Boussole d’Or (traduction directe de The Golden Compass, le livre étant titré Les Royaumes du Nord) raconte ainsi l’histoire de Lyra Bellacqua, petite résidente de l’Oxford College. Dans un monde où chaque personne possède une extension physique de son âme prenant la forme d’un animal, Lyra et son daemon Pantalaimon ne sont pas vraiment des inconnus : Lyra est en effet la nièce de Lord Asriel, grand scientifique et explorateur qui s’apprête à venir montrer ses dernières découvertes à l’Oxford College. Pendant ce temps, de sombres rumeurs circulent dans la population : les Enfourneurs capturent les enfants, et les emmènent loin dans les terres du Nord. Alors quand l’ami de Lyra disparaît, elle part immédiatement vers le Nord et ses curieux phénomènes.
    Voilà en quelques mots le scénario du livre, une histoire simple sans être simpliste, et composée d’une multitude de strates différentes que je ne prends pas la peine d’évoquer ici sous peine de devoir m’étaler sur plusieurs pages. Il est donc tout à fait normal de ne pas retrouver toute cette « complexité » dans le livre (quel spectateur n’a pas été déçu par un film quand il avait lu le livre auparavant ?), mais, quand même, la moindre des choses aurait été d’en respecter la trame ! D’une manière assez inconcevable, La Boussole d’Or emprunte tellement de raccourcis par rapport à l’œuvre originale que tout en devient incohérent.
    Tout d’abord, le fameux Aléthiomètre (objet révélant la réponse à n’importe quelle question qu’on lui pose, par le biais de différents symboles et aiguilles), si scientifique dans sa mise en œuvre dans le livre, devient ici une sorte d’objet magique complètement crétin. De plus, et sans révéler des détails importants, le lieu où sont regroupés les enfants, qui représente LE grand mystère révélé de manière si corrosive à la fin du livre, est ici dévoilé très tôt, et d’une manière si aseptisé, si simpliste, si bas de plafond, que ça donne envie d’éteindre la télé. Le centre d’une énorme critique de la religion devient un centre aéré tout blanc peuplé de gens habillés comme les scientifiques dans Star Trek. Argh.

L'adaptation de trop.
    En parlant des gens, ça me permet de faire une magnifique transition vers un autre défaut du film : ses dialogues. Hé là, mais alors là, c’est le drame. Oh punaise. Qu’a-t-on pu faire pour mériter ça ? Encore, que la p’tiote Dakota Blue Richards ne soit pas franchement à l’aise avec son texte et soit aussi fadasse qu’un dessous de verre, je veux bien. Après tout, les très jeunes acteurs sont rarement très bons (et les héros du Monde de Narnia en savent quelque chose). Mais pourquoi faire dire à tous ces braves gens des dialogues aussi creux, plats et ampoulés ? Cela décrédibilise tout simplement tout ce que peuvent dire les acteurs, comme si on voulait que même le petit enfant venu voir le film entre deux épisodes de Dora puisse comprendre de quoi ça parle.
    D’où le fait qu’un très bon bouquin de Fantasy ouvert à tous les lecteurs grâce à son immense profondeur se retrouve complètement écartelé et aplati dans sa pauvre pellicule. La Poussière, élément primordial de tous les mondes et au centre de toute l’intrigue est trop dur à expliquer à Lucas, 5 ans et demi ? Hop, on l’évoque à peine. On ne veut pas expliquer le fonctionnement de l’Aléthiomètre (juste le titre du film) ? Hop, on en fait une boussole magique que quand tu mets les aiguilles devant les symboles, hop t’as les images dans ta tête. On veut impressionner Manon, 6 ans ? Hop, on met le combat du gros nounours Iorek dont tout le monde se fout au centre du film, ça en jette et ça paiera les gars des FX.
    Ce n’est donc pas franchement étonnant que le film se soit viandé au box-office : les gens sont certes des gros boulets, mais ils apprennent, au bout d’un moment. Y’a pas de secret : malgré l’injustice constante du cinéma, un film a plus de chance d’être vu s’il est bon. Parait que c’est mathématique, ou un truc dans le genre. Résultat de l’équation, ce qui devait être le prochain gros film de New Line Cinema, qui allait remettre sur pied les films fantastiques qui commençaient déjà à se mordre la queue, est devenu l’arme de son propre crime. Et, si vous voulez mon avis, ce n’est pas le DVD qui va sauver les meubles, qui ont de toutes façons été déjà vendus aux enchères. Quand y’a plus rien à faire…

Dig Out Your Soul, d'Oasis

Anansi — Mon, 13 Oct 2008 10:09:00 +0200

Ca y est, l'Oasis nouveau est arrivé ! Et la fête est d'autant plus folle qu'en plus, il est bon. En effet, ce septième album d’Oasis marque un renouveau dans la carrière du groupe, puisqu’il est le fruit d’une volonté d’originalité, de sortir des carcans qu’on a bien voulu lui donner. Gem Archer, Andy Bell et les frangins Gallagher ont cherché à s’éloigner d’une britpop tubesque pour aller plus chercher vers un rock groovy et un brin psychédélique, et ça marche carrément bien. Alors faites de la place et asseyez-vous, voilà (enfin) un excellent album d’Oasis, magnifique de bout en bout.

