L'histoire d'un canard numérique...

Broken Bells, de... Broken Bells

Anansi — Sat, 06 Mar 2010 10:19:00 +0100

Ceci est l'histoire de Danger Mouse, producteur indie de génie, et James Mercer, leader de l'excellent groupe The Shins. Après s'être rencontrés en 2004 lors d'un festival danois, ils décident de monter un groupe ensemble. Comme ça, boum. Leur emploi du temps est chargé mais, six ans plus tard, voilà la naissance du projet Broken Bells, et son premier album. Un très bon disque, qui mêle à la fois les expérimentions hip-hop et dub de Danger Mouse, et les mélodies de James Mercer. Du bon son, m'sieurs dames.

Mon n'avis

Forcément, voir collaborer la musique très lyrique de James Mercer (leader des Shins) et les expérimentations et autres bidouillages de Danger Mouse (producteur plus fort que toi, qui a notamment bossé pour Gorillaz, the Black Keys et Beck, et qui a participé l’année dernière au projet Dark Night of the Soul) est prometteur de bons moments. Ca tombe bien, c’est effectivement ce que nous offre Broken Bells.

Avec son allure rétro-futuriste, alliant à la fois un aspect vieillot et spatial, la charte graphique de Broken Bells est finalement le meilleur résumé de son premier album. Plutôt que de faire percuter leurs deux univers si différents, les deux compositeurs les font cohabiter, les font fusionner. Chacun reste fidèle à son style, qui reste très reconnaissable, mais le mariage des genres se fait avec une souplesse toute douce, signe d’une symbiose réussie, et d’un album qui l’est tout autant.

The High Road, le morceau d’ouverture, se fait directement efficace. Devant les bips de machines et la batterie de Danger Mouse, Mercer se fait vaporeux, laissant glisser sa voix si caractéristique, qui sera accompagnée par des chœurs puis par des claquements de mains. Ce premier titre, qui est d’ailleurs le premier single, montre déjà toute l’attention portée aux détails, et notamment dans la composition, où rien n’est laissé au hasard. Puis, on arrive avec Vaporize sur un témoignage parfait du mariage des styles ; à l’approche acoustique et sèche de Mercer (symbolisée par une intro fabuleuse), viennent se mêler les bidouilles du producteur, où des trompettes accompagnent des claviers synthétiques.

Plusieurs morceaux joueront sur ces deux tableaux, en particulier Sailing To Nowhere, une formidable ode en forme de comptine, s’énervant ponctuellement, comme rongée par un parasite. Un corps étranger dont elle s’émancipera en fin de compte, pour une dernière partie très lyrique, aidée en cela par un orchestre philharmonique. Mongrel Heart est tout aussi formidable : construite sur des beats qui lui donne une contenance très trip-hop, la chanson s’arrête subitement, pour partir sur un passage extrêmement harmonieux qui n’a rien à envier à Ennio Morricone. C’est surprenant, c’est passionnant ; en gros, c’est génial.

D’autres morceaux marchent moins bien, même si on n’est jamais véritablement dans le « mauvais » : October peine à s’envoler malgré une boucle de synthé plutôt réussie, tandis que Citizen n’est pas assez harmonieuse à mon goût. Ce sont ces quelques passages qui font que le premier album de Broken Bells n’est pas d’une excellence absolue. Au lieu de cela, il doit se « contenter » d’être un très bon album, un bon premier essai qui marche à beaucoup de niveau mais qui peinera certainement à laisser une trace dans le temps.

Mais que cela ne vous empêche pas de profiter des bons moments notamment permis par The Ghost Inside et son aspect très proche de Gnarls Barkley (groupe formé par Danger Mouse, dont il représente la moitié), ou encore par l’hypnotique Your Head Is On Fire, ou la voix enveloppante de Mercer se pose devant un parterre de guitares sèches et de lourdes cymbales. Enfin, The Mall & The Misery clôture en beauté l’album, car il en est l’essence même. Le duo joue encore une fois sur les contrastes, l’introduction orchestrale avec violons, contrebasses et guitare laissant place à un rythme uptempo dynamique au possible, bientôt joint par une guitare électrique.

Broken Bells propose ainsi un beau voyage, fait de mystères, de surprises et d’alliances contre-nature. Le trajet se fait à la fois lyrique et dynamique, pour un plaisir constant. L’extase ne se manifeste par contre que par intermittence, l’empêchant d’atteindre le statut d’œuvre formidable, mais l’essentiel est là : un très bon disque rempli de belle musique.

Dans une coquille de noix

Album : Broken Bells
De Broken Bells
Sortie le 8 mars 2010

Broken Bells - The High Road

Broken Bells - Vaporize

Shutter Island, de Martin Scorsese

Anansi — Mon, 01 Mar 2010 17:23:00 +0100

De prime abord (oui, j'aime commencer mes chroniques par des expressions moisies), Shutter Island a l'air d'être l'un des films les plus "hollywoodiens" de Scorsese. Un thriller d'apparence simple, qui tranche avec les films charismatiques aux héros méga-classieux qu'il peut réaliser, comme encore récemment avec Les Infiltrés. Et pourtant, en adaptant le livre de Dennis Lehane, Martin Scorsese réalise son film le plus troublant et habité depuis un très long moment. Shutter Island est un modèle du genre, avec un scénario extrêmement bien ficelé et une réalisation à tomber par terre. Bienvenue à Shutter Island ; on ne vous garantit pas que vous repartirez indemne, mais le séjour sera mémorable.

« Sa démence… Elle le préserve de la folie. » Neil Gaiman, Sandman

Le scénar'

Nous sommes en 1954. Le marshal Teddy Daniels et son coéquipier Chuck Aule sont envoyés sur l'île de Shutter Island, abritant un hôpital psychiatrique pour fous dangereux. Rachel Solando, l'une des patientes, a disparu depuis 24H, sans que personne ne l'aie vu s'échapper. Mais au fur et à mesure que l'enquête avance, et que les agents fédéraux pénètrent dans les rouages de l'institution, de nombreux mystères apparaissent. Laissant entendre que cet asile n'est peut-être pas aussi paradisiaque que prévu.

Mon n'avis

Une mer déchaînée. Du brouillard. Epais. Infini. Un ferry en sort, monstre de fer, seul élément concret au milieu du néant. Destination, Shutter Island. L’île flotte au milieu de l’océan, entourée de cette brume, comme pour mieux souligner que le reste du monde n’existe plus. Il n’y a que l’île, ses pierres rongées par les embruns, ses grillages électriques, ses murs aliénants. Dès cette première scène, le message du dernier film de Martin Scorsese est clair ; il s’agit d’un voyage inquiétant, angoissant, où la peur se fait psychologique. Lorsque les deux marshals arrivent sur l’île, ce huis-clos naturel, le malaise est immédiat. L’ambiance est posée, les pions avancés, l’histoire peut commencer.

Et quelle histoire. Oui, avec Shutter Island, Scorsese montre que le « vieil italo-américain » n’est pas fini, et qu’on doit encore composer avec lui. Tandis qu’il ne nous avait pas habitués aux thrillers psychologiques tortueux, le réalisateur construit ici une œuvre entière et intense, qui nous prend à la gorge dès la première seconde et qui ne nous lâche pas pendant presque 2h30. On savait le scénario excellent, puisqu’il s’agit de l’adaptation du livre éponyme de Dennis Lehane, l’un des maîtres du polar (ses précédents romans Mystic River et Gone Baby Gone ont déjà connu leur version cinéma). Mais Scorsese le retranscrit avec une incroyable justesse, sans trancher dans le lard de l’intrigue littéraire.

Et tandis que les héros débarquent sur l’île et qu’ils commencent leur enquête sur la disparition d’une patiente, les mystères affluent : comment cette femme a-t-elle pu sortir toute seule de sa « chambre/cellule », et s’échapper d’un asile ultra-protégé ? Pourquoi plusieurs bâtiments sont-ils interdits d’accès ? Les méthodes pour guérir les patients, ces dangereux criminels, sont-elles aussi pacifiques qu’on veut bien nous le faire croire ? Les questions, réponses et rebondissements s’enchaînent, pour mieux torturer l’esprit du personnage principal, Teddy Daniels.

Un héros campé d’ailleurs à merveille par un Leonardo DiCaprio qui est passé de « petit blondinet pour midinettes » à l’un des plus grands acteurs actuels grâce à la moulinette Scorsese (c’est leur quatrième film ensemble). Il prend véritablement toute la place à l’écran, et joue avec une force rare mais pas exagérée un homme droit sur ses principes, pourtant rongé par ses névroses et les horreurs vues – et commises – pendant la guerre.

Au fur et à mesure de l’entrée toujours plus profonde dans les méandres de l’asile, les psychoses du héros vont se manifester, par des rêves étranges superbement mis en scène par Martin Scorsese, définitivement très inspiré. L’ambiance se fait toujours suintante et angoissante, tenant le spectateur en haleine par des scènes à la limite de la folie régnant sur Shutter Island. La musique se mêle alors à la fête, par des violons et instruments discordants (rappelant le bijou There Will Be Blood de Paul T. Anderson), ajoutant énormément de force à l’ambiance. En outre, les décors de cette île constituent des écrins formidables à des passages accentuant encore plus la démence générale. Tout comme la forêt sombre d’Antichrist était idéale pour transcrire la paranoïa de cette folle furieuse de Charlotte Gainsbourg, ici l’île – et les notions d’isolement complet qu’elle sous-tend – ne fait qu’ajouter du mystère à l’intrigue.

Shutter Island est donc un film profondément marquant, non seulement pour la qualité de son scénario contenant un nombre conséquent d’éléments et de retournements de situation, mais également par la réalisation alambiquée de Scorsese. Les séquences fortes visuellement sont légion, mais le réalisateur n’hésite pourtant pas à poser les choses et construire des scènes entières autour de dialogues, pour mieux nous faire rentrer dans l’histoire et le monde fou créé devant nos yeux. Le trip est fort, intense, il met mal-à-l’aise, il interpelle. Et longtemps après la projection, on se pose encore des questions. On ne veut alors qu’une chose : retourner sur l’île. Aussi dérangeante soit-elle.

Dans une coquille de noix

Film : Shutter Island
De Martin Scorsese
Avec Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Emily Mortimer, Michelle Williams
Sortie en salles le 24 février 2010

Shutter Island - Trailer [VOST FR]

In The Air, de Jason Reitman

Anansi — Wed, 24 Feb 2010 10:50:00 +0100

Jason Reitman (Thank You For Smoking, Juno) continue sur sa lancée des comédies sociales satiriques, avec cette fois l'histoire d'un homme parcourant le monde pour licencier des employés. Le cynisme du personnage, joué à merveille par Clooney, marche très bien, mais le film lui-même se révèle plutôt inégal : fantastique dans sa première partie, le rythme baisse progressivement, pour toucher le fond à la fin. Tout cela parce que, à l'instar d'un Michael Moore qui ne fait plus peur à personne, le réalisateur n'assume pas complètement ses propos et tient à revenir sur les bons sentiers confortables de la moralité. Dommage.

Le scénar'

Ryan Bingham n'a pas de coeur. Enfin, c'est ce que disent ceux qui le rencontrent. Lui n'en a pas grand chose à taper. Sa vie se résume à son boulot, et son boulot, lui, se résume à parcourir le monde en avion pour virer les employés d'entreprises dont les patrons sont trop lâches pour faire le boulot eux-mêmes. Solitaire cynique, sardonique et étranger à toute notion d'attache, Ryan effectue son travail sans émotion, avec pour seule ambition de collectionner les cartes d'abonnés, et de réussir à accumuler un maximum de miles parcourus dans le ciel. Mais deux rencontres, l'une avec un plan cul d'un soir et l'autre avec une nouvelle employée de sa boîte toute juste sortie de la fac, viendront perturber sa petite vie bien calibrée.

Mon n'avis

« Par le réalisateur de Juno » peut-on voir sur l’affiche. C’est vrai que Jason Reitman est plus ou moins le nouveau chouchou de l’intelligentsia américaine depuis son film sur Ellen Page qui ne voulait pas de son gosse, qui est devenu « le petit film qui marche sans qu’on s’y attende » comme adore en organiser les américains. Alors, oui, c’était un film assez sympathique, même si ce n’était pas la grande œuvre fédératrice que le buzz voulait nous vendre. Néanmoins, avec son nouveau film, Up In The Air (ou In The Air en français, ne me demandez pas pourquoi ils ont préféré enlever le « up » plutôt que de traduire), Jason Reitman nous rappelle au bon souvenir de son premier film, excellentissime, Thank You For Smoking.

Ryan Bingham, le héros, pourrait en fait être le cousin germain de Nick Taylor, le personnage principal du premier film du réalisateur. Les deux sont des monstres de cynisme, tout en sourires charmeurs et discours parfaitement rodés pour défendre l’indéfendable. Là où Taylor ventait les mérites du tabac et conseillait aux enfants de fumer pour juger eux-mêmes des méfaits ou non des cigarettes, Ryan Bingham parcourt le monde pour expliquer aux employés qu’ils sont virés, mais qu’ils ont participé à l’épanouissement du système capitaliste et qu’on les en remercie. Il peut ensuite prendre le prochain vol, avec la seule satisfaction d’avoir accompli son travail.

La première partie est excellente. George Clooney tient très certainement l’un de ses meilleurs rôle, se glissant sans mal dans la peau d’un personnage taillé pour lui, à la fois charmant et froid. Les répliques drôles fusent à toute vitesse, les dialogues du héros avec sa partenaire de quelques soirs – Alex Goran (la toujours excellente Vera Farniga) – sont carrément géniaux par moment, tout comme les scènes où il doit composer avec la nouvelle recrue Natalie Keener, dont la vision de la vie est totalement à l’opposée de la sienne. On se régale aussi avec les scènes où le personnage principal déblatère son discours prémaché et totalement détaché aux employés licenciés, et lorsque l’on se rend compte que, sa vie se résumant à une accumulation de trajets en avion, tous ses mouvements dans les aéroports sont réfléchis et pensés pour prendre le moins de temps possible (c’est notamment important de se placer derrière des asiatiques : ils vont à l’essentiel. Ils sont forts, ces chinois).

Une nouvelle fois, Jason Reitman parvient donc à monter une bonne comédie satirique, qui tient ses promesses. C’est aussi l’occasion d’écorcher le système capitaliste complètement déshumanisé, dans un contexte social on ne peut plus ancré dans la situation actuelle : la crise financière. Tout comme Nick Taylor pouvait plus ou moins être considéré comme une allégorie des lobbies du tabac en Amérique dans Thank You For Smoking, Ryan Bingham pourrait ici symboliser un système ne considérant plus les hommes que comme des objets renouvelables, et donc dispensables (aucune mention d'Orange, par contre, tiens).

Par contre, c’est carrément dommage que ce cynisme cinglant, que le réalisateur met en place avec tant de talent, ne soit pas assumé franchement jusqu’au bout. D’où une dernière partie de film faiblarde comparée au reste, car Reitman veut à tout prix une sorte de rédemption de son héros, comme s’il nous disait « oui, le monde est moche et méchant, mais bon, pas trop quand même hein ? ». La fin vire donc vers une comédie sociale vaguement romantique, teintée d’une morale facile bien fadasse, le héros se transformant soudainement en conseiller matrimonial sans nous prévenir. Alors, là, je dis : Jason Reitman, t’es qu’un gros faux-cul. Mais enfin, que cette fin en eau-de-boudin ne vous refroidisse pas trop (un peu quand même, hein) ; il ne faut pas oublier que le reste du film, c’est du caviar. Ou même mieux : une bonne grosse échine de porc.