L'histoire des montagnes russes.
    Au jour d’aujourd’hui, la carrière entière d’Oasis ressemble à une immense madeleine Proustienne, qui nous fait rappeler du bon temps. Definitely Maybe et (What’s The Story) Morning Glory, les deux premiers albums du groupe, ont été véritablement ceux qui ont forgé leur légende, et qui ont été les mètres étalons de toute la britpop. Mais, évidemment, le retour de bâton est naturel : tout ce qu’ils font et feront sera comparé à ce qu’ils ont accompli auparavant, à ces deux œuvres. Malgré tout, les trois albums qui suivirent – franchement mauvais – nous apprirent à relativiser, et à moins attendre des frangins Gallagher. Puis, Don’t Believe The Truth, sorti en 2005, représentait un retour en force idéal, faisant oublier les précédentes déceptions.
    Voilà que nous arrive donc ce 6 octobre 2008 Dig Out Your Soul, septième album studio du groupe anglais, et attendu au tournant puisqu’il s’agissait de confirmer les bonnes impressions laissées par Don’t Believe the Truth. Les bonshommes sont-ils arrivés à retrouver un peu de leur grandeur ? A redorer leur blason ? Oui. Mille fois oui. Dig Out Your Soul est une pièce majeure dans la discographie d’Oasis. Un album bourré à ras-bords de morceaux innovants, élégants, enlevés, décomplexés, psychédéliques, où la guitare peut se faire brute ou sournoise, et où tout parait décomposé. Je le dis : le meilleur depuis Definitely Maybe.
    Préférant garder leurs bonnes habitudes en enregistrant à Abbey Road, le groupe a pourtant joué la carte du renouveau, en offrant un disque beaucoup plus psychédélique et groovy que leurs précédents. Cela va sans dire, on retrouve toujours la patte d’Oasis (et leurs mauvaise manies aussi, j’y reviendrai), mais tout ça est teinté d’une synergie acide et coulante, pleine de LSD. Les instruments se font hypnotiques, et les voix de Liam ou Noel paraissent élevées, empruntant aux Pink Floyd leur douce brutalité. A l’instar de Morning Glory, les titres s’enchaînent avec une cohérence parfaite, le son continuant parfois tout simplement de s’écouler entre les pistes…

Entre originalité débridée et cover songs inavouées.
    Dès les premières notes de Bag It Up, on se sent à l’aise. La guitare de Noel Gallagher se fait bientôt rejoindre par un Liam très soyeux, pour ensuite gagner en force un brin malsaine… Une chanson inspirée par Baron Saturday, une des pistes de Sorrow, un concept album SF des Pretty Things. Et effectivement, cette chanson d’ouverture résume merveilleusement bien tout l’album dans son ensemble, avec cet acid rock fort et psychédélique. Puis, The Turning continue sur la même lancée, en introduisant en plus le piano : tous les complets se font au piano-batterie, jusqu’à ce que la grosse batterie de Zak Starkey (qui a quitté le groupe après l’enregistrement de l’album, remplacé par Chris Sharrock) soit rejointe par la guitare dans les refrains.
    Ainsi, le calme et la rêverie emmenée par le piano trouve un contre-pied idéal dans ses refrains euphorique, Liam criant à qui veut l’entendre "So come on, shake your rag-doll baby". "The Stone Roses doing The Stooges" résumera très bien Noel dans son interview-fleuve pour Q Magazine, et il a pas tort, pour le coup. Tout ça est très sensuel. Waiting For The Rapture est elle par contre beaucoup plus brute, et fait moins dans la fioriture : du bon gros riff et une voix par-dessus, comme l’adore Noel Gallagher. Par contre, comme pratiquement toujours dans le cas du plus vieux frangin, y’a du plagiat dans l’air : le riff ressemble étrangement aux Doors… Mais bon, ça marche tellement bien qu’on gueule pas, allez.
    Puis, on revient dans quelque chose de plus traditionnel avec The Shock Of The Lightning, qui n’a pas été choisi comme single par hasard : il constitue le morceau le plus facile d’accès de l’album, avec son rock ravageur mais rythmé qui rappelle les plus beaux jours du groupe, trouvant tout de même une parenthèse originale avec ce long instrumental au milieu marqué par une séquence de batterie pas piquée des hannetons (cette expression vous manquait, avouez-le). Noel y a œuvré seul, écrivant les paroles, jouant la guitare, la basse et la batterie et chantant par-dessus. Il est comme ça, lui.

Des morceaux beaucoup moins mainstream que la normale du groupe.
    Puis, le psychédélisme voulu pour ce nouvel album revient au galop, comme en témoigne Falling Down, que l’on retrouve un peu plus loin : construite comme de la pop acide et vacillante, elle devient carrément hypnotique quand on y entend la voix de Liam Gallagher, volontairement douce et planante, comme liquide. Les sons de guitare se mêlent à de discrets sons suraigus, offrant un ensemble cotonneux, qui explosera sur la fin pour ne laisser que la voix du chanteur et une cymbale pour clore l’un des joyaux de l’album. De même, To Be Where There’s Life est sublime d’originalité pour le groupe, fine, groovy, reposant entièrement sur une ligne de basse.
    Un tissus de conscience flottant au vent, dont la douceur s’explique par une absence totale de guitare : tout est rythmé par la batterie métronomique, la basse en filigrane, et la voix d’un Gallagher qui semble vouloir nous emmener dans un monde merveilleux, pour qu’on aille voir son Sergent Pepper à lui. Way over the line… On vacille, on virevolte, on se fait bercer, sans être totalement persuadé de finir droit. On se laisse transporté en tout cas, comme dans le cas du sublissime (Get Off Your) High Horse Lady très Gorillazien dans l’esprit, ou encore The Nature Of Reality et sa guitare si jouissive. "The nature of reality is pure subjective fantasy", nous annonce Liam.
    En définitive, Oasis semble avoir trouvé un véritable nouveau souffle avec ce Dig Out Your Soul. Ils ont effectivement déterré leur âme, enterrée depuis tellement longtemps, pour mieux pouvoir la montrer au monde entier. J’en profite également pour préciser que tout le sleeve design de l’album (la jaquette et le livret quoi) est absolument somptueux. Réalisé par le graphiste et musicien Julian House, son pop-art décomposé rappelle un peu Dave McKean en moins malsain et plus festif… Un bien bel écrin qui rappelle la nature même de la musique de ce nouvel Oasis, une musique intensive, excitée et hypnotisée. Pour yourself another cup of Lady Grey…

"Quis custodiet ipsos custodes" : Watchmen, de Alan Moore et Dave Gibbons

Anansi — Fri, 03 Oct 2008 19:46:00 +0200

Hé bien, mes amis, cela faisait longtemps qu’une BD ne m’avait pas transporté à ce point. Un tourbillon de beauté, de talent, de psychologie, tout ça torturé dans un scénario d’un retors presque inquiétant. Watchmen, c’est un peu tout ça. Retour en images et en lettres qui vont bien, sur ce qui est sans doute l’un des trois meilleurs comics de tous les temps, par un Alan Moore dont la contribution au medium est aussi importante que celle de Will Eisner en son temps ou Neil Gaiman.

Le pouvoir du corps, le choc de l'esprit.
    On les appelle chefs-d’œuvre. On les appelle merveilles. On les affuble de divers noms, pour souligner leur qualité exceptionnelle, qui les éloigne de toute autre œuvre du même art. On les met sur un piédestal, les cite aux générations futures, pour qu’elle reste à jamais dans l’Histoire. Pour montrer que leurs contributions ont été tellement importantes pour ce monde que l’on se doit de les féliciter. Watchmen fait partie de ces si rares bijoux. Une œuvre fantastique, intriquée et étriquée, habitée d’une âme merveilleuse, et tellement maîtrisée de bout en bout que l’on se demande comment tout cela peut être vrai.
    Je m’étais promis de stopper toute effusion de superlatifs ; de rester dans les marges de l’objectif, et de réfréner quelconque ardeur. Mais, avec Watchmen, impossible. Tout, tout y parfait. Les dessins, l’intrigue, le ton, les personnages, les situations, les multiples niveaux de lecture, le début, la fin. Aucun élément ne vient en biaiser un autre. Elle est tout simplement une forme d’art iconique sublime et sublimée, et sans aucun doute le comics qui m’a le plus marqué, avec le Sandman de Neil Gaiman (et grand ami de Moore devant l’éternel). Une marque au fer rouge, forte, grisante, épuisante. Mais tellement libératrice.
    Étrangement, la première œuvre d’Alan Moore que j’ai lue n’était pas un comics, mais un livre. La Voix Du Feu que ça s’appelait, un bouquin récent séparé en plusieurs histoires située chacune dans une époque différente. Un excellent recueil, à la fois décousu et cohérent, déphasé mais actuel. Malgré tout, l’auteur est évidemment surtout connu pour ses comics : V For Vendetta, La Ligue des Gentlemen Extraordinaires, From Hell, ou encore ses nombreuses participations aux grands héros de DC Comics (dont le Batman : The Killing Joke dont j’ai récemment parlé). Et Watchmen, peut-être son œuvre la plus importante.

Un scénario d'une profondeur et d'une cohérence exceptionnelles.
    Nous sommes le 12 Octobre 1985. Un homme vient de s’écraser sur le trottoir, après avoir fait une chute de plusieurs dizaines d’étages. Défenestré de son appartement. Fatal. Cet homme s’appelle Edward Blake. Plus connu sous le nom du Comédien. Plus connu pour avoir fait partie des Watchmen, une association de super-héros qui faisait régner l’ordre et la justice dans les années 1970. A la retraire depuis 1977, quand un décret obligea tous ces aventuriers masqués à livrer leur identité et se retirer. Ils étaient une petite dizaine, à l’époque. Silk Spectre, la seule femme du groupe, qui s’occupe aujourd’hui à l’Institut des Etudes Extraspatiales avec son ami.
    Dr. Manhattan (le seul ayant de véritables superpouvoirs, acquis après une expérience plutôt déplaisante). Nite Owl. Ozymandias (Adrian Veidt, à la tête d’une compagnie milliardaire). Ou encore Rorschach, individu étrange et névrosé, le seul ayant toujours refusé de quitter son étrange masque et de dévoiler son identité. Le récit sera donc croisé sur plusieurs niveaux temporels : des flash-backs permettant de revivre certaines étapes importantes de la vie passée de ses personnages, et l’époque actuelle où l’on retrouve des héros blasés et sans aucun espoir pour le monde, mais déterminés à retrouver le possible assassin du Comédien. Parce qu’il ne sera pas le seul.
    Pour n’importe quel auteur, on aurait déjà suffisamment de données pour obtenir un récit confus, flou, et trop complexe. Une multitude de personnages, chacun jonglant entre sa vie passée et sa vie présente… Mais ici, nous avons affaire à Alan Moore. Donc, non seulement la construction du récit est d’une fluidité et d’une facilité déconcertante, mais l’auteur américain n’hésite pas à rajouter des éléments supplémentaires. En effet, les Watchmen n’ont pas été la seule association de super-héros : déjà, la deuxième guerre mondiale vit l’apparition des Minutemen. Les pionniers, qui laisseront ensuite leur héritage aux Watchmen (avec de très fortes connexions entre certains personnages des deux époques).