Dans une coquille de noix

Film : In The Air
De Jason Reitman
Avec George Clooney, Vera Farniga, Anna Kendrick, Jason Bateman
Sortie en salles le 21 janvier 2010

In The Air - Trailer VOST

Fantastic Mr Fox, de Wes Anderson

Anansi — Sun, 21 Feb 2010 21:19:00 +0100

En ce moment, c'est la mode des adaptations de livres pour enfants chez les cinéastes branchouilles des Etats-Unis. Après Spike Jonze s'attaquant (avec beaucoup de talent) à Where The Wild Things Are, voici Wes Anderson racontant l'histoire de Fantastic Mr Fox, bouquin de Roald Dahl. On connait toute la maestria du réalisateur, et le fait qu'il s'agisse ici d'un film d'animation ne change rien ; la classe de Wes Anderson transparait à l'écran, offrant un conte burlesque à la créativité incroyable, magnifique sur le fond comme sur la forme.

Le scénar'

Mr et Mrs Fox mènent une vie peinarde dans leur trou avec leur fils, Ash, et leur neveu en visite, Kristofferson. Mais, après douze ans de petite vie rangée et bucolique, la situation devient trop pesante pour Mr Fox, dont les instincts d'animal sauvage reviennent. Se remémorant sa jeunesse à voler des poulets aux voisins, il décide d’aller piller Boggis, Bunce et Bean, les trois fermiers du coin. Mais cela n’est pas du gout des industriels, qui vont tout faire pour mettre fin aux agissements de Mr Fox ; et tuer tous les animaux par la même occasion.

Mon n'avis

En quelques films, Wes Anderson a réussi à rejoindre la grande locomotive des cinéastes influents dans la machine hollywoodienne. Il fait partie de ces hommes en marge, aux allures décalées, qui secouent tout le média tout en s’autoproclamant (à raison) indépendants. De Rushmore en 1998 et surtout La Famille Tenenbaum, jusqu’au mythique La Vie Aquatique (Steve Zissou, respect éternel) et le récent (et toujours excellent) The Darjeeling Limited, Wes Anderson a définitivement pris une place à part dans les comédies. Alors, évidemment, quand lui est venu l’idée d’adapter en stop-motion l’un des classiques de Roald Dahl, on se demandait ce qui avait bien pu lui passer par la tête.

Et pourtant, à la vision de Fantastic Mr Fox, il apparait évident qu’il s’agit ni plus ni moins que d’une continuité parfaite de l’œuvre du réalisateur, qui n’avait pourtant jamais encore fait de films d’animation. L’homme est simplement encore dans sa bulle de créativité, qui lui fait découvrir de nouveaux horizons, de nouvelles façons d’aborder le cinéma. Tous ses thèmes chers sont là – la famille, les personnages dandys, les héros ne trouvant pas leur place dans la société, la musique -, mais transposés dans le monde britto-chic de Roald Dahl, rendu avec une justesse toute particulière. Ainsi, malgré ses apparats de films d’animation adapté à un public jeune, on est ici très loin des prods Dreamworks, Wes Anderson oblige.

On est en fait très proche de Wallace & Gromit, par l’ambiance et le ton mais également par la méthode ; celle des marionnettes et décors faits à la main, et retranscrits en stop-motion. Un travail de titan, qui donne un rendu splendide à l’écran, magnifié en plus par une animation volontairement saccadé pour laisser transparaitre une touche « artisanale », offrant un cachet unique à l’œuvre. J’avoue avoir été complètement conquis par l’originalité du graphisme, même si j’ai normalement tendance à être facilement rebuté par les animations volontairement grossières (South Park, je te conchie). D’une manière générale, tout l’aspect visuel du film est d’une beauté sidérante, car il parvient à mêler l’élégance décalée de Wes Anderson avec le raffinement de Roald Dahl. Le mélange donne un film d’animation aux allures de conte subtil et délicat, magnifié par les musiques franchement splendides d’Alexandre Desplat. Sans hésiter, on tient très certainement l’une des meilleurs BO de films de ces dernières années, tant Desplat parvient à s’emparer de l’âme du film, pour mieux l’accompagner : pianos sautant, violons virevoltants, flutes de pans et traversières, comptines aériennes… Rien n’est laissé au hasard.

Mais outre l’aspect visuel ou les musiques, ce sont les personnages qui donnent son âme au film. Il est d’ailleurs intéressant de voir à quel point ces animaux, créations de plastique, poils et autres tissus, sont caractéristiques des héros de Wes Anderson, du journaliste dandy à la classe désabusée (Mr Fox, doublé par un George Clooney absolument parfait), jusqu’au fils incompris écœuré par tout ce qui l’entoure (Jason Schwartzman, présent dans tous les films d’Anderson). Le réalisateur emprunte donc des sentiers différents mais ne se trahit pas, et c’est tant mieux. Parce que la recette de Wes Anderson est définitivement magique, avec ces répliques toujours drôles et intelligentes, ces dialogues rythmés qui font mouche et ces situations absurdes.

Plus qu’une simple parenthèse naïve dans la filmographie de Wes Anderson, Fantastic Mr Fox est donc un film d’animation subtil et fin, comme un bon conte. Les enfants trouveront leur compte dans les aventures de Mr Fox pour voler les marchandises des trois fermiers, tandis que les adultes verront une fable plastiquement superbe, contée avec un rythme toujours bien temporisé, dont les thèmes sont très nombreux et toujours pertinents. Reste un scénario manquant d’imagination car directement adapté d’un livre, mais Wes Anderson s’en empare avec tellement de brio que l’on ne peut que le féliciter.

Dans une coquille de noix

Fantastic Mr Fox
De Wes Anderson
Avec les voix de George Clooney, Meryl Streep, Jason Schwartzman, Bill Murray
Sortie en salles le 17 février 2010

Fantastic Mr Fox - Trailer

Contra, de Vampire Weekend

Anansi — Sat, 13 Feb 2010 18:48:00 +0100

Auréolés de toute la hype qui avait entouré leur premier album, les Vampire Weekend reviennent, avec un excellent deuxième album. Tout en gardant leur recette magique à base de pop percutante à tendance africaine, les New-Yorkais se font plus intelligents, en expérimentant plusieurs styles. Contra est donc la continuité idéale du premier disque, et Vampire Weekend montrent une nouvelle fois que, quand il s'agit de se fournir en harmonies joyeuses qui sentent bon l'été, on peut compter sur eux.

Les mérites d'un succès.
    Lorsque Vampire Weekend arriva sur la scène musicale en début d’année 2008, ce fut un réel bol d’air frais qui donna un bon coup de fouet à la scène indie. Les quatre garçons, pur produit de la « bonne société » New-Yorkaise (en provenance directe de l’université de Columbia), fournirent une pop dansante et percutante, aux influences africaines et ska, qui offrit un sacré bon mélange, et un album au succès immédiat. La hype prit tout de suite, parce que les bonshommes avaient eu la grande chance d’être adulés à la fois par les mélomanes de tous bords, les internautes à la pop-culture en ébullition, et les webzineurs branchouilles.
   C’est dire si ce deuxième album, Contra, était attendu. Histoire de voir si Vampire Weekend allait pouvoir continuer sur leur lancée, ou si ce premier essai était le seul qui allait être valable (ce que beaucoup redoutait). Comme pour prouver le rayonnement qu’a acquis le groupe, Contra s’inscrit en l’espace de six jours au premier rang des ventes au Royaume-Uni, et devint le premier album d’un groupe sous label indépendant anglais à être numéro un aux Etats-Unis depuis 20 ans. Et vous savez quoi ? Ca me fait bien plaisir. Parce que Contra est un foutu bon album, évitant l’écueil des seconds disques, où les groupes hésitent entre la révolution (qui foire souvent) et la redite pure et simple.
   Les New-Yorkais ne révolutionnent pas leur musique, mais poursuivent le créneau qu’ils ont créé eux-mêmes, en ajoutant suffisamment d’éléments par-ci par-là pour qu’on n’ait pas l’impression d’écouter le même album. C’est donc à nouveau à une petite beauté d’afro-pop qu’on a droit, où les percussions, guitares électriques, keyboards (sublimés par l’exceptionnel Rostam Batmanglij, claviériste et producteur du groupe, en plus d’avoir un super-héros dans son nom de famille) participent tous à la création de mélodies toujours aussi entrainantes.

Soleil et sourires.
    Pour ce nouvel album, l’accent a été mis sur les contrastes, sous toutes leurs formes. C’est d’ailleurs ce qui a donné son nom à l’album, même si le chanteur Ezra Koenig avoue volontiers qu’il pense évidemment également au jeu vidéo. Les contrastes, donc, qui se manifestent par des chansons aux rythmes très variés. Pour la première fois, Vampire Weekend s’essaient aux ballades, avec dans un premier temps l’excellente Giving Up The Gun, aux percussions omniprésentes donnant un rythme très fort, avant que les claviers ne se mêlent à la fête, introduisant un final euphorique presque anthémique.
    Avant ça, le disque s’ouvre sur Horchata, le premier morceau diffusé sur le net. Le propos est aussi léger et inconsistant qu’on aurait pu croire (une boisson Mexicaine anti-gueule de bois), mais les harmonies sont dantesques, car n’hésitant pas à expérimenter, tant au niveau des rythmes que des instruments. On découvre ainsi des cymbales toutes fines, des claviers élégants, et de grosses percussions venant lors des refrains. Le groupe a même été joint pour ce morceau par Mauro Refosco, percussionniste brésilien jouant avec David Byrne ou Thom Yorke, qui est venu avec ses marimbas et autres kalimbas, petits pianos africains émettant un son très métallique. Tout ça sans la moindre guitare.
    Cousins, le deuxième titre à être apparu sur la toile (et qui constitue en fait le premier single) est, lui, à opposé. Toujours aussi joyeuse, dynamique et bondissante, mais se basant pratiquement entièrement sur la basse et la guitare. En résulte un titre qui sent bon la joie, où les guitares électriques éclaboussent la partition, se faisant très rapides par passage. Un morceau qui donne envie d’oublier ses soucis, de danser, de se bouger le popotin, le sourire aux lèvres… Et ce ne sont pas les cloches à la fin qui vont venir troubler cet état de fait. Au contraire, ça offre une belle conclusion à un single foutrement efficace.

Contra rempli.
    Taxi Cab est une autre ballade, encore une fois très percutante. C’est véritablement l’un des leitmotivs du groupe dans cet album : contourner les genres, comme ici montrer qu’une chanson douce et légère peut être servie avec des grosses percussions, pour être terminée avec des claviers et wurlitzers rappelant le fantastique morceau M79 du premier album. White Sky est elle du Vampire Weekend pur jus : claviers légers et percussions métronomiques portent avec élégance la voix d’Ezra Koenig, douce et cristalline, passant même en falsetto lors des refrains. Un excellent titre, suivi par Holiday, qui respire le bonheur, mais aux paroles moins joyeuses qu’en apparence (Holiday, O, A Holiday! / And the best one of the year / Dozing off underneath my sheets / While I cover both my ears).
    Contra compte en fait très peu de fausses notes. California English est peut-être plus faible, mais reste tout de même bonne. C’est un peu la Tom Bombadil de l’album si vous voulez : non pas qu’elle soit mauvaise, mais on l’aime moins que le reste. Il faut dire que je déteste (mais vraiment, hein) l’Auto-Tune, alors j’aurais aimé que les bonshommes de Brooklyn le laissent tranquille, maintenant que Jay-Z l’a officiellement tué. Le titre final, I Think UR A Contra, n’est pas non plus formidable, toute douce et mélancolique qu’elle est. Synthés vaporeux, voix en falsetto, violons dégoulinants… Un final mollasson.
    Malgré tout, vous l’aurez compris : le charme de Vampire Weekend opère encore. Parce qu’ils ont réussi à garder ce qui les rend à part – une musique dynamique, légère, percutant et sucrée, qui donne du soleil dans les cœurs -, tout en complexifiant leur musique, par touches subtiles. Contra est un chouïa moins immédiat que le premier album, doit s’écouter plusieurs fois pour être apprécié à sa juste valeur, ce qui ne le rend que plus important. Peut-être qu’en fin de compte, les Vampire Weekend sont là pour durer. En tout cas, le passage au deuxième album est réussi, rendez-vous dans deux ans pour la suite. Ca promet.

Invictus, de Clint Eastwood

Anansi — Wed, 03 Feb 2010 10:29:00 +0100

Clint nous revient, pour nous parler cette fois-ci de Nelson Mandela et de la coupe du monde de rugby 1995 en Afrique du Sud. L'occasion de parler de l'Apartheid, et d'un pays en reconstruction encore très marqué par les clivages blancs-noirs. Invictus est donc un film passionnant, mais on peut regretter qu'il soit trop unidirectionnel et subjectif pour qu'il émeuve réellement. Et puis, entre un Mandela aux allures de Dieu, des scènes mièvres mal gérées et une intensité mal dosée, le film n'est définitivement pas l'un des meilleurs du réalisateur. Malgré tout, beaucoup de qualités restent présentes, donnant tout son intérêt au film.

Mandela et le rugby.
    Nouveau projet d’un Clint Eastwood décidément survitaminé depuis plusieurs années, Invictus raconte l’histoire de Nelson Mandela, ou plutôt celle d’un évènement symbolique : la coupe du monde de rugby 1995. Un sport qui servira ici d’allégorie. Parce que, lorsque Mandela est élu à la tête du pays en 1994, il trouve un peuple encore marqué par l’apartheid, où les blancs et les noirs ne se mélangent pas, même pas dans le sport. Les noirs jouent au ballon rond, les blancs choisissent l’ovalie. Mandela va donc choisir l’équipe des Springboks, et en faire un porte-étendard de la tolérance et l’égalité en tentant de gagner la coupe du monde, dans son pays.
   Mais le temps presse, et les Springboks doivent être métamorphosés : de médiocre équipe habituée à la défaite, elle va devoir devenir une équipe modèle. Le moral du pays en dépend. La suite, on la connaît… Une sorte d’histoire parfaite, qui offre à Eastwood de quoi traiter ses sujets chers : l’exclusion, la tolérance, le pardon, le patriotisme. En évoquant de surcroît l’une des plus nobles figures politiques qui soient, incarnée par un Morgan Freeman absolument parfait dans son rôle. A noter que Freeman, ami de Mandela, est celui qui a initié ce projet de l’adaptation du livre Déjouer L’Ennemi de John Carlin.
   Néanmoins, il faut l’admettre : Invictus est loin d’être le meilleur film d’Eastwood. Si on retrouve évidemment sa patte (direction artistique impeccable, dialogues souvent excellents), tout ça est trop poli, trop admiratif. Plutôt que de voir évoluer de vrais personnages, on a l’impression de voir leurs stéréotypes, Eastwood enchaînant les passages symboliques et autres discours pompeux. Mandela y est décrit comme une figure christique devant laquelle le réalisateur se prosterne lui-même, sans recul ni vision interrogatrice.

Un peu de recul ne fait pas de mal.
    Le capitaine des Springboks sert lui de catalyseur pour véhiculer le message d’admiration à Mandela. On retrouve en effet ici le symbole du fils qui n’a rien en commun avec son « père spirituel » mais qui va apprendre de lui, car il l’admire, le vénère presque. Cf la scène où il visite la prison de Mandela (la célèbre « cellule du prisonnier 46664 »), en quasi-extase, tandis que le fameux poème Invictus se fait entendre en voix off… Tout ça manque de subtilité, tout de même, et fait de ce capitaine un personnage seulement défini par rapport à Mandela, sans intérêt propre.
   Les scènes fadasses sont en fait légion : les Springboks allant jouer avec des gamins noirs sur un terrain vague, la famille blanche qui invite la gentillette servante noire à venir au stade voir la finale, etc. Toutes ces scènes cassent complètement l’émotion que l’on pourrait ressentir pour Mandela et son pays, tant on vire vers le cliché. La ligne entre stéréotype et réalité est parfois fine et légère, et Eastwood tangue régulièrement, sans se casser la gueule mais en dérapant plusieurs fois. A commencer par ce capitaine d’équipe, donc, véritable erreur d’arbitrage.
   En outre, ce n’est pas Matt Damon et son jeu plat comme Jane Birkin qui vont nous faire aimer le personnage. C’est en fait « Matt Damon qui fait du Matt Damon » pourrait-on dire, tellement l’homme joue exactement de la même façon dans tous ses films. A la seule différence près qu’il prend ici le très rigolo accent sud-africain… Par contre, je le répète, Morgan Freeman fait lui un boulot remarquable, avec un jeu tout en subtilité. Arborant avec beaucoup de classe le costume d’un homme autoritaire mais altruiste, intelligent et passionné, il interprète Mandela avec tact et justesse.

Relations tumultueuses.
    Bon, je vous l’accorde, cet article n’est pas vraiment très élogieux… Et pourtant, Invictus a plusieurs qualités. Tout d’abord, Eastwood narre très bien les relations « compliquées » (pour utiliser des bons mots politiquement corrects) entre les blancs et les noirs pendant cette période de reconstruction de l’Afrique du Sud : les uns dénigrent les autres, qui eux ne font pas confiance aux premiers. Les esprits sont encore bien marqués par l’Apartheid et l’Afrikana, et ça se retrouve partout, jusque dans le service de sécurité de Mandela où les gardes du corps noirs doivent collaborer avec les blancs.
   Tout comme il avait su parfaitement parler du problème de tolérance des américains avec les peuples extérieurs à leur continent dans Gran Torino (avec le cas des Hmongs), le réalisateur retranscrit ici avec beaucoup de justesse la tension qui régnait en Afrique du Sud. C’est d’ailleurs ce qui fit des Springboks un symbole : une équipe de blancs, que les noirs voulaient démanteler, mais que Mandela voulut conserver à tout prix, pour marquer l’avènement d’un gouvernement nouveau, tolérant. Le rugby est donc un étendard fort, qui gagnera en puissance au fur et à mesure que la coupe du monde avance, jusqu’à cette finale historique contre les All Blacks, alors équipe imbattable menée par Jonah Lomu (maintenant vieux, gros, et jouant à Marseille. Hééééé ouais).
   Pour tout ça, Invictus reste un bon film, comme sait les faire Clint Eastwood. Mais il restera sans aucun doute comme un élément mineur de sa carrière. Loin d’avoir la verve de Gran Torino, la portée épique de Mémoires de nos Pères, ou l’émotion de L’Echange (pour parler des films récents), Invictus est un éloge à Mandela, sans beaucoup plus. L’homme le mérite bien, certes, mais j’aurais aimé un film moins unilatéral, mois poli, pour qu’il m’émeuve plus. Une belle histoire, sans surprise, sans accroc (aucune mention du fait que tous les néo-zélandais souffraient d’ « indigestion » le matin de la finale…). Un peu comme une finale de coupe du monde sans essai.

It Might Get Loud, de Davis Guggenheim

Anansi — Sun, 17 Jan 2010 17:33:00 +0100

Vous aimez le rock ? Les guitares électriques, ça vous parle ? Bon, alors vous devriez être intéressés par It Might Get Loud, documentaire de Davis Guggenheim sur la guitare électrique telle qu'elle est vue par The Edge (U2), Jimmy Page (The Yardbirds, Led Zeppelin), et Jack White (The White Stripes, The Raconteurs, et The Dead Weather depuis cette année). Le film organise ainsi une réunion entre ces trois ténors de la gratte, tout en retraçant leurs parcours pour mieux comprendre leurs psychologies et leurs approches de la musique... C'est un certain monsieur Du Bain qui m'a signalé l'existence de ce documentaire pas encore sorti en France, et je l'en remercie : c'est tout simplement fascinant.

Trois hommes, trois visions.
    L’idée est formidable : réunir Jimmy Page, The Edge et Jack White dans une salle, leur guitare dans les mains, et les laisser parler. De tout, et de rien : leur technique, leur histoire, leur rapport à la musique. Une sorte de réunion au sommet de la gratte, où trois guitar heroes (même si, personnellement, The Edge ne m’a jamais impressionné ; on y reviendra) se rencontrent simplement. Voilà le point de départ de It Might Get Loud, documentaire formidable de Davis Guggenheim, précédemment oscarisé pour un autre docu, le An Inconvenient Truth mené de front avec Al Gore.
    Le film se charge ainsi de retracer le parcours des trois guitaristes, avec toujours cette réunion en fil rouge. Le résultat est simplement fascinant, d’une part grâce au charisme et au talent des trois bonshommes en question, mais aussi parce que It Might Get Loud permet d’approcher leur psychologie par des images très souvent jamais vues. En gros, si vous appréciez un tant soit peu le rock et/ou la guitare électrique, ce documentaire est une perle rare, à ranger à coté de Don’t Look Back et autres No Direction Home (oui, je cite deux docu sur Dylan, mais je vous enquiquine).
    On retourne ainsi à Détroit avec Jack White (qui n’a de cesse de me montrer que j’ai raison de l’adorer beaucoup plus que n’importe quel rockeur actuel ; Jack, I LOVE YOU), à Dublin avec The Edge, et à Londres avec Jimmy Page… Trois générations, trois styles radicalement différents, trois approches individuelles d’aborder la guitare électrique, qui font toute la profondeur et l’intérêt du film. Chacun apporte une pierre à l’édifice, en faisant partager son expérience et les coulisses du spectacle. Comme si It Might Get Loud était un immense pass backstage dans la vie de trois guitaristes.

Le bout de la page blanche (blague foireuse inside).
    D’un coté, Jack White a une relation extrêmement viscérale avec ses guitares, très roots, sans s’enquiquiner de fioritures. Il explique qu’il doit livrer un combat perpétuel avec l’instrument, faire hurler la machine pour mieux la prendre aux tripes. Cela est évidemment en rapport avec le blues, qu’il vénère plus que tout, et qui l’a poussé à former The White Stripes avec son ex-femme, Meg White. Le moment où il fait écouter son morceau fétiche – Grinnin’ In Your Face, de Son House -, en pleine introspection presque transcendantale, est d’ailleurs formidable.
    Par contre, The Edge est dans une approche complètement opposée : lui ne jure que par les effets, les reverbs, les bidules et autres machins permis par tous ces jolis boutons sur les amplis. Ca a donné tous ces riffs caractéristiques des morceaux de U2, mais je n’en suis pas particulièrement fan : c’est un peu comme si le musicien reconnaissait qu’il jouait mal de son instrument, et qu’il devait donc se cacher derrière des effets de toutes sortes pour sortir quelque chose de convenable. Bon, malgré tout, il faut admettre que retracer la vie de The Edge, depuis les tout débuts de son groupe, est très agréable.
    Et puis, nous avons Jimmy Page, le mentor, l’homme qui a plus ou moins inventé le heavy-metal avec Led Zeppelin, le créateur de ce qui a été élu comme meilleur guitar solo de tous les temps (dans Stairway to Heaven)… En gros, une légende, que Davis Guggenheim nous présente sous toutes les coutures, grâce à des tonnes d’archives live de Led Zep et des Yardbirds, précédent groupe de Page (il prit la succession d’Eric Clapton). On visite également la Headley Grange, immense manoir dans le comté d’Hampshire où Led Zep a enregistré des passages de Led Zeppelin III et IV, House of the Holy et Physical Graffity.

La passion avant tout.
    Mais, au-delà des reportages, des images des lives de tous ces groupes ou des discussions animées autour de la guitare électrique, le plus jouissif est quand même les moments où les bonshommes jouent véritablement de leurs instruments. It Might Get Loud offre ainsi des moments de musique fantastiques, comme lorsque Page joue la ligne de guitare de The Battle of Evermore devant la Headley Grange avec son banjo un peu bizarre, ou quand Jack White écrit, compose et interprète un tout nouveau morceau en quelques minutes devant la caméra. Ce sont des moments rares, des instants où les musiciens ne sont guidés que par leur amour pour leurs instruments, en oubliant tout ce qu’il peut y avoir autour.
    Dans le même sens, voir ces trois guitaristes jouer ensemble Dead Leaves and the Dirty Ground des Stripes ou In My Time of Dying de Led Zep est tout simplement fabuleux. Cela donne toute son importance au film : permettre de créer des moments d’alchimie qui n’auraient jamais pu arriver ailleurs. C’était là toute la volonté de Guggenheim, qui désirait mettre dans une même pièce The Edge et son Explorer, Jack White et sa Kay Hollowbody, et Jimmy Page et sa Stratocaster, et voir ce qui pourrait se passer. Laisser les maestros à l’œuvre, ne pas intervenir ; simplement poser les caméras et attendre.
    It might Get Loud est donc un condensé de ce que tout fan de rock’n’roll peut attendre : une entrée intimiste et sincère dans la vie de trois guitar heroes, assortis de séances de jams où la guitare électrique est reine. L’idée de raconter l’histoire de cet instrument mythique par le biais de trois générations différentes est excellente, et est en plus sacrément bien réalisée. En résulte un documentaire passionnant, fascinant à beaucoup d’égards (même pour des personnes pas forcément fanatiques de rock, d’ailleurs), et qu’on espère voir un jour arriver en France. En attendant, vous savez quoi faire.

"A Bittersweet Symphony" : (500) Days Of Summer, de Marc Webb

Anansi — Thu, 07 Jan 2010 11:24:00 +0100

Je vous préviens directement : 500 Days of Summer (500 Jours Ensemble en bon français) est une comédie romantique. Argh. Croyez-moi, ce sera la première et (sans doute) dernière fois que j’évoquerai ce type de cinéma. Mais si j’en viens à parler de ce film-là, sorti en septembre dernier, c’est parce qu’il est intelligent, drôle, jamais cul-cul et original sur le fond comme sur la forme. Il est en plus bercé par une bande originale de folie (la musique y prend une place primordiale), et par un couple d’acteurs croquignolet comme pas permis : Zooey Deschanel et Joseph Gordon-Levitt.

« This is a story of boy meets girl.
But you should know upfront: this is not a love story. »

Rayon de soleil par temps froid.
    Tom Hansen est un homme fondamentalement idéaliste. Il croit au coup de foudre immédiat, à l’amour parfait éternel, à l’âme-sœur. Il l’attend, persuadé qu’il rencontrera un jour la femme parfaite qui est née pour lui. Le con. Summer Finn, elle, pense tout le contraire, déteste toute notion « d’amour » et ne veut pas réfléchir. Ce qui n’empêchera pas Tom de partir à sa conquête, persuadée que c’est elle. Le film raconte ainsi 500 jours de leur relation (d’où le titre, et son jeu de mot avec le prénom de l’héroïne qui disparaît en français), des premiers jours aux disputes, en passant par le sexe, les ballades à Ikea, les séparations, les rendez-vous…
    Premier élément original du film, ces 500 jours ne sont pas racontés linéairement, mais de façon complètement déconstruite. La mise en scène fait des allers-retours incessants entre le passé, le présent et le futur, ajoutant une plus-value non négligeable à une intrigue qui aurait pu être très classique. L’intérêt est ainsi constamment présent, nous montrant un passage de la relation entre Summer et Tom au 125ème jour, puis revenant au 32ème, et ainsi de suite. Une touche de Tarantino au royaume des comédies romantiques, c’est pas beau ça ? C’est en tout cas original, et ne relève pas d’un simple gimmick du réalisateur mais d’une vraie manière de traiter l’histoire entre les deux personnages.
    Ces deux héros, justement, sont la clé de voute du film, et ils lui donnent absolument tout son charme. Joseph Gordon-Levitt, que j’ai découvert avec beaucoup de plaisir et qui n’a pas volé sa nomination aux Emmys, et Zooey Deschanel, ma chérie dont je vous parle depuis un moment (notamment pour le groupe She & Him qu’elle forme avec le folk-singer M. Ward, qui sort son deuxième album en avril) crèvent littéralement l’écran, formant un couple magnifique, plein de grâce. Ils rayonnent du début à la fin, sans trop en faire : simplement en étant là, ensemble. Que ce soit le naïf Tom ou la légère et désabusée Summer, chacun joue son rôle avec une justesse qui force le respect.

Un couple à croquer.
    Mais, au-delà de la beauté de son couple, 500 Days of Summer est une belle réussite car il combine la tendresse, l’esprit, la justesse des propos et l’humour. Un humour en effet omniprésent, offrant des répliques parfois géniales, et des séquences originales comme celle où l’écran est coupé en deux, mettant en parallèle la situation rêvée par Tom et la réalité telle qu’elle est. Les personnages secondaires sont également à saluer, en particulier les amis de Tom (mention spéciale à Matthew Gray Gubler, vu dans Esprits Criminels), qui sont certes caricaturaux mais qui n’en restent pas moins drôles.
    C’est donc un film avant tout léger, qui joue beaucoup sur la simplicité et ne se prend pas au sérieux. Sans morale romantique ou dialogues cul-culs comme je les déteste, il capture avec beaucoup de justesse la sensibilité des relations de notre temps, une époque cynique, compliquée, ou les stéréotypes n’ont plus leur place. C’est d’amour adulte dont il est question ici, à son sens le plus païen, et cela est rendu de très belle manière. C’est d’ailleurs marrant de voir que les films indépendants sont les seuls à traiter des sentiments sans mélodrame ni guimauve… Juno y parvenait déjà plutôt pas mal.
    Il y a chez les longs-métrages indés une volonté de dépeindre une galerie de personnages très ordinaires, à la fois dans leur physique, leurs sentiments et leurs réactions. D’où une facilité à se projeter dans ses protagonistes (attention à l’atterrissage, quand même), qui nous ressemblent, nous sont proches à beaucoup de niveau. Ici, certaines personnes se verront en Tom, tandis que d’autres comprendront plus Summer ; dans tous les cas, la barrière entre héros et spectateurs est très fine. C’est pourquoi des œuvres modestes comme Little Miss Sunshine, Thank You For Smoking (dans un autre genre) ou le pré-cité Juno rencontrent pas mal de succès.

Une touchante honnêteté.
    Et tiens, puisque j’en viens à parler du sympatoche film de Jason Reitman, un autre élément est en commun entre les deux films : un goût prononcé du réalisateur pour la bonne musique. Pour 500 Days of Summer, la « British music » prend même une place plus qu’importante, puisqu’elle est au cœur du récit : les deux protagonistes se rencontrent grâce aux Smiths, passent leur premier soirée ensemble au karaoké (avec un beau passage où Zooey Deschanel chante du Lee Hazlewood), et ont des discutions animées à propos de Sid Vicious (formidable) ou du supposé talent de Ringo Starr.
    En bref, Marc Webb est un gros fan de musique, et ça se sent. Ça n’étonnera ainsi personne que l’homme ait réalisé pas mal de clips et de documentaires musicaux… On est en face d’un connaisseur, et ce même s’il nous inflige Carla Bruni (Quelqu’un M’a Dit) dans un passage du film ! Notons par contre que la BO contient une reprise du Please, Let Me Get What I Want des Smiths par She & Him, et que Deschanel et Gordon-Levitt ont tourné un nouveau clip pour le morceau Why Do You Let Me Stay Here dudit groupe de Deschanel, réalisé par Marc Webb… La boucle est bouclée.
    500 Days of Summer est donc une comédie pleine de charme, portée par un couple d’acteurs formidables. On a affaire à un film original, léger, et très maîtrisé pour un premier film, qui est rempli de bonnes idées. L’histoire a en plus la décence d’aller là où on ne l’attendait pas forcément, ce qui la rend encore plus attachante... Ce n’est pas non plus révolutionnaire, mais si vous voulez vous offrir un rayon de soleil au milieu de cet hiver bien glacial, faites-vous plaisir et commandez-vous ce film, vous passerez deux heures avec le sourire aux lèvres.