Allez, poussez-vous, j'ai une BD à relire.
    Mais, si tout cela est à la fois d’une complexité sans pareille mais d’une facilité de lecture déconcertante, c’est parce qu’Alan Moore croit à fond à ce qu’il fait, du début à la fin. Il ne néglige aucun détail, et traite tous ses personnages avec une précision d’orfèvre, pour que rien ne soit imprécis. Un boulot d’autiste, exceptionnel de talent et de classe. Moore ne va pas non plus hésiter à proposer une œuvre extrêmement littéraire, pour que l’on s’imprègne mieux de toutes ces anecdotes, tous ces éléments, comme s’il nous offrait un véritable journal historique. Ainsi, à la fin de chacun des 12 tomes que compte la série, entre 4 et 6 pages seront consacrées à des éléments littéraires visant à développer certains points, sans rapport directs avec l’histoire.
    Des extraits du livre de l’un des héros, l’essai d’un professeur à propos du Dr. Manhattan, un article de journal sur The Black Freighter, un véritable comics-dans-le-comics que lit régulièrement un personnage… Prodigieux. L’auteur est littéralement happé par son propre univers, et le lecteur ne peut que l’accompagner, la tête la première. D’où l’appellation de « roman graphique » dont on affuble parfois Watchmen. Pour ma part, je considère le terme comme un simple outil marketing créé de toutes pièces par les grandes boîtes pour offrir plus de crédibilité à leur produit, croyant que « comics » faisait trop enfantin. Mais, pour le coup, cette œuvre est beaucoup plus qu’une simple succession d’images, c’est évident.
    Watchmen, c’est un condensé de pure maîtrise par un homme au-delà du commun, qui a livré une pierre majeure d’un art qui se cherche encore. D’un postulat de base plus que commun – un groupe de héros chassent les méchants – il offre une vision apocalyptique d’un monde qui se déchire, pris dans les méandres d’un cynisme omniprésent. D’une froideur psychologique terrifiante, Watchmen se vit autant qu’il se lit, et offre une réflexion fantastique sur un nombre incalculable d’éléments. Marquée avant tout par un réalisme qu’elle ne lâche jamais, l’œuvre doit être admirée, encore et encore, pour pouvoir en connaître le cœur, et pouvoir être mieux préparé à une fin tellement démoralisante. Croyez-moi, lisez Watchmen, et vous aurez tout lu.

Born To Be A Larve (Notes, T.1), de Boulet

Anansi — Mon, 22 Sep 2008 14:29:00 +0200

« Depuis 2004, Bouletcorp.com s’est efforcé de porter un regard neuf sur la société, en abordant des thèmes aussi divers que l’informatique, le rock’n’roll, le kebab, la musique de rue, le sexe et Mireille Mathieu. Ce premier volume de la série Notes regroupe les pages parues entre 2004 et 2005. » Voilà, l’insert du livre résume très bien les choses : dessinateur de BD surtout connu pour le blog qu’il tient sur le net, le sieur Boulet a décidé de publier toutes ses premières chroniques sous la forme d’un album papier… Un très beau produit, autant sur le fond que sur la forme, le rendant indispensable à quiconque aime les BD d’humour.

BD, blog, blog, BD... Mélangez, laissez reposer.
    Boulet est un type formidable. Dessinateur de BD que les journalistes qualifient sûrement d’ "appropriées à tous les âges" (comprenez par là que les thèmes paraissent enfantins, mais que tout le monde y trouve son compte), il s’est notamment fait connaître avec Ragnarok ou encore en contribuant au collectif de dessinateurs à la base de la série Donjons, menée par deux gars loins d’être des tacherons, puisqu’il s’agit de Joann Sfar et Lewis Trondheim. Mais si, vous avez sûrement dû en entendre parler : trouze cycles différents (Donjon Zénith, Donjon Mystère,…), des tomes à en ramasser à la pelle...
    Mais, plus que pour ses dessins dans des albums BD, Boulet est au jour d’aujourd’hui connu et reconnu pour… Son blog. Hé ouais bonhomme. Ainsi, certains (moi compris, d’ailleurs) n’ont appris son existence que grâce au blog qu’il tient sur http://www.bouletcorp.com. Un site absolument fabuleux, dont je voulais vous parler depuis des lustres. Mais, finalement, l’occasion ne s’est jamais présentée. En tout cas, je vous conseille de mettre l’adresse directement dans vos favoris : la tanière de Boulet, c’est beaucoup plus passionnant qu’un simple blog (bordel, que je hais ce mot… C’est laid et ça reste en bouche, un peu comme une expression gobée par un mec en train de bouffer).
    Ses dessins, toujours très stylés et vraiment typiques de leur auteur (on retrouve cette volonté de faire un graphisme unique et identifiable, que le bonhomme a hérité de Sfar et Trondheim), illustrent un peu tout ce que veut raconter l’auteur : des billets d’humeur, des anecdotes de vie… Des morceaux en vrac, sans fil conducteur mais seulement présents pour raconter des instants différents, exactement comme permet de le faire un blog. En plus, Boulet a un vrai talent de conteur dans les réparties et l’écriture des scènes. Tout cela rend ses nombreuses chroniques franchement excellentes, expliquant l’affluence sur son site.