Avatar, de James Cameron

Anansi — Wed, 30 Dec 2009 13:04:00 +0100

Oubliez tout ce qui vous a été dit : le film de l'année, vous l'avez là. Car, si Avatar est bien la "révolution du cinéma numérique" qu'on annonçait, le "blockbuster visionnaire" et tutti quanti, c'est surtout beaucoup plus que ça. En empruntant le sentier d'une histoire simple, James Cameron donne vie à une fable d'une beauté époustouflante, à la mise en scène exceptionnelle. Pandora s'ouvre devant nos yeux pendant 2h40, nous emplissant le cerveau de somptueuses visions, pour mieux nous narrer un conte engagé, et profondément triste sur la nature humaine.

Le projet un poil fou d'un mégalomane.
    On le sait maintenant depuis une quinzaine d’années : James Cameron est un homme obsessionnel, un réalisateur se posant sans cesse de nouveaux défis techniques pour mieux faire exploser les limites du réel et du virtuel. Avec Terminator, son premier film (excusez du peu), il marchait sur les pas de Kubrick, Lucas et Spielberg, et transformait Schwarzy en cyborg par des techniques de maquillages apportant un réalisme alors inédites. Aliens continuait sa passion pour les hybrides hommes-machines, tandis que Abyss marquait une étape charnière puisqu’il montrait les réelles obsessions dévorantes de Cameron pour les fonds marins, véritables espaces de néants d’où tout peut surgir, et qui le hantent depuis sa jeunesse.
   Ce n’est donc pas par hasard qu’il s’est plus tard attaqué à retranscrire l’histoire du Titanic. Un projet dingue dans sa conception, où Cameron était venu rappeler un état de fait fondamental : les images de synthèse doivent servir le récit, et pas l’inverse. Titanic constituait ainsi une étape fondamentale dans l’histoire du réalisateur, une histoire dont il convient de se rappeler lorsque nous en venons à évoquer Avatar. Car le dernier film du canadien constitue une formidable œuvre-somme, cristallisant en son sein tous les désirs et névroses d’un homme un peu fou : écologie, interface homme-machine, contrôle d’esprits, science, défis technologiques et narration rythmée.
   Cela a pris du temps, évidemment ; 12 années se sont passées, durant lesquelles les studios de Cameron se sont occupés à perfectionner les techniques de motion capture, à mettre au point de nouvelles caméras virtuelles pour pouvoir s’autoriser des libertés infinies dans l’espace, et à intégrer la 3D directement dans la réalisation. Les poncifs et déclarations marketées du genre « Cameron avait le film dans sa tête, mais il dut attendre que les technologies soient prêtes » n’ont pas manqué d’émailler les pubs à la con pour le film, mais il faut admettre que le défi technologique est bien là.

Le Bon Dieu est dans les détails.
    Les limites entre êtres vivants et de pixels étant pulvérisées par un process de motion capture poussé à l’extrême, James Cameron crée un monde entier. Celui de Pandora. Et là, comment dire… Là, c’est la claque. Parce que, bien au-delà de la performance numérique, Pandora est un monde fabuleux d’une beauté stupéfiante, pensé dans les moindres détails pour plonger le spectateur dans un univers parallèle. Des gigantesques arbres dominant le monde, jusqu’à la multitude de petites plantes exotiques, la somptueuse végétation s’illuminant la nuit, ou encore les montagnes volantes (merci Miyazaki), tout concourt à créer un monde vivant, dans lequel on voudrait se perdre des heures durant.
   Tout le travail sur la flore est simplement stupéfiant, offrant un écrin splendide à l’intrigue. L’histoire est ainsi celle de Jake Sully, marine paraplégique faisant partie de l’opération sur Pandora visant à expulser la population locale pour exploiter le minerai de leur terre. Pour cela, Jake doit se mêler à la population par le biais de son avatar, hybride créé génétiquement à partir d’ADN d’humain et de Na’Vi, et tenter de convaincre diplomatiquement la population de partir… Sans quoi, ce sera l’armée qui se mettra en route. L’histoire est ainsi carrément simple (voir simpliste) dans ses grandeurs, prenant la forme d’un melting-pot de Pocahontas, des films de Miyazaki (encore lui), ou des fables écologistes classiques.
   Et alors que cela pourrait être un clair rebutoir, on se rend en fait vite compte que, lorsque l’on est plongé au cœur de Pandora, l’intrigue va à l’essentiel parce qu’elle n’est pas l’élément-clé. Ici, c’est le parcours du héros qui compte, et la quête initiatique qu’il entreprend pour comprendre la culture et les coutumes de ces indigènes. On suit ainsi avec émerveillement le parcours de Jake, sa découverte des merveilles de ce nouveau monde, son apprentissage de la monte des créatures terrestres et volantes, son acceptation au sein de la tribu… Le film se fait quasi-documentaire, n’hésitant pas à se faire très lent et à utiliser les voix off, pour mieux nous faire profiter de l’univers créé pour nos beaux yeux (écarquillés).

Explosion des barrières.
    En outre, là où le numérique se fait véritablement fabuleux, c’est qu’on ne le distingue justement pas. On voit Pandora et ses habitants défiler devant nos yeux, comme si Cameron était parti en voyage filmer ses aventures, et l’on ne se rend compte qu’après coup que tout est virtuel, tout est créé. Les Na’Vi paraissent réels, crédibles, humains même, le fantastique (et je pèse mes mots) bestiaire créé avec tant d’imagination par les équipes de Weta Digital ne choque pas au milieu des humains… Le suspension of disbelief est complet, tellement le réalisateur parvient à nous faire croire à son monde, et à nous y emprisonner.
   Mais, et c’est là où le film parvient à trouver une alchimie rare, Avatar n’est pas seulement un exceptionnel « film d’aventure SF virtuel », c’est aussi un film d’action d’une efficacité rageuse. Avec Aliens, Cameron avait montré qu’il avait une affection toute particulière pour les figures militaires archétypales, et les grosses scènes d’action. Cela se retrouve au centuple dans Avatar, dans des scènes d’action magistrales opposant les Na’Vi aux marines terriens pour la gouvernance du territoire, et dans le personnage du colonel Miles Quaritch, stéréotype du « méchant qui ne meurt jamais » (peut-être trop caricatural justement, c’est peut-être le seul gros défaut du film).
   Avatar est donc un monument du cinéma numérique 3D, oui, mais c’est bien plus encore. C’est un joyau d’une beauté folle, où les images de synthèse quittent leurs apparats ostentatoires pour se mettre au service d’un monde qu’elles façonnent avec amour, nous laissant bouche bée. C’est un film d’aventure à la mise en scène d’une excellence rarement vue, où les spectaculaires scènes d’action n’hésitent pas à laisser place à des scènes lentes uniquement dédiées à la contemplation. C’est un brûlot contre l’humanité destructrice, et sa salvation (im)possible. C’est un pamphlet contre la volonté toujours humaine de détruire son paradis. C’est Avatar. C’est Pandora. C’est formidable.

Les Restes Du Monde, N°24

Anansi — Sun, 20 Dec 2009 13:15:00 +0100

Parce qu’à Noyel c’est la fête aux cadeaux, les producteurs de cinoche ont eu la grande idée de nous gaver de bandes annonces pour cette fin d’année. Histoire de nous envoyer leurs bons vœux, et nous faire goûter à ce qui nous attend en 2010 ! Ces derniers jours ont ainsi vu arriver les trailers de trois des films les plus attendus de la prochaine année, et il y en a pour à peu près tout le monde.

1. D’abord, on commence avec le retour du héros de Marvel (enfin, Disney quoi) : Iron Man 2, dans une suite qui part comme étant explosive, comme on s’y attendait. Le premier film était sympatouille pour son efficacité, son dynamisme et la prestation de Robert Downey Jr sorti de taule, et ce deuxième promet, avec un casting de choix. L’homme de fer sera en effet confronté à un Mickey Rourke qui refait les bons jours de Hollywood depuis que Aronofsky nous a rappelé à quel point l’homme était doué (voir mon top 2009), et de Scarlett Johansson (en veuve noire), qui continue sa lancée dans les gros blockbusters. La bande annonce nous laisse voir une approche basique, mais efficace ; on reste dans du gros divertissement, qui ne manquera pas d’engranger des miilions de dollars. Iron Man 1 faisait au moins ça très bien, espérons que ce deuxième soit du même tonneau. Réponse en mai prochain.

Iron Man 2 - Trailer

2. La deuxième grosse vidéo du moment nous emmène dans un tout autre univers : Robin des Bois, avec ses habits en toile, ses arcs et ses forêts. Une annonce qui n’aurait pas beaucoup d’intérêt, si elle n'était pas portée par Russell Crowe et Cate Blanchett, tout ça sous la caméra du maestro Ridley Scott. Le metteur en scène de Blade Runner, Gladiator, Kingdom of Heaven, American Gangster ou Hannibal (ça commence à faire, hein ?) a décidé de revisiter le mythe du hors-la-loi le plus chébran de la terre, en le rendant plus sombre (tiens, tiens, quelle originalité) et plus noir. Tout ça s’annonce violent et spectaculaire, à la manière de Gladiator, comme le rappelle bien la bande-annonce… Bref, on peut s’attendre à du grand niveau, en espérant que l’on retrouve le Ridley Scott de American Gangster, son dernier Body Of Lies étant franchement faible. Mais c’était la faute aux poules, ça.

Robin Hood / Robin des Bois - Trailer / Bande-Annonce VO HD

3. Enfin, revenons à Disney, pour une nouvelle réinvention d’un mythe. En l’occurrence, ce n’est ni plus ni moins que la bande-annonce de la réinvention d’Alice au Pays des Merveilles, par le sieur Tim Burton ! Dans cette « nouvelle version », Alice a 17 ans, n’a plus aucun souvenir du Pays des Merveilles, mais s’y retrouve par mégarde en fuyant un mariage forcé. L’aspect visuel du film s’annonce fantastique, l’univers de Lewis Carroll permettant toutes les folies du réalisateur, à la fois pour les décors et les personnages. Malgré tout, les réfractaires à Burton pourront lui reprocher d’être trop… Burtonnien, le casting lui-même étant sans surprise, mettant en scène Johnny Depp et Helena Bonham Carter (femme du réalisateur), entre autres. Attention à ce que le bon vieux Tim ne se regarde pas trop le nombril, donc, sinon on risque de faire du sur-place. Malgré tout, en fan inconditionnel de Burton, son univers et ses acteurs fétiches, j’attends cette nouvelle Alice à mort ! Rendez-vous le 7 avril.

Alice au Pays des Merveilles - Trailer VF HD

Trucmuches of ze year 2009

Anansi — Tue, 15 Dec 2009 14:02:00 +0100

Ayé, encore une année qui se termine, et c'est à nouveau l'occasion de faire le bilan, calmement. Revenons donc en arrière sur les œuvres qui ont fait 2009, du grand au petit écran, en passant par la littérature ou la musique. Je vous épargne les classements retraçant toute la décennie (comme tous les mag culturels) hein, on n'en est pas là, et cette année aura été suffisamment intéressante pour qu'on s'occupe d'elle seule.

Le film de l'année

The Wrestler - Darren Aronofsky

    Quand Darren Aronosky décide de quitter toutes ses velléités formelles, à base d'effets spéciaux et autres réflexions métaphysiques, ça donne une merveille sombre, brute, épurée et viscérale, à la mise en scène hors-normes. The Wrestler, avec son intrigue de l'homme à la gloire passée, tombé dans la déchéance physique et psychologique dans un New-Yersey crasseux et miséreux. Tout ça cristallisé par Mickey Rourke, non seulement ressuscité, mais aussi revitalisé, comme si tout le reste de sa vie n'était qu'un long chemin un brin sanglant pour en arriver là. Ce film, cette œuvre-là, réalisée par cet homme-là, à ce moment-là. Il a fallu tout ça pour créer The Wrestler, et le faire éclater à la face du monde. Et, neuf mois après sa sortie, le film est encore dans toutes les têtes, comme forgé au fer rouge.

Le reste du podium
    2. Inglourious Basterds - Quentin Tarantino
    3. Gran Torino - Clint Eastwood

Le meilleur livre lu cette année

The Blade Itself - Joe Abercrombie

    2009 n'aura pas été une grande année littéraire, mais ça ne m'a pas empêché de lire d'excellents bouquins. Le meilleur d'entre eux étant The Blade Itself, de Joe Abercrombie (sortie originalement en mars 2007), constituant le premier tome d'une trilogie. Une véritable bouffée d'air frais dans le royaume sclérosé de la Fantasy, pleine de noirceur et de subtil humour pince-sans-rire. Abercrombie est l'un des fers de lance de tous ces nouveaux auteurs arrivant sur le marché, gavés aux jeux de rôles et à la pop-culture, qui cassent le classicisme de la littérature de l'imaginaire pour la rendre plus adulte et conséquente. En résulte une histoire profonde, scindée en trois arcs narratifs s'intercroisant, et mettant en jeu des personnages tous aussi charismatiques les uns que les autres. Qu'est-ce que vous voulez de plus ?

Le reste du podium
    2. Le Prestige - Christopher Priest (paru en France en 2001)
    3. Les Hommes Qui N'Aimaient Pas Les Femmes - Stieg Larsson (2006)

L'album de l'année

West Ryder Pauper Lunatic Asylum - Kasabian

    Au milieu de toutes les déceptions musicales de l'année 2009 (The Dead Weather, Arctic Monkeys), un groupe a brillé sans même qu'on s'y attende : Kasabian. Leur troisième album est simplement fantastique, avec son rock cinématographique, qui prend beaucoup de risques. Le groupe de Leicester aurait pu surfer sur la vague, pondre 13 singles calibrés pour les radios comme ils peuvent le faire. Mais ils ont choisi la difficulté, en faisant un disque avec une vraie âme. Du rock brut de Underdog, en passant par le son uptempo de Fast Fuse ou les délires psyché de Where Did All The Love Go, West Ryder/Silver Bullet et Secret Alphabets, tout concourt à former un album concret, qui s'écoute dans sa longueur. En bref, on a le disque le plus abouti d'un groupe qui n'a cessé de progresser depuis ses débuts. Ce qui est assez rare pour le souligner.