Une véritable Intégrale, diverse mais cohérente.
    Et puis, comme la vie est une grand roue qui n’en finit jamais de rouler au-delà des limitations de vitesse, voilà qu’arrive nonchalamment Born To Be A Larve, le magnifique titre du premier tome des Notes. En somme, la version papier des premières chroniques du blog. Cela faisait un moment que les fans demandaient cet album : on aimerait pouvoir garder une trace physique de ce bien bel endroit, et puis lire un beau livre est tellement plus agréable que de scroller un écran… Le voilà donc enfin, retraçant la première année du blog, de juillet 2004 jusqu’en juillet 2005, accompagné évidement de quelques chroniques inédites.
    Ainsi, ces Notes de Boulet ne sont pas véritablement un album à part entière ; on n’a pas de scénarios, qui partent d’un point A à un point B, d’intrigues à base de personnages récurrents et autres choses de ce genre : c’est simplement une accumulation de différents éléments, sans aucun rapport les uns aux autres. D’où ce détail plus signifiant qu’il n’en a l’air : on ne retrouve aucune pagination, tout simplement parce que c’est un livre qui se grignote. On en prend des bouts, les uns après les autres, on s’imprègne de ces différentes histoires. Et on se régale.
    On retrouve tout de même une évidente chronologie, et également parfois de longues intrigues (si on peut appeler ça comme ça…), comme par exemple les fois où Boulet nous fait le compte-rendu en plusieurs parties de son voyage en Corée : l’histoire s’étend sur dix pages, là où d’autres histoires représentent simplement une page ou même un dessin. En plus de la taille, le style des dessins peut également varier : l’auteur s’amuse à faire des chroniques en plusieurs couleurs ou en noir et blanc, divisées en petites cases ou composées de quelques grands dessins, sur fond blanc, orange ou style « papier »… Une variété agréable, tout cela étant en plus aidé par l’impressionnante qualité du papier et de la couverture de la collection Shampooing de Delcourt.

En bref, un magnifique remontant littéraire, agréable entre deux lectures plus complexes.
    L’album est en effet splendide en tout point : d’un petit format qui le rend très ergonomique (et puis on peut le mettre dans son sac pour le lire dans le tram, c’est pas la classe ça ?), on le feuillette avec un plaisir constant. Il faut dire qu’il était indispensable de produire une édition papier de qualité : il faut arriver à convaincre les gens de lâcher une douzaine d’euros pour des choses qu’ils peuvent lire sur internet. Si vous voulez mon avis, vous pouvez y aller franco, il y a peu de chances que vous soyez déçus : on rit souvent, on sourit toujours et l’ensemble laisse une trace indélébile de bonne humeur.
    Malgré tout, même si les dessins restent globalement bons, on sent que Boulet a fait beaucoup de progrès en 4 ans : les premiers dessins sont beaucoup moins maîtrisés que les derniers. De même, certaines chroniques sans titre rendent la lecture un brin chaotique : on ne sait pas s’il s’agit de la continuation de la précédente, ou tout autre chose. Le fait que certaines scènes n’aient pas de chute ne facilite pas non plus les choses. Plusieurs petits détails qui ne sont pas franchement rédhibitoires au plaisir de la lecture, mais qui pourront en agacer certains, cela ne fait pas de doute. En tout cas, ça m’a permis de sortir le mot "rédhibitoire" donc j’ai rempli ma part du contrat.
    En fait, ce que je peux vous conseiller, vous l’aurez compris de vous-même : vous n’avez qu’à aller sur son blog, et voir si le style du sieur Boulet vous plait. Si c’est le cas, vous pouvez foncer vers votre brouzouferie du coin, et vous délester de douze petits euros qui devenaient tristes et dépressifs, de toute manière. En les donnant si chaleureusement, ils se retrouveront peut-être dans la poche d’un maraîcher de Saint-Tropez, pour finir leur vie à siroter des Bloody Mary en chantant Les P’tites Femmes De Pigalle. Franchement, ça ne vous intéresse pas de faire une bonne action ?

The Cosmos Rocks, de Queen + Paul Rodgers

Anansi — Thu, 18 Sep 2008 14:16:00 +0200

De leurs voyages, certains ramènent des spécialités régionales, des t-shirts à la con, ou des choses dans ce genre-là. Moi, de mes quinze jours en Ecosse, j’ai ramené le dernier Mojo Magazine, parce qu’il y avait Queen en couverture (et aussi le Nuts avec Gemma Atkinson et le Q avec une sublime couv’ de Noel Gallagher, mais c’est une autre histoire). Hé oui, aussi étrange que ça paraîtra aux non-initiés, le groupe anglais a encore une actualité, parce que son guitariste et son batteur ont démarré depuis 2005 une collaboration avec le chanteur Paul Rodgers. Leur premier album studio vient de sortir, et en immense fan de Queen que je suis, je suis obligé de vous en parler. Alors, oubliez toute notion d’ojectivité, et bienvenue chez eux. It’s a song about time…

Le retour des champions.
    Il y a encore quelques années, ça aurait paru de la pure science-fiction. Le genre de fantasme de vieux con, de celui qui ne vit que par ses rêves et ses folies envolées. Et pourtant, on est bel et bien là : le nouvel album de Queen. Rien que de l’écrire, ça me fait un petit pincement au cœur. Alors, certes, ce n’est pas Queen au complet ; l’expérience aurait été un brin morbide. But still. Brian May et Roger Taylor (le guitariste et le batteur, pour les deux du fond qui n’ont pas de culture, le bassiste John Deacon s’étant recroquevillé dans sa campagne) ne sont pas des vieux croûtons bons pour la maison de retraite, et ils comptent bien le prouver.
    La résolution prit véritablement jour début 2005, alors que May et Taylor joue sur scène We Will Rock You et We Are The Champions, accompagnés au chant par Paul Rodgers, ex-leader de Free et Bad Company. Cela fut si bienfaiteur pour les trois hommes que, illico presto, l’idée naquit de leurs cerveaux tout beaux : il fallait faire une tournée. Reprendre la scène, et créer ce super-groupe, Queen + Paul Rodgers. Dont acte. Un évènement supposé sans suite, pour pouvoir revivre une dernière fois la folie des lives, et faire renaître tous les joyaux de Queen. Les mauvaises langues disaient à l’époque qu’ils faisaient ça pour le fric. Les mauvaises langues, on les coupe. L’émotion était là.
    Une gigantesque tournée mondiale fut mise en place, avec pour première date (après un premier concert à public réduit) un Zénith de Paris. Et j’y étais, madame. Imaginez le pied pour un mec de 19 ans qui a tous les CD de Queen, vingt-et-un 45 tours, seize 33 tours, et le coffret Crown Jewels en velours bleu, mais qu’un stupide problème de concordance d’époque l’aura empêché de voir son groupe préféré en vrai. Et puis, hop, après tout ça, on passait à autre chose : la tournée avait été triomphale, mais pas question d’un album studio. Seulement cette tournée live. Et puis… Et puis, de l’eau a coulé sous les ponts. L’inspiration revient, la synergie entre les artistes prend plus que jamais forme.

Une alchimie nouvelle et libératrice.
    Et voilà comment fut annoncé en 2007 la mise en chantier d’un album studio, entièrement composé de nouvelles chansons écrites par le trio. Ce sera The Cosmos Rocks (titre sûrement choisi par May, Docteur en Astrophysique qu’il est), et il nous aura fallu attendre jusqu’à ce 15 septembre 2008 pour l’entendre. Alors, oui, comme je l’ai dit en introduction de cet article, oubliez toute notion d’objectivité : quand il s’agit de Queen, ça fait un bail que je l’ai roulé en boule et laissé au fond d’un placard, pour qu’elle soit bouffée par les mites et les ragondins. Malgré tout, je vais quand même me débrouiller pour vous faire comprendre que The Cosmos Rocks est un excellent album. Parce que c’est le cas.
    Pas seulement un timide sursaut de trois bonshommes qui veulent refaire un album ensemble, mais un vrai grand et bel album de rock, avec juste ce qu’il faut de blues et de mélodies pour en faire une œuvre à géométrie variable. Brian May et Roger Taylor sont – pour ceux qui en doutaient – d’une forme olympique, tandis que Paul Rodgers est définitivement le chanteur rêvé pour s’allier aux deux compères : sa voix, forte et rocailleuse, offre une élasticité héritée de sa musique blues qui convient tout à fait au style de May et Taylor. Et, surtout, tout comme on a pu s’en rendre compte au concert, il ne cherche à aucun moment à remplacer Freddie Mercury, ou lui ressembler.
    Il apporte sa propre contribution, sa propre énergie, pour former un mélange final d’une texture unique, qui ne ressemble non seulement pas à Queen mais pas non plus à tout ce qui peut se faire actuellement. Et ça, on s’en rend compte dès qu’il entame Cosmos Rockin’, qui débute l’album. Après une introduction typique de Brian May à base de nappes de guitares, de bruits étranges et de voix trafiquées, la guitare se fait plus franche, riffée, tandis que Roger Taylor arrive la tête la première avec ses grosses cymbales. Devant, Paul Rodgers imprime d’entrée son style, avec une voix très rythmique qui parait posséder son propre métronome. What planet is this, mmm ? Let there be rock’n’roll !