Le reste du podium
    2. Hold Time - M. Ward
    3. Wolfgang Amadeus Phoenix - Phoenix

La série télé de l'année

Mad Men - Matthew Weiner (AMC)

    Parce que Mad Men est devenue LE monument actuel des séries télé, tout simplement. Elle est à part, dans tous les sens du terme : rythme (très) lent, mise en avant exacerbée des dialogues et du contexte historique, mise en scène ramenant directement aux grands films classiques que diffuse par ailleurs AMC (American Movie Classics)... Elle était excellente dès sa première saison, mais sa formidable propension à s'améliorer d'épisodes en épisodes (on en est à la saison trois) la met au-dessus des autres. Au fur et à mesure du développement des personnages et des arcs narratifs, on est happé par un univers mis en place avec une minutie chirurgicale (aaaah, cette ambiance unique de l'Amérique des années 60, et du combat Nixon-Kennedy), et l'on n'en ressort plus. Très certainement la série la plus importante depuis Les Sopranos, et je ne dis pas ça seulement parce que le créateur de Mad Men était l'un des auteurs des Sopranos... Et puis, ça fait un bon cours d'Histoire pour les Terminales S.

Le reste du podium
    2. Dexter - James Manos Jr. (Showtime)
    3. True Blood - Alan Ball (HBO)

Le jeu vidéo de l'année

Batman : Arkham Asylum - Eidos Studios (Xbox 360)

    Pas beaucoup de jeux achetés cette année, mais c'est peu de dire de Batman : Arkham Asylum a été la grosse claque de 2009. Diriger le Caped Crusader avec classe, dans le fameux asile enfermant tous les méchants du comics, tout ça dans un jeu au graphisme chiadé et au système de combat hyper-dynamique... Un méga-fantasme ! Les développeurs auraient pu torcher le jeu et profiter de la licence pour se faire un max de blé (c'était censé sortir au même moment que The Dark Knight), mais ils ont préféré prendre leur temps, pour peaufiner leur produit et accoucher d'un bébé beau comme un Ange Noir. Et on peut les en remercier.

Le reste du podium
    2. The Secret of Monkey Island, Special Edition (Xbox Live Arcade)
    3. Sam & Max Save The World (Xbox Live Arcade)

The Fall, de Norah Jones

Anansi — Mon, 07 Dec 2009 18:35:00 +0100

Norah's back, folks, et ça c'est bien. Pour ce quatrième album, sobrement intitulé The Fall, l'américaine s'est séparée de son groupe, et s'est tournée vers Jacquire King, producteur de Kings of Leon et Tom Waits (et fier propriétaire d'un prénom incroyablement ridicule). Le résultat est un album plus incisif que les précédents, où les guitares ont remplacé les contrebasses. Mais, peu importe l'orchestre, la classe jazzy est toujours là, portée par une voix toujours aussi fantastique. Un grand bonheur.

Pop et jazz sont dans un bateau...
    Il y a certaines choses que l’on aime savoir inéluctables, et dont on sait que, quoiqu’il arrive, on ne pourra jamais s’en passer. Il y a le nutella, ou un bouquin de Neil Gaiman. Hé bien, dans le même registre, on trouve la voix de Norah Jones. Une splendeur incomparable, douce et fissurée, chaude et soyeuse. Beaucoup de chemin a été parcouru depuis 2002, quand la fille de Ravi Shankar sortait Come Away With Me chez Blue Note (mythique label de jazz), premier album fantastique, qui allait se vendre à 20 millions d’exemplaires. Un deuxième album suivrait et, puisque Miss Jones cherchait beaucoup plus le plaisir de la musique que la célébrité, les projets commençaient à s’enchaîner.
    Un groupe de country – The Little Willies - , un groupe de rock complètement fou mené avec ses potes… Comme pour s’enlever le poids de la reconnaissance et de l’attente qui en découlait, Norah Jones aimait (et aime toujours) aller l’a où ne l’attendait pas forcément. Mais ce n’est pas pour autant qu’elle en a oublié le jazz qui l’a emmené à la musique, comme en témoigne Not Too Late, toujours excellent troisième album sorti en janvier 2007. Tout ceci nous amène à The Fall, quatrième album solo de Norah Jones, toujours chez Blue Note. Un disque qui marque encore une fois une rupture, la texane gardant toujours intacte cette volonté de se renouveler.
    Elle s’est donc séparée de son Handsome Band qui l’accompagnait depuis ses débuts, a largué son boyfriend et contrebassiste Alexander Lee pour l’occasion, et est allé chercher les services de Jacquire King (Tom Waits, Kings of Leon) à la production. Le résultat est beaucoup plus pop que ses précédents albums, avec des guitares électriques beaucoup plus présentes. Le tout gagne en vivacité, ce que pourront apprécier les incultes qualifiant de « soporifique » la musique de Norah Jones. Néanmoins, dans un même temps, beaucoup de morceaux et de passages nous ramènent aux débuts jazzy de la chanteuse, car elle s’est débarrassée de cette influence country qui prenait de plus en plus de place.

De l'art de la candeur.
    Ce pont vers un jazz doux et mélodieux, on l’obtient tout particulièrement avec Back To Manhattan, somptueuse ballade nostalgique à tous les sens du terme. Une ode à la ville où la chanteuse est née mais où elle ne s’est installée qu’à 20 ans (« I’ll go back to Manhattan, as if nothing ever happened. When I cross that bridge, It’ll be as if this don’t exist »), pleine de délicatesse, où des percussions sourdes accompagnent un piano et une contrebasse élégante. On se tait et on écoute, tout simplement, et tout comme on le fera un peu plus tard avec December.
    Le morceau prend quasiment la forme d’une comptine, Norah Jones chantant délicatement devant une guitare sèche élégante, métronomique, seulement rejointe par un piano ajoutant un peu plus de douceur. Simple, concret, montrant encore une fois que, lorsqu’on sait vraiment bien s’y prendre, on peut dire cent fois plus de choses avec deux instruments qu’avec tous les orchestres du monde. Mais attention : la guitare électrique n’a pas dit son dernier mot pour autant ; comme je vous le disais plus tôt, cet album se fait beaucoup plus électrique que les précédents, et on le voit très tôt, avec Light As A Feather.
    Comme symbolisant la transition qu’opère l’album, la chanson garde l’élégance jazzy qui fait nous amouracher de Norah Jones, mais en y implémentant plus de guitares électriques et des percussions plus franches. Cela offre un bien bel écrin à cette voix toujours aussi parfaite, pour une chanson qui constitue l’un des meilleurs moments du disque. Le single Chasing Pirates, similaire dans son approche, marche par contre moins bien : c’est catchy, principalement grâce aux percussions et au wurlitzer bien rigolo, mais ça manque d’une mélodie forte.

Entre révolution et stabilité.
    Young Blood est plus intéressante, grâce à ses légers chœurs dans les refrains et le rapide débit de paroles de Jones, Dylan-style. Les mots eux-mêmes ne sont pas franchement passionnants, comme toujours avec la jazzwoman (en général, ça parle d’amour, d’amour déçu, d’amour retrouvé, ou d’amour non partagé) ; c’est dans leur rythme qu’on trouve ici leur intérêt. Et ce n’est pas It’s Gonna Be qui va nous faire dire le contraire ; là, on est carrément dans le pop-blues le plus pur, qui aurait pu paraître déplacé mais qui marche en fait incroyablement bien.
    En fait, The Fall est un aller-retour permanent entre deux univers, l’un jazzy doux et l’autre pop plus rythmé. Deux mondes qui se complètent à la perfection malgré leurs aspects contradictoires, car ils sont les éléments d’un projet concret, abouti, et réfléchi dans les moindres détails. Tout est fait pour apporter quelque chose (même si ce n’est pas toujours réussi, cf Even Though) jusqu’au délicieux Man Of The Hour, finissant l’album sur une touche drôle et intimiste, comme pour rester encore un peu dans un rêve éveillé, satiné et tamisé.
    Et voilà un quatrième album se clôturant, laissant de la chaleur dans les cœurs et plein d’autres métaphores à la con. Une certitude reste : par les évolutions successives dans les approches musicales et les volontés constantes de se renouveler en douceur, Norah Jones montre qu’elle n’est pas là pour profiter d’une gloire éphémère, comme la quasi-totalité d’un secteur musical suffocant. Elle est là pour durer, en faisant la musique qu’elle veut, et l’excellence de The Fall témoigne du fait que le premier heureux dans l’affaire, c’est l’auditeur. L'album ne va pas révolutionner le monde de la musique comme l'a fait Come Away With Me en son temps, mais là n'est pas l'intention. Il s'agit de se poser et prendre du bon temps. Alors, « Ush, now. Watch the stars Fall… »

Quelques extraits de l'album

Norah Jones - Light As A Feather

Norah Jones - December

Them Crooked Vultures

Anansi — Wed, 25 Nov 2009 18:21:00 +0100

Prenez Josh Homme, leader des Queens of the Stone Age, guitariste et producteur de son état. Ajoutez-y Dave Grohl, batteur de Nirvana et leader des Foo Fighters. Mettez ces deux-là à coté. Déjà, il y a de quoi s'y intéresser. Bon, maintenant saupoudrez-y un peu de John Paul Jones, modeste bassiste de Led Zeppelin. En toute simplicité. On comprend donc bien vite que ce premier album du "supergroup" Them Crooked Vultures était attendu à mort. Et vous voulez que je vous dise ? Ca ne déçoit pas. Le rock viscéral à tendance bluesy qui en ressort est franchement jouissif et, s'il est imparfait, il mérite bien que l'on s'y attarde.

Naissance des vautours.
    Au commencement étaient deux millionnaires, qui voulaient passer le temps ensemble. Ils auraient pu faire des parties de mini-golf à Malibu sous le soleil couchant, ou faire une croisière autour du monde à bord d’un yacht plaqué or, mais ces deux millionnaires-là sont musiciens. Alors, ils décidèrent de faire de la musique ensemble. L’un est Josh Homme, guitariste et leader de Queens of the Stone Age, et qui a participé à de nombreux autres projets, dont Eagles of Death Metal, ou encore les Arctic Monkeys dont il a produit le dernier album.
    L’autre est Dave Grohl, batteur de Nirvana, et qui a formé un autre groupe, Foo Fighters. Un beau petit couple de talents était né. Il ne manquait plus qu’à trouver un bassiste et, pour remplir cette fonction, Joshy et Davy s’acoquinèrent avec rien de moins que John Paul Jones, bassiste des Led Zeppelin. Celui donne toute sa force à Immigrant Song, qui constitue le squelette de Kashmir, qui a écrit Black Dog ! Un homme bien, sans doute, qui voulut bien rejoindre les deux inséparables pour monter un plan à trois de tous les diables. Them Crooked Vultures était né, sans que personne ne le sache.
    Et puis, un beau jour d’août où le soleil miroitait, le site internet du festival américain Lappalooza afficha une page étrange, avec pour seul affichage le code « Metro – 8/9 – Midnight » qui surmontait les logos de Queens of the Stone Age, Foo Fighters et celui de JPJ dans le Led Zeppelin IV. Les places s’écoulèrent en trois minutes. Alors, quand les spectateurs virent débarquer sur scène ces trois mastodontes du rock, ils explosèrent de joie, tiraillés entre la surprise d’un secret si bien gardé, et l’envie de les entendre très vite. Ce n’est pas tous les jours qu’on a l’occasion de les voir sur scène, alors ce supergroup-là était le projet rêvé.

Everybody loves them.
    Passionnant comme histoire, hein ? Oui, je sais, je les raconte comme personne. Toujours est-il que, trois mois après ce premier concert, l’album des Them Crooked Vultures est arrivé dans les baccalauréats, et il est temps de se poser la vraie question : ce groupe aux allures de fantasme du rock est-il aussi bon qu’on pourrait l’espérer ? Après les Dead Weather, on est en droit de se poser la question. Hé bien, figurez-vous que oui. Ce premier album livre une partition excellente, offrant un rock bluesy brut, viscéral et sexy. Ça explose, ça se dandine, les solos très led-zeppeliniens sont légion, les guitares saturent, la batterie implose… Fantastique.
    La première moitié du disque est parfaite. No One Loves Me & Neither Do I (tout un programme) est un blues-rock jouissif où les guitares se font vicieuses, tandis que Homme affirme que « tu peux garder ton âme, je ne veux pas d’une âme-sœur ». Construit sur les changements de rythme, le morceau vite du tout-au-tout en son milieu, pour être beaucoup plus brut. Tout comme le reste de l’album, cette ouverture parait immédiate et très simple, mais il faut en réalité beaucoup d’écoutes pour en distinguer les contours, et s’en imprégner.
    Mind Eraser (No Chaser) est elle une explosion de guitares, au tempo presque épileptique, tandis que New Fang qui suit, s’ouvre une belle batterie manœuvrée par un Grohl en belle forme. Les guitares et la basse ne tarderont pas à se joindre à la fête, offrant un bel écrin à Homme, au chant rythmé foutrement efficace. Tout cela continue à exploser de plus belle, les différentes strates d’instruments apportant chacune leur pierre à l’édifice. Dead End Friends et surtout Elephants suivent le même créneau, tout en étant plus sombre, plus proches des QOTSA. Elephants est particulièrement spectaculaire, un immense défouloir de sept minutes, ouvrant sur des guitares et une batterie à la limite de l’explosion.

Inconstance est mère des vertus (non ?).
    La deuxième moitié de ce premier album des Them Crooked Vultures est toutefois un brin plus faible, parce que plus inconstante. Si Bandoliers et ses allures franchement Nirvaniennes sont efficaces, Interludes With Ludes ne sert pas à grand-chose si ce n’est à casser le rythme effréné depuis le départ, et Warsaw Or The First Break You Take After You Give Up est un sympathique délire instrumental à la Led Zep mais c’est bien trop long pour qu’on daigne s’y attarder (presque 8 minutes !). En live ça peut faire un beau petit solo, mais ce n’est pas assez révolutionnaire pour valoir le coup sur l’album.
    Caligulove est par contre un morceau fantastique. Nous ramenant aux belles heures des Doors (même le chant de Homme rappelle celui de Jim Morrisson), tout est un peu fou, du riff de Homme qui constitue « le plus débile » qu’il ait jamais fait, au piano-orgue des années 60 de John Paul Jones, qu’il détestait à l’époque. A noter également un final explosif, où Grohl se déchaîne sur sa batterie, avant d’enchaîner sur Gunman, titre mid-tempo où Homme joue beaucoup sur les effets de voix. C’est sombre, on est vite plongés dans l’ambiance et l’univers en place ; ça marche bien.
    Ce premier essai des Them Crooked Vultures est donc une réussite, un joyau certes imparfait mais plus que beau à voir. Aussitôt le supergroup annoncé, on avait peur d’être déçus. Il faut dire que les attentes étaient énormes. Mais les trois amis ont parfaitement su y répondre, en mettant sur pied un album réfléchi, sans précipitation. En résulte un rock aux multiples influences, dont l’immédiateté apparente créée par la force des instruments cache en fait une profondeur qui ne s’offre qu’aux plus méritants, qui auront passé du temps dans le monde de Ces Vautours Véreux. Ils ne le regretteront pas.

Futurama, de Matt Groening : la résurrection d'une merveille

Anansi — Sun, 08 Nov 2009 15:05:00 +0100

Des films en DVD qui sortent tous les deux jours, 26 nouveaux épisodes prévus sur Comedy Central pour 2010, de régulières rediffusions… Futurama n’a jamais été aussi vivant que depuis qu’il est mort. Alors, pour fêter la renaissance de « l’autre cartoon de Groening », et parce qu’un très beau coffret regroupant tous les épisodes et tous les films arrive le 18 novembre, faisons un retour sur ce qui est peut-être le meilleur dessin animé de l’Histoire de l’Univers.

Retour vers le futur.
    Nous sommes le 10 août 2003, et le monde est triste. Il aura eu l’occasion de se réjouir un peu plus tôt, c’est sûr, en voyant Roger Federer remporter son premier Wimbledon et entamer sa grande marche en avant pour devenir le plus grand tennisman de tous les temps qu’il est maintenant. Mais cette date très symbolique du 10 août marque la fin de Futurama, que la Fox a décidé d’annuler après 4 ans et 88 épisodes. Et le monde est triste, donc. Parce que, comme beaucoup de séries annulées sur la Fox, Futurama disposait d’une énorme base de fan, acquise grâce à sa qualité irréprochable.
    Pour mieux comprendre, on va se remettre dans le contexte. Futurama est évidemment l’œuvre de Matt Groening, qui eu envie en 1999 de se sortir un peu la tête des Simpsons, et de créer un autre cartoon, qui n’avait rien à voir. Avec David X. Cohen, il met sur pied l’histoire de Philip J. Fry, petit livreur de pizza qui, lors de la nuit du passage à l’an 2000, tombe accidentellement dans une machine à cryogénisation, pour se réveiller 1000 ans plus tard. Ce sera ainsi le point de départ idéal pour un cartoon qui, s’il garde plusieurs points communs avec les Simpsons, est évidemment plus versé dans la science-fiction.
    C’est aussi l’occasion pour Groening de peindre toute une galerie de personnages originaux, et franchement fantastiques. Parce que dans le 31ème millénaire, Fry trouve de l’emploi dans le Planet Express, où il fait équipe avec Leila, capitaine à un œil du vaisseau et objet de tous les désirs de Fry, Hermes le bureaucrate jamaïcain, Professeur Hubert Farnsworth le propriétaire du Planet Express et vieux descendant de Fry, ou encore (et surtout) Bender, robot alcoolique, fumeur de cigare, kleptomane, égocentrique et meilleur ami de Fry. Citons aussi le formidable Dr. Zoidberg, médecin naïf à moitié raté et accessoirement crustacé originaire de la planète Decapod 10.

Innovation, maître mot.
    A cela, viennent s’ajouter des personnages récurrents comme le héros péteux Zap Brannigan ou l’amphibien Kif… En fait, et c’est la grande force de Futurama, chaque personnage apporte quelque chose, et est comique par lui-même. Le fait de balancer l’histoire dans le futur offre un terrain de jeu formidable aux auteurs, qui ne se gênent pas pour inventer des personnages complètement absurdes (les robots mafieux, quel bonheur) qui pourraient être ridicules mais qui s’intègrent à merveille dans l’univers mis en place, si bien que rien ne choque, tout semble logique.
    Cet univers, justement, est marquant également parce qu’il est d’une profondeur dantesque. Tout au long de ces 88 épisodes (puis des 4 films), les auteurs sont parvenus à développer un véritable monde, en ajoutant au fur et à mesure de nombreux détails. Les robots, les technologies souvent absurdes, le gouvernement unique du monde par la tête de Richard Nixon, les différentes races d’aliens, les planètes… Tout comme pour le Disque-Monde de Pratchett, ce qui n’a l’air que d’un grand n’importe quoi comique est en fait d’une extrême rigueur.
    Là où Groening est également à remercier, c’est qu’il n’a pas cherché à faire un « Simpsons 2 », qui aurait pourtant été beaucoup plus facile à faire. C’est d’ailleurs le reproche qu’on peut faire à un autre grand monsieur des cartoons de la Fox, Seth McFarlane : ces séries, Family Guy, puis American Dad et maintenant The Cleveland Show, ont chacune leurs personnalités mais se ressemblent fortement, parce qu’elles mettent en scène toujours le même stéréotype de la famille modeste, d’Amérique moyenne. Avec Futurama, Groening a forgé une vraie rupture.

Juste retour des choses.
    Mais le bonhomme n’oublie pas pour autant de continuer à se foutre gentiment de plusieurs aspects de la société actuelle, par de très nombreuses références et un humour satirique. L’invention géniale qui consiste à préserver les têtes des gens dans des bocaux permet également de faire intervenir des stars actuelles, histoire de trouver une excuse pour pouvoir s’en moquer. Malgré tout, Futurama est finalement moins « grand public » que les Simpsons, par son univers et son humour. Faut pas se leurrer : c’est surtout un truc de geeks. Des gens qui gueulent beaucoup, mais qui sont moins importants pour les networks que la fameuse ménagère de moins de 50 ans.
    C’est sans doute pourquoi les audiences n’étaient pas du niveau voulu par la Fox, et qui a abouti à son annulation. Mais heureusement, Comedy Central (surtout reconnue pour diffuser South Park) a flairé le bon coup, et a racheté les droits de diffusion aussitôt la série annulée. Les rediffusions commencèrent et, interpelée par les bons chiffres d’audience, la Fox (qui reste producteur) a décidé en 2006 de produire quatre longs-métrages en direct-to-dividi. Histoire de voir les ventes, tout comme les grosses ventes de DVD de Family Guy avait permis sa renaissance.
    Hé ben, les chiffres ont justement été bons, et c’est avec un bonheur presque orgasmique qu’on a appris que 20th Century Fox avait accepté la production de 26 nouveaux épisodes, qui seront diffusés mi-2010 sur Comedy Central. En bref, c’est la résurrection de Futurama. Une œuvre qui, par son univers passionnant, ses épisodes toujours très drôles, ses personnages fantastiques et son constant désir d’originalité, est l’un des meilleurs cartoons qui j’ai pu voir. Le meilleur ? Hum… Sans doute. Alors, franchement, si vous ne l’avez jamais vu en entier, demandez l’intégrale 1999-2009 au Père Noel, et rappelez-vous que le Show Goes On. Toujours.

Cosmic Egg, de Wolfmother

Anansi — Thu, 29 Oct 2009 13:18:00 +0100

Après un premier album qui avait marqué pas mal de monde par son rock furieux très seventies, le deuxième album de Wolfmother était très attendu. Oui mais voilà, sans l'effet de surprise, on est un peu moins... Bah un peu moins surpris, quoi. Et les limites du groupe australien apparaissent vite. Résultat, on voit très vite que Cosmic Egg est un album vide, qui fait tout "à la manière de" (Led Zep, Sabbath, Jack White, les références sont nombreuses), sans amener une touche personnelle. Et c'est moche.

Eclosion célesto-cosmique. Ou pas.
    Cosmic Egg. L’œuf cosmique. Ouahou, tout un programme. Un nom bizarre pour un album, vous ne trouvez pas ? Selon le leader Andrew Stockdale, c’est une figure de yoga, pour atteindre la sérénité et tout ça. Bon, pourquoi pas. Mais cette notion d’œuf Cosmique se retrouve également chez les astrophysiciens, pour résumer la conception de l’univers. En gros, le paradigme du big bang ne serait pas totalement vrai, l’univers ayant « éclot » (métaphoriquement parlant) d’un élément subatomique. Alors, on peut faire plein de comparaisons possibles avec ce deuxième album de Wolfmother, dont la création fut compliquée.
    Sauf que, pour n’importe quelle théorie cosmogonique (ah ah, j’adore employer des termes à la con) qu’on utilise, il reste un point commun : au départ tout n’est que chaos. Un immense vide originel, où il fait bien froid et où même la grippe H1N1 ne ferait pas sa grosse maline. Le néant le plus total. Puis, l’ordre intervient, provenant de ce qu’on veut : un Dieu, des Dieux, le hasard… On choisit. Toujours est-il que, dans le cas qui nous intéresse, Stockdale n’est franchement pas un Dieu, tellement son Œuf Cosmique est dépourvu de toute âme et reste à l’état de néant. Ca bouge fort, ça s’écoute pas mal en voiture, mais bordel, qu’est-ce que c’est vide !
    Le problème majeur de ce Cosmic Egg est qu’il veut trop être ancré dans une période révolue, où le rock explosait à grands coups de Black Sabbath et de Led Zeppelin. Dans l’absolu, l’idée n’est pas mauvaise, et le premier album du groupe marquait par son ambiance qui ramenait directement aux années 70. Sauf qu’ici nous sommes plus dans le plagiat qu’autre chose, et que le groupe est incapable de proposer quelque chose de fondamentalement personnel, qui le démarquerait de ses aînés spirituels ou même de la scène rock actuelle. C’est simplement creux, un néant dans lequel on tombe pendant une heure.

Petit copieur !
    Tout démarre avec California Queen, à la basse lourde et sèche. La guitare électrique vient ensuite poser son riff, derrière un Andrew Stockdale au phrasé d’abord fluide puis plus incisif dans les refrains. Un morceau tout en changement de rythmes, pas désagréable mais qu’on a déjà l’impression d’avoir entendu des dizaines de fois. Une impression que l’on retrouve également sur New Moon Rising qui suit. C’est ici très inspiré par les White Stripes, lors des couplets entièrement formés sur les cymbales, mais sans en avoir le génie.
    Plus loin, nous retrouvons Back Round, qu’on a entendu depuis un moment déjà. Une autre piste où Stockdale se prend pour Jack White. Et ça ne marche pas trop mal. Les guitares se font presque mystiques, pour ensuite faire tout exploser, jusqu’à une abrupte et totale rupture de tempo. Tout ça annonçait un bon album, mais c’est simplement dommage que le reste ne soit pas de la même teneur. Ne soit tout simplement pas au niveau du premier album, qui était un disque agréable, qui n'allait pas chercher bien loin, mais qui apportait quelques passages mémorables qui nous faisaient apprécier l’ensemble.
    Cosmic Egg n’a aucun moment majeur, comme l’album éponyme pouvait en avoir ; Woman était certes reprise dans tous les jeux vidéos parlant vaguement de musique, mais elle était franchement jouissive, Love Train avait un sacré groove, Joker & The Thief et Dimension faisaient tout péter… Ici rien de tout ça, et même les morceaux qui partent bien (Sundial est son air presque funky) sont gâchés par des refrains trop fades, où l’on retrouve la même association : Stockdale gueule devant un parterre de guitares. Voilà voilà.

Date de péremption dépassée.
    Même la chanson centrale, Cosmic Egg, est insipide et calquée sur du Black Sabbath. Il faudra prévenir le pauvre Andrew que les choses ont changé, que Ozzy Osbourne raconte sa vie sur MTV maintenant, et a fini de manger des chauve-souris sur scène. Il faut passer à autre chose. Bon, en même temps, les essais de morceaux plus calmes se révèlent être à la limite du catastrophique ; In The Morning dure 6 minutes mais saoule au bout de 2, tandis que Far Away est simplement lourdingue au possible, avant que Cosmonaut finisse de nous tuer. On sent vraiment que ce n’est pas le point fort du bonhomme.
    Après, c’est clair que ce ne sont pas vraiment les chansons douces qu’on vient chercher quand on écoute du Wolfmother. On attend que ça pète de partout, que le rock vintage exsude du CD. Pour le coup, on est servi. Mais encore faut-il que la qualité soit au rendez-vous. On a bien quelques bons moments, comme avec Back Round déjà cité, ou Pilgrim et son rythme sautillant franchement pas dégueulasse, mais tout ça fait bien peu au milieu du marasme général. Alors, après, il s’agit de savoir ce qu’on veut, et ce qu’on attend du disque.
    Si on veut du rock qui casse tout sans vraiment réfléchir, on peut y trouver son bonheur. Après tout, les guitares offrent parfois de beaux solos plutôt jouissifs, la batterie suit bien, et ça permet de temps en temps de beaux passages. Mais, pour ma part, il y a trop d’albums de bonne qualité dans le marché pour que je m’attarde sur ce deuxième essai de Wolfmother, qui se contente de faire du copier-coller sans y ajouter un élément personnel qui le ferait se démarquer. Ca ne me convient tout simplement pas. L’innovation est la clé les gars, souvenez-vous-en ! Après tout, on ne fait pas d’omelette sans casser des œufs… cosmiques. HA HA ! Ha.

Kaamelott - Livre VI, de Alexandre Astier

Anansi — Wed, 21 Oct 2009 10:39:00 +0200

Hééééé bah, on l’aura attendue, cette dernière saison de Kaamelott. Certains en ont vu un bout en mars dernier au Grand Rex, mais le commun des mortels a dû attendre 7 mois de plus pour enfin voir sur petit écran ce fameux dernier chapitre de la série d’Alexandre Astier, racontant la jeunesse d’Arthur à Rome. En tout cas, les trois premiers épisodes diffusés samedi dernier nous font dire qu’on n’a pas attendu pour rien, tellement le résultat est bluffant.

Retour sur un bébé qui a grossi.
    Le temps où Kaamelott arrivait sur M6, avec ses pastilles de 3min30 et ses caméras fixes, est désormais loin. Ce n’était alors qu’une petite série plutôt confidentielle, créée à partir de Dies Irae, court-métrage multi-primé réalisé par Alexandre Astier, produit par sa mère Joelle Sevilla et joué par ses amis de théâtre, qui jouent encore aujourd’hui dans la série. Les années ont passé, la petite bête est montée, le nombre de sites de fans et de téléspectateurs a grimpé et les finances aussi. Alors, la petite case de quelques minutes est vite devenue trop petite, et le gros bestial (si, si) s’en est échappé pour mieux grandir en prime-time.
    Le ton a changé, aussi. Du comique de dialogues très « Audiardien » du premier Livre, ont succédé des passages plus sérieux au fur et à mesure des années. L’auteur expliquait qu’il voulait instiller de la noirceur dans son œuvre pour mieux en expliquer les tenants dramatiques, même si le comique était toujours une part importante du processus de création. Le résultat est très variable en qualité et certains livres sont beaucoup mieux que d’autres, tout ça pour en arriver au Livre V et son ton très triste, surtout dans sa deuxième partie qui ne m’avait franchement pas convaincu.
    Le Livre VI, qui a débuté samedi dernier et qui est constitué de neuf épisodes de 40 minutes, tient une place a part dans l’œuvre générale. Plutôt que de continuer là où s’arrêtait le livre précédent (ce sera ici le rôle de la future trilogie cinématographique), il constitue un immense flash-back racontant la jeunesse d’Arthur à Rome, où il a fait son éducation. Un scénario qui tient à cœur à Alexandre Astier, qui avait hâte de pouvoir narrer sa propre vision de la construction du personnage mythique d’Arthur, un petit bâtard orphelin qui gouvernera le Royaume de Logres, empire breton.