Plus une fontaine de jouvence qu'un album de musique.
    Et puis Time To Shine verra l’apparition du piano, qui vient se fondre à la guitare. Un deuxième morceau plus posé que l’explosant premier, mais véritablement de toute beauté : la musique se fait planante, tout en gardant la pêche. Le refrain est particulièrement mémorable, Rodgers criant "Raise up your mind, It’s time to shine". Je voix d’ici tous les fans crier en chœur lors des concerts pour la tournée de l’album. Plus loin, la musique se fera plus folk avec Still Burnin’ et bluesy avec la géniale Warboys ou encore la très old-school Call Me, des joyaux marqués notamment par des solos de Brian May qui font pâlir n’importe quel jeune groupe de rock actuel. Une manière de dire qui est le patron, en somme.
    Et puis, au milieu de ces titres fiévreux et enlevés, on trouve des ballades mélancoliques, oscillant entre l’acceptable (Some Things That Glitter) et l’extraordinaire dans le cas de Small et son solo de guitare ahurissant… Dans tous les cas, ces petites parenthèses mélancoliques font leur effet, rappelant du Cat Stevens ou du Johnny Cash. Et même, quelques fois, du Queen. Si si, fou, hein ? Mais tout ça servira à mieux nous préparer, nous hypnotiser, avant la claque finale, le nirvana ultime que représente Surf’s Up… School’s Out! clôturant l’album (si on ne tient pas compte de la reprise de Small en version instrumentalo-planante). Un dernier titre exceptionnel, démarrant par une nappe timide avant que tout n’explose pour le meilleur et le meilleur.
    En fin de compte, après avoir écouté ce Cosmos Rocks, il faut se rendre à l’évidence : oui, Queen + Paul Rodgers ont véritablement fait un album de haute voltige. Ils ont su se réinventer pour accoucher d’un rock nerveux et puissant, parsemé de voix divines, de solos de guitares extraterrestres et d’une batterie martelée jusqu’à l’agonie. On avait peur du résultat, on craignait un truc un brin ringard, la jaquette plus atroce que l’atrocité elle-même ne nous avait pas rassuré, mais les faits sont là : Roger Taylor est toujours l’un des meilleurs batteurs qui soient, Brian May est toujours le plus grand guitariste de tous les temps, et Paul Rodgers est toujours le catalyseur d’une alchimie atemporelle et intemporelle. Freddie, tu nous manques, cela ne fait aucun doute. Mais tu peux être fier, de là où tu es.

Quelques extraits de l'album

Ca arrive bientôt, bande de sacripants.

Fluorescent Adolescents : Oracular Spectacular, de MGMT

Anansi — Sat, 30 Aug 2008 11:36:00 +0200

Ça a été le gros évènement du début d'année. Certains crièrent au génie, d'autres se contentaient de vaguement les apprécier, ou carrément les détester. Une chose est sûre : tout le monde écoutait MGMT. Parce que, si tu voulais être cool, tu écoutais MGMT. Tu pouvais en prime raconter deux-trois anecdotes, comme le fait qu'ils s'appelaient The Management auparavant, ou le fait que le chanteur se tape Kirsten Dunst en coulisse après chaque concert, et là tu brillais en société. Mais maintenant que le buzz est (un peu) retombé, que reste-t-il de ce supposé coup de génie ? Hé bien, beaucoup de choses : l'album est effectivement excellent, même s'il est trop inégal pour être inoubliable.

L'être contre le paraître, fameux combat.
    Si je vous parle de Brooklin, ça vous évoque quoi ? Des poubelles et des gros blacks avec des chaînes en or qui font "yeah yeah". Oui, moi aussi. C’est comme ça. Tout comme le fait que tous les mexicains ont des sombreros, et toutes les italiennes sont belles. Oui, ben non, en fait. En tout cas pour Brooklin. Parce qu’il parait que, dans ce quartier fantastique, y’a une nouvelle scène psyché-rock qui émerge et qui déchire tout. C’est ce que les gens disent, en tout cas : quand tu vas à Brooklin, boom, du psyché-rock. Comme ça. La preuve : ils ont viré le clocher de l’église, pour mettre un synthé cacochyme phosphorescent à la place. Etrange. Un peu comme si Créteil se découvrait une passion pour Wagner et Mozart.
    Au sommet de cette hiérarchie un brin paradoxale, les MGMT se sont posés en Grand Maître Sauveurs De L’Humanité. C’est en fin 2007 qu’ils sortirent Oracular Spectacular, leur premier album, mais leur explosion ne se fit vraiment qu’au début de l’année 2008. Pourtant, ils n’ont pas franchement de quoi plaire, à la base : de jeunes gamins de 19 ans qui jouent avec des synthés, dans un atroce style vestimentaire bobo-hyppie, du genre qui lit Paul-Loup Sulitzer et achète des tableaux avec des taureaux dessus parce que ça "rappelle la Province". Bref, à l’époque, je poussai un petit « mouais » dédaigneux, et préférai me tourner vers Vampire Weekend et leur afro-rock.
    Mais, maintenant que tout le buzz est passé et que je me trouvai fort dépourvu lorsque la bise fut venue, il est temps de s’y intéresser, à ce Oracular Spectacular. Hé bien, ça vous étonnera peut-être, mais je vais oser dire quelque chose d’incroyable, que vous n’avez jamais encore lu : cet album est excellent. Une véritable claque en pleine poire, pleine d’insolence, de fulgurance, d’insouciance bienfaitrice. Même si les MGMT ont signé chez Sony/Columbia Records, on a l’impression d’avoir affaire à une vraie œuvre indépendante, sans consensus, mais avec l’explosion de la jeunesse. Tout ça produit avec une précision chirurgicale par un Dave Fridmann qui s’est visiblement remis du malheur qu’il a causé aux Flaming Lips.