Beaucoup moins de pathos, plus de légèreté.
    Et très franchement, ces trois premiers épisodes du Livre VI m’ont collé une belle baffe. Tout est maîtrisé, des sublimes décors (j’y reviendrai) jusqu’aux personnages, en passant par les costumes, les dialogues et l’intrigue passionnante. Ce nouveau chapitre marque aussi un retour à un ton beaucoup plus léger qu’auparavant, et ça en devient infiniment plus agréable, l’auteur n’étant pas obligé d’en rajouter des caisses pour faire du mélodramatique (le passage du Phare dans le livre V était particulièrement chiant). Tout n’est pas parfait évidemment, la faute à quelques longueurs et des errements artistiques, mais l’essentiel est plus qu’assuré.
    Cette première trilogie d’épisodes débute alors que le jeune Arturus n’est qu’un simple soldat de la milice urbaine romaine. N’ayant aucun souvenir de la Bretagne dans laquelle il est soit-disant né, il constitue un membre lambda de l’armée, sans rien à se rattacher si ce ne sont ses quelques amis, dont le fameux Caius Camillus qu’on connaît (le toujours excellent Bruno Salomone), et Manilius, joué par Emmanuel Meirieu qui montre qu’en plus d’être un très bon metteur en scène de théâtre (sa pièce Mojo (Baby King), adaptée de Butterworth, est fantastique), il est aussi un très bon acteur. A noter pour l’anecdote-qui-sert-à-rien que le bonhomme est aussi le directeur artistique de la série.
    Mais très vite, Arturus aura beaucoup plus d’importance, car les bras droits de César ont décidé de mettre fin à l’insurrection en Bretagne. A cet instant, Rome ne gouverne que la partie sud de l’île, sous le mur d’Hadrien. Alors, le gouvernement cherche à mettre un romain d’origine bretonne à la tête de la partie nord de l’île, pour fédérer les clans et en finir. A qui va-t-on penser, je vous le donne en mille ? Arturus, oui m’sieur. Mais pendant ce temps, une coalition d’ennemis menée par le Roi de Carmélide cherche à attaquer Rome, parce qu’il faut bien faire passer le temps…

"Moi, ils m'ont mis poulet..."
    L’intrigue est très bien ficelée, et l’immersion est d’autant plus facilitée que les décors sont splendides. Là, je vous avoue, je suis immédiatement convaincu, sans aucune notion d’objectivité. Forcément, quand on tourne à la Cinecitta dans les décors de la meilleure série ever (Rome, en l’occurrence), je fonds immédiatement. Les rues pavées, le forum et son activité, les grandes villas immaculées, le Sénat et ses grandes colonnades… Argh, c’est foutrement beau. Les costumes sont eux aussi splendides, en particulier les armures romaines, enfin crédibles et parfaites.
    Par contre, certains choix artistiques sont clairement discutables, voire ridicules. Citons par exemple Ketchatar, Roi d’Irlande, dont la coupe de cheveux n’a rien à envier à Jimi Hendrix ! Pourtant, beaucoup d’efforts ont été faits sur les personnages pour les rajeunir, tout cela se déroulant (je le rappelle) 15 ans avant le début de la série ; Alexandre Astier en est le premier concerné, lui qui a beaucoup maigri et a perdu ses longs cheveux de roi de Bretagne. Au chapitre des critiques, citons aussi un début un poil moins bien rythmé que le reste, la vie du troufion Arturus n’étant pas toujours stupéfiante. Pour ma part, cela ne m’a pas gêné, mais ça peut rebuter, même si le rythme lent participe à l’entrée dans l’univers mis en place.
    Mais au final, le plaisir au visionnage de ce premier tiers de la saison est total. On admire les décors, on rigole (très souvent) devant les dialogues et les répliques qui rappellent les meilleurs moments de Kaamelott, on prend plaisir à retrouver des personnages passionnants et hilarants – les réunions des chefs de clan orchestrés par Léodagan et Loth sont géniales -, on découvre de nouveaux héros (Pierre Mondy en César fait une apparition courte mais formidable, Patrick Chesnais en sénateur est très fort, et même Manu Payet est drôle, c’est dire !), on s’intéresse à un scénario passionnant qui ne montre pas des conséquences mais des causes… Bref, tout ça est rondement mené et, si le reste est au moins aussi bon, on ne pourra qu’applaudir. Un final qui s’annonce grandiose.

The Blade Itself (The First Law, T.1), de Joe Abercrombie

Anansi — Wed, 14 Oct 2009 11:10:00 +0200

Peu connu en France, Joe Abercrombie est depuis plusieurs années en Angleterre l'un des garants de la nouvelle littérature Fantasy, dynamique et originale. Je vous parlerai ici du premier tome de sa trilogie The First Law, sorti en 2007 en Grande-Bretagne et en 2008 en France sous le nom L'Eloquence de l'Epée. Il est difficilement trouvable par chez nous mais, si vous parlez un tant soit peu anglais, n'hésitez pas à le commander sur Amazon UK : vous aurez devant les yeux l'un des meilleurs bouquins Fantasy de ces dernières années.

Renouveau.
    Aujourd’hui plus que jamais, la littérature de l’imaginaire est scindée en deux parties bien distinctes. A ma gauche, nous avons les livres que je vais qualifier sournoisement de « basiques » : cela contient à peu près toutes les œuvres dont les rôles sont de combler les rayons de la FNAC, et qui ne s’éloignent jamais des codes instaurés par ce bon vieux Jean-Robert Raoul Tolkien. Jeune paysan qui se découvre un avenir de sauveur du monde, magiciens, épées runiques de toutes sortes, magiciens barbus, des cycles qui n’en finissent pas… De la fantasy légère, de la fantasy pop-corn.
    Et puis, à ma droite, nous avons tous les originaux, ceux qui se cadrent dans la littérature de l’imaginaire mais qui y injectent des éléments nouveaux, issus de toutes les références qu’ils ont ingurgités. Ces œuvres-là tendent à se multiplier depuis quelques années, donnant un second souffle à tout le secteur. Et, tout comme Scott Lynch dont je vous parle depuis deux ans, Joe Abercrombie est de ceux-là. The Blade Itself, débutant la trilogie The First Law qui est entièrement disponible, est un chef-d’œuvre de dynamisme et de qualité narrative, loin de tous les stéréotypes du genre.
    Abercrombie, c’est un auteur anglais, et un geek avant tout ; fan de SF, de jeux de rôles papiers (vous savez, ces truc étranges où des gens se réunissent autour d’une table pour lancer des dés à dix faces), de séries télé… Sans oublier le fameux blog, évidemment, que l’ami Joe cultive à l’état de passion, en parlant de ses influences, références, et œuvres qu’il critique (au sein du critique journaliste) régulièrement. Bref, une véritable éponge à pop-culture, et la narration – vive, incisive et essentiellement centrée sur les personnages - s’en resssent.

Une intrigue complexe mais fluide.
    The Blade Itself se divise en trois points de vue principaux, qui alternent à chaque chapitre. Tout d’abord, Logen Ninefingers, barbare du Nord au lourd passé, parcourant seul les montagnes après le massacre de son village. De l’autre, Jezal dan Luthar, noble de l’Agriont, grande capitale du monde civilisé, qui doit gagner le concours de duel à l’épée pour faire la gloire de son pays, mais est plus enclin à boire et dormir. Enfin, l’Inquisiteur Glokta est l’un des hauts dignitaires de la House of Questions, et passe à ce titre son temps à torturer ceux qui doivent l’être, parce que les complots ne manquent pas. Même si la guerre l’a laissé aussi agile qu’un vieux croulant, à peine capable de marcher.
    Le livre traite ainsi ses trois histoires en parallèle. Des histoires indépendantes dans un premier temps, mais qui vont se croiser et s’entrechoquer, nouées par un fil conducteur… Parce qu’une guerre entre les riches du sud et les barbares du nord se prépare, et qu’elle n’épargnera personne. C’est la première grande qualité de l’œuvre : l’enchaînement des intrigues se fait avec une fluidité exemplaire, Abercrombie maniant avec dextérité les différents nœuds narratifs. Jamais le lecteur n’est noyé dans une histoire faussement compliquée, tout est élégamment distillé.
    L’intrigue, passionnante, se lit donc très facilement et rapidement. De plus, les chapitres étant généralement plutôt courts (pas plus d’une quinzaine de pages, sauf exceptions), le dynamisme de l’action frappe encore plus fort. Des scènes de combat, crues et violentes, aux séquences d’interrogatoires en lieu clos, Abercrombie manie tout avec aisance et parvient à nous accrocher jusqu’à la fin, en ajoutant par dessus tout ce soupçon d'humour qui fait toute la différence. Il est en plus parti d’un postulat intelligent : l’histoire n’est pas racontée avec recul, mais est au plus près des personnages, comme si l’on était à coté d’eux.

To be continued (avec passion).
    Plutôt que de vouloir se situer en hauteur et tout raconter en panoramique, l’auteur prône la proximité. L’équivalent littéraire de la caméra à l’épaule, si vous voulez. Et, heureusement, les personnages sont suffisamment profonds pour que le résultat soit passionnant. Tout comme Scott Lynch, Abercrombie dépeint des héros aux multiples couches, ni noirs ni blancs. Glokta est un tortionnaire qui se demande où sa vie peut le mener, Ninefingers est conscient d’être une légende de terreur mais est émoussé par des années de combat… Les méchants ne le sont pas par nature, les gentils ne le sont pas vraiment ; tout le monde vit par défaut, soit pour soi soit par ordre.
    Toujours à propos de cette « caméra au cœur de l’action », vous ne trouverez d’ailleurs pas de carte au début du bouquin, pourtant véritable institution de la littérature fantasy. Une décision de l’auteur, qu’il justifie par son choix de nous placer au milieu des protagonistes. Alors, tout comme Logen ne traverse pas le Nord avec une carte ou Jezal ne parcourt les rues de l’Agriont avec une boussole, on découvre le monde des héros en même temps qu’eux. Et c’est vrai que revenir à la carte à chaque description de tel ou tel lieu nuirait franchement à l’immersion, point fort de l’œuvre.
    The Blade Itself est donc excellent, parce qu’il fait partie de ces œuvres dynamiques et originales qui arrivent récemment et qui sont les bébés d’auteurs voulant proposer autre chose que les sempiternelles histoires d’elfes et de héros sans peur ni reproche. Ici les personnages sont torturés, autant physiquement que mentalement, le bien se mêle au mal et la paix ne peut qu’annoncer la guerre. Alors, il me reste maintenant à lire la suite de la trilogie – Before They Are Hanged et Last Argument of Kings, pas encore dispos en France – ainsi que le one-shot Best Served Cold pour vous dire si Joe Abercrombie est bien l’un des nouveaux cadors de la fantasy. C’est bien parti.

The Big Machine, d'Emilie Simon

Anansi — Sun, 04 Oct 2009 15:54:00 +0200

Pour avoir été à un bon nombre de ses concerts (j'ai un autographe, oui madame) et avoir usé jusqu'à la lie ses précédents albums, je vous le dis : Emilie Simon, j'en suis fan. Donc croyez-moi quand je vous dis que, malgré toute la bonne volonté du monde, je ne pourrais pas sauver son dernier disque, The Big Machine. Voix criarde insupportable, musique électro kitschissime, production sans âme... Les raisons du désastre sont nombreuses.

Histoire d'une révolution.
    Tout commence par une envie de nouveauté. Compréhensible. Pour écrire ce quatrième album studio, Emilie Simon est allée se réfugier à la grande pomme de New-York, après avoir passé de longs mois à se balader au Canada et aux Etats-Unis. L'idée était de prendre du large et de se fondre dans une nouvelle façon de vivre. Forcément, The Big Machine est le fruit de ses découvertes, et le changement musical est radical. La Montpelliéraine y est beaucoup plus énergique, imprégnant un sentiment de vitesse brute qui écrase tout sur son passage. Une Grosse Machine.
    Et le problème, c'est que tout tombe à plat. Coincée entre Kate Bush, Patti Smith et Depeche Mode (oui, ça fait peur), la chanteuse-interprète en fait des caisses, autant dans sa voix qu'elle fait crier dans chaque morceau, que dans les arrangements dont la poésie électro-acoustique a laissé place à la ringardise type 80's. Contrairement à Végétal qui faisaient s'entrechoquer des instruments de natures différentes (allant du Mac à la botte de foin), toutes les compositions ont ici été formées à partir d'un squelette piano-voix, donnant un aspect très brut à l'ensemble, voire sec et cinglant, où l'on va à l'essentiel.
    The Big Machine est donc déroutant dès sa première écoute, en particulier lorsque l'on connaît les premières œuvres de la miss. Son premier album éponyme, sa splendide BO de La Marche de l'Empereur et (dans une moindre mesure) Végétal prenaient des airs d'intellectuelles et timides confessions nocturnes, des poèmes écrits à la lueur d'une bougie vacillante et dictés avec réserve par une petite voix qui aimait à créer un cocon musical vaporeux. Tout ça est ici écrasé, écrabouillé, malaxé et éventré par un rouleau compresseur sans pitié. Le petit oisillon est sorti de sa cage en pain d'épice, et s'est transformé en faucon mangeur d'hommes. Ou gros ours poilu, vous choisissez la métaphore que vous voulez.

Erreurs et mauvais goût.
    Il faut dire qu'on voyait le choc venir, lorsqu'était arrivé Dreamland, premier single. Les beats kitsch un peu bizarres assortis d'une voix qui se prend pour Kate Bush, tout nous rappelait que le petit coté « je fais de la musique dans ma cave à Montpel pour me faire mon trip » avait glissé vers un « je vais à New-York pour faire mon disque, je mets quatre ans à le sortir et je me la joue Patti Smith parce que je le vaux bien ». Et tout le disque va suivre cette voix toute tracée, comme Nothing To Do With You, dont la mélodie au piano – tout en contretemps et saccade - aurait pu être belle sans les envolées vocales d'une Emilie qui est décidée à se lâcher.
    Plus tôt, Rainbow a introduit l'album en posant les bases d'emblée : synthé crissant suivi d'une rythmique basse-batterie toute en pulsation, donnant un résultat loin d'être génial mais plutôt bon comparé au reste, Emilie ne cherchant pas à crier. Les ruptures de tempo donnent un coté imprévisible au morceau, et le piano analogique mêlé aux trompettes et aux choeurs renvoient une imagerie SF vintage, qu'on va retrouver un peu plus tard sur Chinatown et ses grosses pulsations. Un morceau (médiocre, encore une fois trop Kate Bush-ien) évidemment dédié au quartier de New-York, dans lequel l'interprète était installée et qui a servi d'inspiration à tout l'album.
    Ballad of the Big Machine est la seule vraie bonne chanson du disque. Débutant par des bruits sourds accompagnant un piano léger, le titre sera entièrement construit autour du piano, qui va ensuite imprégner un rythme dansant à l'aide de quelques batteries. Un morceau léger, acidulé, dans lequel les refrains en chœurs rappellent des fêtes foraines un brin étranges. Pour le coup, la mélodie est réfléchie et est beaucoup moins brouillon que le reste. Et le reste commence avec The Cycle, dont le titre est révélateur : c'est redondant, répétitif, et les enchaînements de boites à rythmes sont rapidement décourageants.

Vite écouté, vite oublié.
    Plus tard, Emilie s'essaiera à de nouvelles expérimentations, comme avec Rocket To The Moon qui se fait presque jazzy. Claquements de doigts, saxophones, et instrumentation épurée malgré quelques apparitions électroniques ça et là ; tout ça est rondement mené, franchement étonnant mais réussi. Fools Like Us qui suit n'est pas mal non plus, notamment grâce à ses couplets, où Emilie chante doucereusement devant un parterre de voix fantomatiques et nappes de synthés. Le rythme se fait très agréable, marqué par des clappements de mains à la manière de la très pop Fleur De Saison du précédent album.
    Oui, finalement, ce sont ces quelques chansons honorables qui sauvent The Big Machine de la catastrophe ultra-nucléaire. Malgré tout, les morceaux suivants comme The Way I See You nous rappellent à quel point l'album est faible ; on a encore droit à des instrus électroniques franchement cheaps et des mélodies absentes de toute âme. Que sont devenues Il Pleut, Le Vieil Amant, Chanson de Toile, Opium ? Elles ont été mangées par un tourbillon pop dévastateur. Un changement qu'on avait déjà commencé à entrevoir sur certaines chansons de Végétal, mais qui est ici plein et entier.
    Alors, peut-être que certains aimeront, je ne sais pas. En ce qui me concerne, la déception est réelle, car The Big Machine porte malheureusement bien son nom. On a affaire à une grosse machine virevoltante, crachotante, qui se contente plus de faire beaucoup de bruit que de transmettre des émotions. Pourtant digne représentante d'une électro-acoustique poétique et intellectuelle sans être élitiste, Emilie Simon a ici basculé vers une grosse pop qui flirte parfois goulûment avec le mauvais goût. Alors bon, tant pis. M'en vais réécouter la BO de la Marche de l'Empereur, tiens.

Humbug, des Arctic Monkeys

Anansi — Sun, 20 Sep 2009 11:56:00 +0200

Après Whatever People Think I Am, That's What I'm Not et Favourite Worst Nightmare, voici Humbug, dernier album des Sheffieldoissien de Arctic Monkeys. Des titres de plus en plus courts, pour une qualité générale qui va décroissante elle aussi. Alors que le groupe nous avait habitués à du pop-rock jouissif sautillant, Humbug se fait beaucoup plus noir et atmosphérique. Le résultat ne convainc pas vraiment, même si la volonté de changer de cap (au risque de faire hurler les fans) est louable et augure du bon pour l'avenir du quatuor.

Grandeur et décadence.
    Il y a quelques semaines, la nouvelle a fait l'effet d'une bombe dans le paysage musical mondial. Une révolution, d'une ampleur sans précédent, un choc pour l'âme et l'esprit, plus peut-être que la mort de Philip des 2B3. Le NME n'a mis qu'un 7/10 à Humbug, le dernier album des Arctic Monkeys. L'hebdo musical anglais est pourtant connu pour être des fanboys aveugles du groupe, au-delà de toutes considérations, depuis le 10/10 accordé à leur premier album et 9/10 au deuxième. Alors là, 7/10, rendez-vous compte, c'est l'hallali. Pourtant, on l'attendait, cet album, les quatre gamins de Sheffield ayant décidé de se faire produire par Josh Homme, des Queens of the Stone Age.
    Mais, à l'écoute de ce Humbug, on se doit de se ranger du coté du NME. On est loin, très loin, de la qualité des deux premiers albums. Cela vient-il du déracinement du quatuor vers les Etats-Unis ? De l'état d'esprit des membres, qui ont voulu faire mûrir leur musique et ont perdu leur insouciance ? De leurs coupes de cheveux toujours plus longues ? Du fait que Josh Homme est roux ? Beaucoup de questions, d'éléments qui ont tous leur rôle dans l'affaire. Mais, attention : Humbug n'est pas mauvais. Oh non. C'est simplement un album moyen, là où Whatever People Think I Am, That's What I'm Not était fantastique par sa force brute et sa volonté de proposer du pop-rock au rythme ultra-cadencé.
    Ce troisième album est ainsi beaucoup plus posé, laissant la part belle au sacro-saint duo basse-batterie. Il propose une musique plus atmosphérique, en calmant les choses. Les mélodies paraissent plus réfléchies, et c'est finalement ce qui cloche ; on a l'impression que le groupe s'est laissé bercé. Et même si certains morceaux jouent à merveille avec ce monde plus brumeux, tout est trop doux, à l'image d'Alex Turner qui a troqué sa voix coléreuse et ses couplets percutants pour un timbre beaucoup plus bas et doucereux. Il semblerait donc qu'en grandissant, ceux qui n'étaient que des adolescents à leur premier album soient devenus plus sages. Et c'est dommage.

Syndrome du rocking-chair.
    On ressent ce « malaise » dès la première chanson. Alors que les Singes de l'Arctique avaient pour habitude de tout faire exploser dès le départ histoire de faire comprendre à qui on avait affaire, My Propeller se fait bien trop mollassonne pour inspirer quoi que ce soit. Outre les références sexuelles du sieur Turner encore tout hormonalement chamboulé (« mon hélice ne tourne pas et je n'arrive pas à la faire démarrer, quand arrives-tu ? »...), la chanson peine à s'élever malgré la batterie d'un Matt Helders toujours aussi balèze et des guitares western du plus bel effet qui donne un air Morriconien au morceau.
    Crying Lightning suit le même créneau, mais en mieux. Entièrement construit du combo basse-batterie (je vous ai prévenu) auquel viennent se greffer des guitares lors des climax, le morceau est franchement intéressant pour l'ambiance presque surréaliste qu'il distille grâce à sa mélodie. On ressent ici l'influence directe de l'expérience Last Shadow Puppets de Turner, avec une mise en avant évidente de la mélodie. Ce sera également le cas pour Secret Door un peu plus loin, avec son rythme sautillant et sa fin très lyrique, où Turner se fait langoureux, glissant sur un lit de délicates guitares électriques.
    Par opposition, Potion Approaching est beaucoup plus rude. C'est ici le coté plus heavy de l'album, où la production de Josh Homme est plus présente que jamais. Ouvrant sur des guitares électriques mordantes, le titre joue sur un rythme très saccadé, presque métronomique. Le résultat n'est pas franchement concluant, notamment à cause de chœurs pas très beaux, même si la volonté de proposer une expérience plus bluesy que leur musique traditionnelle est tout à leur honneur. C'est en fait un reproche général qu'on peut faire à l'album : le changement artistique est évident, mais il n'est pas franchement réussi.

Agréable, pas plus.
    Humbug se place donc avant tout comme un album de transition, entre le passé des Arctic Monkeys et leur futur. Les ados ont grandi, et ils veulent être les garants d'une musique différente, d'un rock plus profond que celui qu'ils produisaient jusqu'alors. Quand on écoute Fire and the Thud, sa voix fantomatique et ses cymbales souffreteuse, on est bien loin de I Bet You Look Good On The Dancefloor, c'est clair. Mais ça n'en est pas mauvais pour autant. Alors, même si Humbug ne réussit pas toujours ce qu'il entreprend, il augure quelque chose de bon. Parce qu'il est le signe que les Arctic Monkeys peuvent durer dans le temps.
    Pour preuve, l'album contient plusieurs petites perles, telles que Pretty Visitors qui est sans doute mon morceau favori du groupe. Là, pour le coup, on retrouve le groupe tel qu'il était lorsqu'il avait éclaté à la face du monde fin 2005. Alex Turner y est surexcité, chantant des couplets effrénés devant des guitares déchaînées et une batterie à la limite de l'explosion... Mais, puisque nous sommes en face des Arctic nouvelle version, un orgue vient se mêler à la fête, offrant des moments de rupture de toute beauté et une intro simplement fantastique.
    Je devrais également citer Cornerstone, ballade simple et belle, où Turner montre tout son talent de songwriter, qu'on lui connait depuis ses débuts. Oui, Humbug contient bien plusieurs moments de pure classe, qui viennent nous permettre de souffler entre deux morceaux beaucoup plus noirs (Dangerous Animals et ses répétitions étouffantes, très vite chiantes), Alors, mauvais ou pas, cet Humbug ? Ce qui est sûr, c'est qu'il s'écoute différemment des deux précédents albums du groupe ; il prend le temps de se poser, et est moins dans la consommation immédiate. Néanmoins, c'est justement ce coté immédiat qui faisaient des Arctic un groupe jouissif, qu'on écoutait en quasi-état de transe... Les gamins ont grandi, et se mettent à penser. Le temps dira s'ils ont eu raison.

Quelques extraits de l'album

Arctic Monkeys - Pretty Visitors

Arctic Monkeys - Crying Lightning

Inglourious Basterds, de Quentin Tarantino

Anansi — Sat, 29 Aug 2009 13:07:00 +0200

D'un coté, les Basterds, groupe d'américains infiltrés en France nazie pour scalper du boche. De l'autre, Shosanna Dreyfus, française juive dont la famille a été décimée et qui prépare sa vengeance. Au centre, les Allemands. Longs dialogues posés, scènes de gunfights couillues, personnages délirants et ultra-charismatiques, hommages appuyés à différents pans du cinéma... Pas de doute, on est bien chez Quentin Tarantino. Mais du bon Tarantino. Du formidable, même. Inglourious Basterds est une oeuvre pleine et entière aux qualités innombrables, par un auteur tellement passionné qu'il en est passionnant.

Un projet de longue date.
    Cela faisait une dizaine d’années que l’idée d’Inglourious Basterds trottait dans la tête de Quentin Tarantino. Et, même s’il croule sous des tonnes de projets de différentes natures, l’homme n’est pas du genre à abandonner. Parce qu'il est avant tout un réalisateur passionné, qui avance par coup de cœur, quitte à décevoir. Il suit sa voie, sans se préoccuper de ce que le public lui demande, avec toujours la même ferveur qu’il avait lorsqu’il dirigeait un video store. Ses manies, ses habitudes, peuvent énerver le plus grand nombre (on y reviendra), mais lui s’en tape. Il fait ce qu’il aime faire.
   Inglourious Basterds s’inscrivait d’emblée comme un projet atypique dans la filmo de Tarantino, qui n’avait jamais encore fait de film de guerre. On s’attendait alors à un film plus sérieux que ses précédents métrages, le contexte de la seconde guerre mondiale ne se prêtant pas franchement aux délires pop à la Kill Bill ou Death Proof. Et bien, on s’est bien planté. Oui, nous sommes bien dans la seconde guerre mondiale, pas de doute. Mais c’est Tarantino qui invite, et ça, ça change tout. Dialogues cisaillés au millimètre, personnages charismatiques et franchement délirants, scènes de violence ultra-marquantes… Welcome home.
   Encore une fois chez le réalisateur, son dernier film ne fera pas l’unanimité, comme on a déjà pu le voir au Festival de Cannes, où Inglourious Basterds était présenté en grande pompe. Certains parlaient de génie, d’autres à la déception d’un auteur qui tournait en rond, et le reste mangeait du caviar sur la terrasse du Martinez. Tout le monde se fait sa propre idée, se construit sa propre opinion, parce qu’il ne faut pas compter sur Tarantino pour faire des compromis. La mienne, d’opinion, est claire : Inglourious Basterds est criant d’excellence, tant il est maîtrisé de bout en bout.

Moins américain qu'européen.
    Le film, contrairement à ce que peut faire croire son titre, n’est pas uniquement centré sur les Basterds, cette troupe d’américain dirigée par Brad Pitt (hilarant, notamment grâce à son accent) et lâchée en pleine France occupée pour trucider du nazi. Ils en sont des héros, certes, mais ce ne sont pas les seuls. Un personnage particulièrement mis en avant est celui de Shosanna Dreyfus, une française d’origine juive jouée par l’excellente Mélanie Laurent. Alors que toute sa famille est massacrée dans la superbe scène d’ouverture du film, on la retrouve plus tard directrice d’un cinéma et liée malgré elle à un héros nazi.
   Diane Kruger joue elle le rôle de Bridget Von Hammersmark, actrice allemande adorée de tous les nazis mais jouant un double rôle puisqu’elle va s’allier aux Basterds pour mener à bien un complot d’envergure. Le film est donc avant tout cosmopolite, car tous ses personnages, d’origines différentes, s’expriment dans leur langue : américaine, française, ou allemande. Le point central de tout cela étant le colonel SS Hanz Landa, surnommé le "chasseur de juif". Un homme polyglotte, tellement génial qu’il en est presque fou, joué avec une perfection inouïe par un Christoph Waltz qui n’a pas volé sa Palme d’interprétation.
   Oui, finalement c’est ce colonel nazi qui est le véritable personnage central du film, et nous rappelle que personne ne peut dresser le portrait de méchants aussi charismatiques que ceux de Tarantino. Par son phrasé élégant, sa violence retenue qui peut exploser à tout moment, son cynisme qui exsude littéralement de tous les pores de sa peau, Hanz Landa et son interprète font briller la pellicule à chaque fois qu’ils sont à l’écran. Ses scènes de dialogues sont magistrales, à l’image de celle qu’il entretient avec Shosanna au restaurant autour d’une crème glacée, laquelle Shosanna voyant en face d’elle le bourreau de toute sa famille.

Coup de coeur (en pleine poire).
    Cette française juive, jouée par une Mélanie Laurent qui nous rend fier d’être français, est un personnage puissant du film, puisqu’elle cristallise beaucoup de thèmes chers à l’auteur : la femme forte filmée avec une candide sensualité (la voir dans sa robe rouge nous ramène directement à ces grandes dames du cinéma comme Audrey Hepburn), rongée par la haine, qui va la jouer profil bas devant l’ennemi tout en mettant méticuleusement au point sa vengeance. Il parait que c’est un plat qui se mange froid. Tout cela pour arriver à un climax d’anthologie, une scène d’une force et d’une beauté hors du commun. En fait, tout le film est parsemé de scènes fantastiques, à l'image de celle du bar, qui nous ramène directement à la grande époque de Reservoir Dogs. De plus, par son métier, Shosanna est l’excuse de Tarantino pour faire ce qu’il adore le plus : parler de cinéma, tout simplement.
   Parce qu’au-delà de son contexte cruel, ses personnages hilarant, ou ses dialogues passionnants, Inglourious Basterds est avant tout une lettre d’amour au beau cinéma, celui des années 30, européen. Une déclaration énamourée au cinéma dans son ensemble, en fait. Pas celui des paillettes et des loges de luxe avec petits fours et peignoirs en cachemire, mais celui des pellicules au nitrate et des caméras grand objectif. La passion du réalisateur transparaît véritablement dans son œuvre, et c’est aussi cela qui la rend si forte, l'ensemble étant sublimé par une magnifique mise en scène. On ne sait pas toujours où le réalisateur veut nous emmener, mais il le fait avec un tel sourire que l’on ne peut s’empêcher de le suivre.
   Alors, oui, Inglourious Basterds n’est pas parfait, et les dialogues prennent parfois une telle place que certains thèmes ne sont traités qu’en superficialité. Là où on s’attendait à ce que Tarantino soit plus sérieux, le réalisateur traite en fait de la seconde guerre mondiale avec l’humour qu’on lui connaît, en ne voulant pas aller vers la noirceur. Certains lui reproche cela. Mais en fin de compte, Inglourious Basterds est l’un des films les plus maîtrisés de Tarantino, parce qu’il conjugue à merveille tout ce que le metteur en scène sait faire, tout en possédant cette passion qui me fait adorer cet homme. Avec Tarantino, il n’y a pas de films d’auteur, ou de films à grand spectacle. Il n’y a que le cinéma. Tchi tcha.

L'histoire d'un canard numérique...

Broken Bells, de... Broken Bells

Shutter Island, de Martin Scorsese

In The Air, de Jason Reitman

Fantastic Mr Fox, de Wes Anderson

Contra, de Vampire Weekend

Invictus, de Clint Eastwood

It Might Get Loud, de Davis Guggenheim

"A Bittersweet Symphony" : (500) Days Of Summer, de Marc Webb

« This is a story of boy meets girl. But you should know upfront: this is not a love story. »

Avatar, de James Cameron

Les Restes Du Monde, N°24

Trucmuches of ze year 2009

Le film de l'année

The Wrestler - Darren Aronofsky

Le meilleur livre lu cette année

The Blade Itself - Joe Abercrombie

L'album de l'année

West Ryder Pauper Lunatic Asylum - Kasabian

La série télé de l'année

Mad Men - Matthew Weiner (AMC)

Le jeu vidéo de l'année

Batman : Arkham Asylum - Eidos Studios (Xbox 360)

The Fall, de Norah Jones

Quelques extraits de l'album

Them Crooked Vultures

Futurama, de Matt Groening : la résurrection d'une merveille

Cosmic Egg, de Wolfmother

Kaamelott - Livre VI, de Alexandre Astier

The Blade Itself (The First Law, T.1), de Joe Abercrombie

The Big Machine, d'Emilie Simon

Humbug, des Arctic Monkeys

Quelques extraits de l'album

Inglourious Basterds, de Quentin Tarantino

« This is a story of boy meets girl.
But you should know upfront: this is not a love story. »