"The youth is starting to change. Are you starting to change ?"
Evidemment, je ne peux que commencer par vous parler de Time To Pretend, ouvrant l’album et propulsé premier single. Une merveille. Le son, déjà, à la fois rock, pop, et électro, sonne un peu comme ce qu’aurait rêvé de faire les Klaxons sans jamais avoir pu y arriver. Tous les médias du monde entier se sont lâchés, sur cette œuvre narvalico-psychédélico-pouèt, et il faut admettre qu’ils n’avaient pas tort. La musique, simple dans sa construction avec ce riff mortel de synthé qui revient constamment, se trouve en adéquation parfaite avec les paroles, probablement les meilleures qu’on ait entendues depuis un bail.
“I'm feeling rough, I'm feeling raw, I'm in the prime of my life. Let's make some music, make some money, find some models for wives. I'll move to Paris, shoot some heroin, and fuck with the stars.” Les deux gamins nous annoncent, le sourire aux lèvres, qu’on finira étouffés dans notre vomi et que ce sera la fin. Parce qu’on est condamnés à faire semblant. Un peu foutage de gueule, de la part de musicos qui n’ont jamais trop galéré ? Complètement. Et c’est ça qui est bon. Ben Goldwasser and Andrew VanWyngarden (hé bah) nient tout en bloc, plus ou moins implicitement, et veulent s’affranchir de leurs aînés, des modèles de la musique. Ils sont la relève, for fuck's sake. Ni dieu, ni maître, en somme.
Pourtant, quand on écoute Oracular Spectacular, on peut pas s’empêcher de le comparer avec ce qui a été fait. Par exemple, il est évident que des hommes comme David Bowie ont beaucoup influencé l’éveil musical des deux bonshommes de Brooklin, non seulement pour le look si particulier (Aladdin Sane, quelqu'un ?), mais aussi dans la musique glam-rock. L’extraordinaire Weekend Wars sonne complètement comme une chanson qu’aurait pu sortir Bowie, au début des seventies. Il faut dire que la voix de VanWyngarden (merci le copier-coller) ressemble étrangement à celle de l’Araignée de Mars.

Mais tout n'est pas parfait au pays des synthés.
    Le même constat sera fait avec The Youth, gardant encore de subtils arrangements de synthés tout en calmant les choses. Une ballade artificielle, pleine de virtualité, et pourtant tellement terre-à-terre… “This is a call of arms to live and love and sleep together. We could flood the streets with love or light or heat. Whatever. Lock the parents out, cut a rug, twist and shout. Wave your hands. Make it rain. For stars will rise again.” Puis, tout reprend vie avec le très bon Electric Feel, ici montrant clairement l’autre influence principale du groupe, à savoir Prince. Du funk rythmé qui marchera à coup sûr dans les dancefloors de Paname ou dans n’importe quelle soirée fournie avec alcool fort.
    Bon, par contre, on va pas se mentir : la prodigieuse qualité des premières chansons de l’album ne se retrouve pas jusqu’à la fin, et on obtient au final une certaine inégalité, obligée par la jeunesse du groupe. Même si 4th Dimensional Transition est stupéfiante dans son délire psychédélique (du vrai bon Bowie, pour le coup), Of Moons, Birds and Monsters est franchement anecdotique et dispensable, notamment à cause d’un loooooooong solo instrumental à la fin qui enquiquine plus qu’autre chose. Pour The Handshake, c’est la même : aussitôt entendue, aussitôt oubliée. Une tentative de morceau plus expérimental que le reste, pas franchement réjouissante.
    En bref, en mettant de coté le fait qu’ils sont récupérés de partout par tous ces bobos trop heureux d’être dans la hype, et en oubliant leur look directement sorti d’un catalogue La Redoute, les MGMT nous ont sorti un excellent premier album. Maintenant, reste à voir s’ils réussiront à poursuivre leurs efforts sur les albums suivants, pour montrer à tout le monde qu’ils sont là dans la durée, et pas seulement pour avoir jeté un caillou dans la mare. Histoire qu’on ne les oublie pas, quoi. Il faut donc le reconnaître : tout comme les huîtres, ces idiotes bestioles gélatineuses, peuvent donner de splendides perles, ces deux couillons ont fait un truc énorme avec ce Oracular Spectacular.

Quelques extraits de l'album

MGMT - Time To Pretend

MGMT - Weekend Wars

L'histoire d'un canard numérique...

Family Guy, de Seth McFarlane

Les Restes Du Monde, N°22

Oui, ces Restes du Monde sont 100% médiévaux

De Kaamelott à Rome

Changeons de sujet, et d'Astier

Hellboy II, de Guillermo Del Toro

Quantum of Solace, de Marc Forster : un véritable Bond en arrière

The Graveyard Book, de Neil Gaiman

“Name the different kind of people,” said Miss Lupescu. “Now.” Bod thought for a moment. “The living,” he said. “Er. The dead.” he stopped. “Then… Cats ?” he offered, uncertainly.

Vicky Cristina Barcelona, de Woody Allen

And, alone in the world, the geek is happy...

La Boussole d'Or, de Chris Weitz

Dig Out Your Soul, d'Oasis

"Quis custodiet ipsos custodes" : Watchmen, de Alan Moore et Dave Gibbons

Born To Be A Larve (Notes, T.1), de Boulet

The Cosmos Rocks, de Queen + Paul Rodgers

Quelques extraits de l'album

Fluorescent Adolescents : Oracular Spectacular, de MGMT

Quelques extraits de l'album

“Name the different kind of people,” said Miss Lupescu. “Now.”
Bod thought for a moment. “The living,” he said. “Er. The dead.” he stopped. “Then… Cats ?” he offered, uncertainly.